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Numero 83 - Dietro il grande schermo

AAA: si caratterizza così il mondo degli annunci perché, chiarisce anche l’Accademia della Crusca, essendo impaginati in ordine alfabetico, la sigla risponde allo scopo di far apparire l’annuncio di interesse prima degli altri. Quindi AAA e leggete un paio di note prima di procedere. AAA: non è una lettura riservata a un pubblico adulto. AAA: gli amici degli amici sono persone reali che hanno gentilmente raccontato qualche aneddoto in cambio dell’anonimato. AAA: un grande grazie a coloro dei quali leggerete nome e cognome per la disponibilità e per il tempo dedicato.
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<h2>Gli esordi del cinema pornografico italiano</h2>
Il cinema pornografico in Italia, con i primi film qui prodotti, nasce a partire dal ‘79. “La nascita del genere hard trova impreparate le commissioni censura ma non magistrati e moralizzatori. Se le prime cadono nel tranello dei callidi cinematografari, che presentano in censura copie di pellicole radicalmente diverse da quelle destinate alle sale (le sequenze hard, sostituite con altre di contenuto più blando, vengono rimontate una volta ottenuto il nullaosta), i secondi tentano di contrastare il fenomeno ricorrendo more solito a denunce e sequestri. (&#8230;) Un colpo decisivo al fiorente genere, più che da queste sporadiche iniziative, è invero inferto dal Procuratore della Repubblica di Civitavecchia Antonino Lojacono, il quale, tra il gennaio e il marzo 1982, ordina il sequestro di oltre 180 film hard su tutto il territorio nazionale. Il magistrato ipotizza (a ragione) che le pellicole siano state infarcite di sequenze pornografiche dopo il rilascio del visto censura”. Così ne scrive Franco Grattarola, studioso di storia del cinema e critico cinematografico, nel saggio “Il cinema ‘vietato ai minori’ tra petizioni popolari e commissioni censura” (Cinecensura &#8211; 100 anni di revisione cinematografica in Italia).
“Tutti noi uomini, in fondo, vorremmo essere attori porno. Penso al classico uomo comune, il vicino della porta accanto. Chi è il pornostar: l’uomo della locandina o quello che la mattina va in ufficio e digita control-alt-canc?”, mi dice chiacchierando un amico di un amico per poi atterrare su una constatazione facile: nella vita di provincia il settore del porno ha sempre avuto, e ha tutt’oggi, un terreno fertile. Qui sono nati nomi poi divenuti noti anche al di fuori dei confini territoriali.
Un esempio: Jessica Rizzo. Esordisce come cantante insieme a Marco Toto. Nel 1989 i due si sposano. Nello stesso anno ricevono e accettano una proposta: partecipare a un film pornografico che, in breve tempo, li porterà alla popolarità. Il fenomeno Jessica Rizzo nasce in un contesto territoriale sui generis. Una piccola provincia dell’entroterra marchigiano, devota al lavoro, chiusa ma al tempo stesso vocata all’internazionale (siamo dove è nata e si sta consolidando, in quegli anni, l’industria degli elettrodomestici).
Nella nativa Fabriano (Genga, per l’esattezza) alcuni spettatori di un cinema a luci rosse riconoscono i due protagonisti. La notizia si diffonde in fretta e il film registra un notevole successo di botteghino e fuori dal cinema Astra si formano lunghe code di curiosi. Anni dopo, la sala fabrianese a luci rosse viene chiusa e l’edificio riconvertito in appartamenti. In uno di questi, in pieno centro storico, finisco anch’io. Tempo dopo un amico tassista mi confida: “Mentre tu ti affannavi a indicarci ogni volta il vicolo, il civico e l’angolo dell’incrocio di casa tua, per noi era sufficiente dire l’ex Astra”. Sono passati vent’anni da quelle code. Ma, si sa, la memoria è più lunga.
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<h2>Il porno in Italia: né arte, né fisco</h2>
Di che mondo del cinema parliamo? “Il cinema pornografico non è cinema, è un qualcosa del tutto diverso. È un cinema a due dimensioni, manca di profondità”, mi spiega Alessandro Boschi, critico, autore e conduttore di Hollywood Party, Rai Radio3. “Sta al cinema come le vignette sui giornali stanno ai fumetti, sono proprio cose diverse. Ho visto il film di Valentina Nappi, ISVN. Banalizza cose che sono già banali. Non si può far passare tutto per arte. Come fa ad essere arte il racconto di una giornata di una pornostar? Di per sé non ha assolutamente nulla di interessante”.
Grattarola (autore, tra l’altro, insieme ad Andrea Napoli di Luce Rossa. La nascita e le prime fasi del cinema pornografico in Italia, Iacobelli, 2014) continua a raccontarmi di quel cinema e mentre me ne parla viene fuori il ritratto di un’Italia profondamente diversa: “Il cinema di questi anni non è un hard divistico, Moana Pozzi ha già girato due film ma con degli pseudonimi. È un mondo caratterizzato da un certo senso di vergogna, sono pochi quelli che vi lavorano. La massima diva è Marina Frajese, prima moglie di un giornalista Rai piuttosto famoso che poi le proibì di utilizzare il suo cognome; l’equivalente maschile è Manlio Cersosimo”.
Cersosimo è un ex bancario, figlio di Vincenzo Cersosimo, giudice istruttore del famoso Processo di Verona con imputato Galeazzo Ciano. A un certo punto decide di lasciare il lavoro in Banca d&#8217;Italia (cosa impensabile, allora come oggi), inizia a fare lavoretti minori fino a quando non si fa notare durante un film con l’esordiente Carmen Russo. Da lì inizia una carriera di successo. Ma che mondo è, lavorativamente parlando? “Gli attori sono pagati poco. Gli uomini prendono centomila lire per una giornata di lavoro, le donne un po’ di più. Qualcuno concorda un forfettario di un milione a film. Parliamo di produzioni che durano una settimana; solitamente gli studi sono le case private”. Economicità e velocità le parole d’ordine.
Ancora oggi, raccontandomi qualche episodio, ride di gusto un’amica di una mia amica: “Anni fa sono uscita per un po’ con Franco, non era ancora famoso in quel periodo. Ricordo che si lamentava sempre perché in Italia il suo lavoro non era riconosciuto e quindi lavorava prevalentemente nell’Europa dell’Est; diceva che non avrebbe mai avuto una pensione perché il lavoro del pornoattore non era fiscalmente riconosciuto”. Franco è Franco Trentalance, bolognese, pornodivo internazionale, attivo fino a un paio di anni fa quando decide di chiudere con questo mondo per dedicarsi a tutt’altro.
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<h2>Il cinema porno italiano che nasce in provincia</h2>
“Oggi tutto si è molto più industrializzato. È cambiato tutto: il contesto storico, sociale, culturale. Era un’Italia con un’identità circoscritta: oggi non ci sono più confini, è un’altra era”. Ricorda così quegli anni Giuliana Gamba, regista, sceneggiatrice e produttrice cinematografica, prima e unica donna in Italia a girare film porno: “Negli anni Settanta fare il cinema porno per me, come femminista, è stato un gesto rivoluzionario, di rottura: ho fatto due film ma non avevo alcuna intenzione di lavorare per quel cinema. Oggi si sono ribaltati tutti i canoni, anche quelli comunicativi. Anche all’epoca c’erano piccole star, ma era tutto in un contesto circoscritto. Si è poi realizzata una trasformazione allora inimmaginabile”.
Continua Grattarola: “Il regista più dissennato di questi anni è Angelo Pannacciò, di Foligno. Aveva ambizioni cinematografiche ma le sue produzioni si rivelano fallimentari. Così per togliersi i debiti accumulati iniziò a girare una serie di hard, tutti dentro casa sua, con attori davvero improbabili”. Inizia a farsi strada l’idea che anche per questo mondo del lavoro occorra il professionista: “Per l’hard divistico bisogna aspettare Riccardo Schicchi, con Cicciolina e Moana Pozzi – quest’ultima esplode nel 1987 con il film Fantastica Moana: a Genova, la sua città, la riconoscono e vengono organizzati pullman per andare a vederla”. Con Moana si passa a una pornografia di famiglia: è un’Italia già diversa, si è compiuta un’evoluzione del costume che passa dall’accettazione, ed è agevolata dalle nuove modalità di fruizione del porno, da cinematografica a casalinga. Con l’home video la fruizione si amplia.
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<h2>L’era del porno su internet e di Rocco Siffredi</h2>
Oggi anche il cinema pornografico passa in rete, e viene meno quel senso di trasgressione con cui era nato. Si aprono al contempo nuovi scenari: il porno ha raggiunto il mondo dei cartoni, basti pensare ai manga giapponesi. Non solo. Sono nati siti dedicati davvero estremi: la matita non pone alcun limite alla fantasia e si insegue soltanto il senso di stupore.
“Allora il porno veniva consumato nelle sale a luci rosse, parliamo di un’epoca in cui non c’erano neanche le televisioni private! Oggi la modalità di fruizione è molto cambiata: è diventato un bene di consumo, prima aveva un significato di rottura. Sono stata l’unica donna! All’epoca ho avuto tutti contro, oggi mi hanno capito”. Lo scorso anno a Roma, al cinema Trevi, la Cineteca Nazionale organizza una tre giorni di rassegna. Nel programma un omaggio a lei, Giuliana Gamba Una libertaria nel cinema: “Oggi lo riconoscono&#8230; ma lì per lì no”, conclude ridendo.
Torniamo alla provincia, abruzzese. A Ortona nasce un nome ancora oggi tra i più noti sulla scena pornografica internazionale: Rocco Siffredi. Lo ascolto in una sua recente ospitata nel programma di Rai1, Io e te di notte, condotto da Pierluigi Diaco. Chiacchierando, dichiara di fare il lavoro che avrebbe sempre voluto fare sin da bambino (sic) e, aggiunge, “il mio mestiere è divertimento nonostante io lo faccia con molta serietà, però ci si diverte, alla base”. Il senso di vergogna iniziale è scomparso e siamo alla normalità del lavoro scelto, sottolinea Siffredi parlando della conciliazione tra professione e vita familiare. Cersosimo fu selezionato per una pubblicità televisiva ma quando si seppe che aveva girato dei porno fu fatto fuori. Siffredi ha ampliato la propria notorietà proprio pubblicizzando in tv prodotti di largo consumo. Nel 2014 viene scelto, tra qualche polemica, come testimonial di un congresso della Società Italiana di Urologia, un summit di circa 1.500 specialisti. Segni di un Paese che cambia.
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I divi del porno italiano sono figli dei paesi

È un enorme “j’accuse”: tra le più gettonate polemiche a cavallo tra il 2018 e il 2019 troviamo quella che riguarda le molestie sessuali tra produttori, registi, attori, attrici, giovani rampanti, stagisti, assistenti, baby fenomeni.
La Mostra del Cinema di Venezia del 2019 non ha fatto eccezione, in un tango tra morale, opinione pubblica e arte. Ma forse c’è dietro una sequela di elementi che dà luogo a un risultato che è più della somma delle parti. Proviamo a guardare le cose da un’altra prospettiva, senza filtro, come al solito.
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<h2>Il J’accuse di Polanski a Venezia</h2>
Andiamo con ordine: sotto i riflettori l’ammissibilità in concorso del film J’accuse di Roman Polanski. Il film di uno “stupratore” prima latitante, poi impossibile da estradare, poi preso, mandato in prigione, rilasciato, ripreso e via dicendo. Da un punto di vista giudiziario il caso di Polanski rimane difficilissimo da inquadrare e definire dato che, in effetti, il regista non è mai stato condannato per stupro ma per “rapporto sessuale extramatrimoniale con persona minorenne”.
Un circo di articoli, post e interviste pieno di condannati, sponsor e “Mirandoline” di questi maniaci sessuali o presunti tali (come l’attore Jack Nicholson, o lo sponsor Mia Farrow). Si decide a tavolino, di volta in volta, di dare o non dare peso a i nomi altisonanti che sapevano di non sapere o non sapevano di sapere, fino a quando non hanno l’attenzione dei media. Di Weinstein ad esempio tutti sapevano, ma tutti tacevano. Sapevano perché dietro le quinte veniva chiamato Scissorhands: esercitava un potere enorme su chiunque, persino sui registi, dei quali tagliava a piacimento le sequenze in montaggio, proprio come avesse le mani di forbice. Dei suoi provini ognuno conosceva lo scabroso iter. Eppure ci sono voluti anni affinché i fatti fossero talmente rilevanti da provocare la rimozione di Weinstein da tutti i ruoli di potere che aveva collezionato nella sua carriera.
Ancora un attimo di pazienza e sarà chiaro dove voglio arrivare.
<a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2019/09/51144-J_ACCUSE_-_Director_Roman_Polanski.jpg"><img class="aligncenter wp-image-33111 size-large" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2019/09/51144-J_ACCUSE_-_Director_Roman_Polanski-703x1024.jpg" alt="" width="703" height="1024" /></a>
<h2>I casi di molestie nel cinema e la loro diversa ricezione</h2>
Quanto più le vicende sono più complesse e confuse, tanto più l’opinione pubblica si dilania nel giudizio di colpevolezza e non colpevolezza. Perché la complessità mal si presta alla comunicazione dei media generalisti, che tende a essere dialettica e schierata, bipolare e partigiana. Dentro i media si può dire di tutto purché si prenda una parte: questo lo hanno fatto molti artisti dalla parte di Polanski, che poi hanno tirato indietro braccio mano e sasso (vedi Quentin Tarantino).
Ma l’impressione che ho nel ricostruire l’intera vicenda giornalistica è che il terreno di raccolta di questa “opinione pubblica” sia stato fondamentale per determinare che l’unico J’accuse di cui si potesse/dovesse parlare fosse il film di Polanski. Nessuno tocchi la Mostra del Cinema di Venezia, una sorta di luogo dove sacro e profano sono talmente mescolati da costituire una sorta di bolla autoreferenziale (bello in proposito <a href="https://www.rivistastudio.com/roman-polanski-venezia/">l’articolo di Rivista Studio</a>).
È vero, J’accuse non ha vinto che il leoncino d’argento, perché Lucrecia Martel aveva espresso biasimo per la sua partecipazione ma aveva chiarito che avrebbe contato il film e nient’altro (che sia stato così?), linea confermata da un Virzì alquanto gigione. Ma chi si sente di dire che il suo film era migliore di Joker? Anche qui la critica resterà divisa, garantito, ma a Polański nessuno impedirà o ha mai impedito di continuare a fare film. Possiamo dire lo stesso di altri casi?
Qualcuno forse ricorderà cosa è accaduto a Kevin Spacey. Dopo l’accusa di molestie da parte dell’attore Anthony Rapp e il coming out dello stesso Spacey, in un moto di puro attivismo reattivo Netflix ha cancellato House of Cards. Spacey è stato bandito come se avesse la peste da tutto il sistema Hollywoodiano, senza poter ribattere. Ridley Scott lo “cancella” materialmente dal film Tutti i soldi del mondo. Spuntano come funghi le accuse da parte di altri attori. La storia è conosciuta. Se non fosse che a luglio del 2019 le accuse a Spacey sono cadute.
Aggiungiamo un altro tassello, vi va? Facciamolo d’argento: Asia Argento, che da vittima di Weinstein diventa carnefice di Jimmy Bennet. Prima ancora che i fatti fossero chiari viene ricusata come giudice da XFactor con una motivazione tutta da ridere.
Ma allora che cosa fa la differenza in questo calderone di casi che certo non sono tutti uguali?
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<h2>Chi è più colpevole e chi lo è meno, e per quali ragioni?</h2>
Ci sono due livelli da prendere in considerazione, che giocano un ruolo cruciale su come vengono poi trattati dagli utenti i diversi temi:
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<li>un fattore “tecnico”;</li>
<li>un fattore “sociologico”.</li>
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Ciò che porta in luce le vicende delle violenze e degli abusi di potere è l’esistenza formale di un interlocutore. Abituiamoci a chiamarlo interlocutore, elemento del dialogo: non vittima, non abusato/a. Interlocutore. Perché la dinamica che si instaura, tecnicamente, è comunicativa. Si oscilla tra una parte e l’altra a suon di botta e risposta. Così il caso Spacey non esiste senza Rapp, il caso Argento non esiste senza Bennet, il caso Weinstein non esiste senza #Metoo.
Ci siamo appena dati una risposta: è l’interlocuzione della Geimar che toglie sostanza al caso Polanski. Le sue dichiarazioni sono il “fuori salone” della vicenda, perché non c’è contrapposizione, non c’è dialettica e non ci sono parti. Polanski ha pagato, la Geimar ha difeso Polanski e nulla da dire. Una questione da leoncino d’argento e basta. Una bacchettata sulle mani dove la crasi artista-uomo sociale viene privata di qualsiasi senso.
Non è singolare che nel periodo della Mostra a Venezia le parole associate a Polanski nella ricerca Google siano state “Sharon Tate &#8211; Charles Manson”? Avreste pensato a “stupro”, vero?
<a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2019/09/erika.png"><img class="aligncenter size-full wp-image-32991" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2019/09/erika.png" alt="" width="1156" height="393" /></a>
Immagine  (Fonte: Google trend)
Analizziamo il secondo fattore, quello sociologico, per intenderci: perché qui si sta parlando di opinione pubblica. Mi perdoneranno i sociologi se scomodo alcuni teorici che sto rileggendo scoprendone tutta la sostanza. Blumer  Public opinion and public opinion polling, in American Sociological Review, 1948) sosteneva ci fosse una differenza tra massa e pubblico. Sosteneva che una delle differenze più rilevanti fosse la tendenza del pubblico ad acquisire maggiore consapevolezza dei temi trattati, a costituirsi appunto come gruppo con una opinione fondata su una condivisione di un determinato sapere, retaggio, cultura. A differenza della massa, che riceve l’argomento a un livello più basso e ne condivide alcuni aspetti, ma senza approfondimento. Il pubblico sarebbe così auto-consapevole, la massa invece empatica ed emotiva.
Ma la velocità di circolazione delle informazioni, l’effetto social, che ha trasformato il concetto di partecipazione e anche di esercizio dell’emotività, crea un nuovo livello di pubblico. Si fonde la massa con il pubblico, trasformandosi in un insieme di emotività a forte concentrazione tematica. E non comanda più l’autorevolezza della fonte nel determinare il potere circolante di una polemica, ma il traino emotivo dell’interlocuzione – a suon di hashtag.
Quanto più si inserisce in una mitologia moderna la vicenda, tanto più si crea il presupposto dell’empatia partecipativa al tema. Quando Kevin Spacey è diventato esattamente Frank Underwood ci abbiamo creduto subito. Non perché la notizia fosse eclatante, ma perché l’attore finalmente corrispondeva al suo miglior personaggio, incarnandone la sua mitologia. Così Weinstein Mani di Forbice. Così per Asia Argento, che in fondo era la mamma drogata e viziosa di Jimmy Bennet.
Il capolavoro di Polanski è stato forse questo: essere talmente tante cose (vedovo, stupratore, regista, fuggitivo, ologramma) da non esserne nessuna. E se diamo a Cesare ciò che è di Cesare allora vale quello che affermava Niklas Luhmann in tempi non sospetti: «I temi non servono direttamente a determinare il contenuto delle opinioni ma, in primo luogo, e soprattutto, a catturare l’attenzione» (Luhmann N., L’opinione pubblica, in Stato di diritto e sistema sociale, Guida, Napoli, 1978).

Polanski a Venezia: siamo pubblico o massa?

Intervista di Stefania Zolotti ad Andrea Romeo, direttore artistico BiograFilm Festival di Bologna

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Stefania Zolotti

Direttrice responsabile di SenzaFiltro e giornalista con il debole per le relazioni e le persone. Studiosa e appassionata di geografie umane e di paesi. Con la laurea in giurisprudenza non ha mai intrapreso le classiche strade: l&#8217;unico ufficio legale in cui ha lavorato è stato quello di Altroconsumo a Milano dal 2001 al 2003, con una parentesi nella sede di Bolzano grazie al patentino di bilinguismo tedesco. Dal 2002 Collabora come freelance con la rivista Business People e dal 2023 con Artribune dove racconta storie italiane di teatri di periferia. &#8220;Sentimenti precisi&#8221; è il nome del progetto con cui dal 2021 gira l&#8217;Italia tenendo laboratori contro i blocchi della scrittura: lo fa per aziende, associazioni, scuole, singole persone e gruppi. Dal 2008 al 2017 Responsabile Comunicazione e Segretaria di direzione per una grande azienda pubblica del settore ambiente dove ha sviluppato progetti di green marketing e di educazione sostenibile. Dal 2012 contribuisce a creare e coordinare progetti per la business community FiordiRisorse, che è anche l&#8217;Associazione editrice di SenzaFiltro. Autrice del libro &#8220;Ti fai male&#8221; (2020), romanzo generazionale scritto inizialmente come ghostwriter. Ha lavorato per 20 anni come giornalista nel campo del vino e del cibo collaborando con le principali testate nazionali e pubblicando due libri: &#8220;Vino a doppio senso. Guida ironica per uomini e donne&#8221; (Gabrio Marinelli Editore, 2006) e &#8220;Il Bicchiere mezzo pieno. Liberarsi dagli esperti è il primo passo per bere bene&#8221; (Le Lettere, 2020). L&#8217;ultimo libro, di cui è curatrice, è &#8220;Coaching, maneggiare con cura&#8221; di Carlo Bisi (Edizioni FiordiRisorse, 2023). &nbsp; E-mail: stefania.z@fiordirisorse.eu

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[VIDEO] Andrea Romeo, Biografilm Festival: &#8220;No, il cinema non è morto&#8221;

Intervista di Stefania Zolotti ad Andrea Romeo, direttore artistico BiograFilm Festival di Bologna

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Perché stiamo male quando lavoriamo? Scaviamo nelle origini del disagio che si prova nel lavoro, nei lavori, nei nostri e in quelli di tutti: gli infortuni più diffusi sono quelli mentali.

Numero 115 - Infortuni mentali

Vivono in un limbo. Non studiano, non lavorano, non hanno nessun tipo di formazione. In preda ad un malessere esistenziale, non riescono a trovare il proprio posto nel mondo e fare qualcosa di concreto per loro stessi. Vengono definiti NEET – Not in Education, Employment or Training – e sono tutti quei giovani la cui età è compresa tra i 15 e i 35 anni che letteralmente “non fanno nulla”.



I numeri in Italia parlano chiaro: si stima che sono poco più di tre milioni con un tasso maggiore per quello che riguarda le donne, circa 1,7 milioni. L’incidenza superiore è al Sud Italia, dove la percentuale è più alta rispetto al Centro e al Nord.



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<h2 id="h-chi-sono-i-neet-giovani-nel-limbo-la-neuropsichiatra-olivia-ninotti-condizione-sociale-in-peggioramento">Chi sono i NEET, giovani nel limbo. La neuropsichiatra Olivia Ninotti: “Condizione sociale in peggioramento”</h2>



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I NEET sono quella fetta di società che oscilla tra il non avere una collocazione all’interno del tessuto sociale e cercare di barcamenarsi tra due o più lavori per sbarcare il lunario. Ma può, la società, rinunciare a una parte di questa generazione? Di fatto la fotografia psicoemotiva dei giovani tra i 15 e i 35 anni, oggi, soprattutto a ridosso della pandemia, ne mostra il grande disagio.



“Questo problema, però, c’era anche prima dell’emergenza sanitaria”, sottolinea Olivia Ninotti, neuropsichiatra infantile, psicoterapeuta, direttore sanitario presso AIAS di Milano Onlus. “Sono dieci anni circa che ci troviamo di fronte a una parte di giovani, definiti con l’acronimo NEET, che non riescono a fare, oppure fanno, tante cose senza realizzare qualcosa di giusto per loro. La pandemia ha acuito questo disagio per dei motivi ben specifici. La chiusura forzata dei lockdown, la paura del contagio, l’utilizzo esagerato dell’online per comunicare, tutto questo ha fatto in modo che quella parte di ragazzi con delle difficoltà relazionali, scolastiche, lavorative, trovassero il proprio nido all’interno delle mura domestiche, mura dove rinchiudersi”.



Giovani che hanno sviluppato disturbi del comportamento alimentare in parità di genere, ansia, depressione, autolesionismo; nei casi più gravi si pensa al suicidio. “Uscire da questa situazione è complicato”, continua la neuropsichiatra, “perché sono ragazzi che si rendono conto che c’è una fetta di loro coetanei che ce la fa, a differenza loro. Questo li porta a una condizione di immobilismo, si sentono ancora più inefficienti rispetto ai pari o rispetto ai modelli che la società propone in termini di prestazione e competizione. Per questo motivo fanno ancora più fatica. Senza considerare che ci troviamo di fronte a una condizione sociale in peggioramento, e noi che lavoriamo a stretto contatto con questa fascia di persone abbiamo la percezione in maniera chiara”.



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<h2 id="h-stritolati-dalle-richieste-della-societa-con-una-differenza-di-genere">Stritolati dalle richieste della società. Con una differenza di genere</h2>



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La nostra società sta cambiando in senso prestazionale e narcisistico. Quello che viene richiesto ai giovani – ma non solo – è performance, velocità e competenze specialistiche, ma non tutti riescono a inserirsi in questa corsa.



“Per arginare questo problema e provare a prevenire la sua manifestazione, la società e le politiche pubbliche dovrebbero rallentare nelle richieste e dovrebbero smettere di proporre ed esaltare modelli di competizione. Dovrebbero investire molto di più sulla creazione dei servizi aggregativi sia per la famiglia che per i giovani. Si punta così tanto all’individualismo per cui chi ce la fa, avendo anche le risorse economiche e psicologiche, riesce, ma questo rappresenta il 10% rispetto al tutto il resto”.



Alla fine quello che ne risente è l’aspetto psicoemotivo. La Commissione europea, nel rapporto per la richiesta di bonus psicologico, ha sottolineato come su 300.000 domande prese in carico, il 43,55% proviene da giovani tra i 18 ed i 35 anni, mentre i minori, al di sotto dei 18 anni che hanno chiesto aiuto, sono il 16,62%. Il <a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/bonus-psicologo-una-tantum/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">bonus psicologico</a>, però, per come è stato strutturato, non rappresenta la soluzione a tutto, anzi, “è una goccia nel mare”, spiega Olivia Ninotti.



“Le terapie psicologiche sono a lungo termine, nel senso che in poche sedute non si possono risolvere i disagi emotivi. L’altro problema è la mancanza di servizi pubblici che dovrebbero rispondere a questo bisogno di presa in carico psicologica, ma se il pubblico non risponde si ricorre al privato, che ha un costo, e qui il bonus riesce a coprire solo una parte di questo bisogno. Anche perché stanno aumentando le sindromi ansiose/depressive – slatentizzate durante la pandemia – soprattutto tra i giovani, un malessere esistenziale che si traduce nel ‘non so quale sia il mio posto’, ‘non riesco a combinare niente’. In realtà sotto c’è proprio un vuoto che porta a non riconoscersi e quindi ad inserirsi nella società in maniera funzionale e adattativa.”



Un fenomeno, quello dei NEET, caratterizzato anche dalla diseguaglianza di genere: si stima che le donne siano in numero maggiore rispetto agli uomini, il 56% rispetto al 44%. “Questo perché al genere femminile, nella società occidentale, sono richieste tre cose: bellezza, prestazione e intelligenza”, continua la neuropsichiatra. “Ciò implica un ulteriore carico alle giovani donne, molto spesso tagliate fuori dal mercato del lavoro. Diseguaglianza di genere, ma non solo: anche territoriale. In Italia, se si dovesse accendere il focus sulle Regioni che funzionano meglio rispetto alle altre, ma sono pur sempre in affanno, vediamo come le stesse si trovano al Nord, quindi Lombardia, Piemonte, Veneto; segue l’Emilia-Romagna. Nel resto, poi, c’è il baratro”.



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<h2 id="h-come-si-disinnesca-il-fenomeno-dei-neet-le-societa-che-non-accolgono-il-gruppo-diventano-inefficienti">Come si disinnesca il fenomeno dei NEET: “Le società che non accolgono il gruppo diventano inefficienti”</h2>



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Di fatto, se si dovesse guardare al futuro, si dovrebbe stilare una vera e propria strategia per uscire da questo status quo, che immobilizza una parte importante di popolazione.



“Bisognerebbe cambiare le cose da un punto di vista di prevenzione e salute mentale, a livello non solo sanitario ma anche sociale, per sostenere i giovani e le loro famiglie; altrimenti il rischio è di andare verso un futuro un po’ distopico, dove vige un individualismo assoluto e un malessere sociale altissimo, che poi sfocerebbe nella criminalità, nei suicidi e in tante altre forme disfunzionali, perché è bene ricordare che le società che non accolgono il gruppo diventano società inefficienti”, conclude la dottoressa Olivia Ninotti.



Una situazione di emarginazione e alienazione dalla vita che dovrebbe essere arginata a partire dalla scuola. Inoltre ci vorrebbero delle politiche incentrate in maniera specifica su questi problemi, pronte a mettere in campo quelle misure efficaci per fermare il problema e non farlo dilagare. I giovani dovrebbero avere la possibilità di sviluppare i propri talenti e di portarli avanti. Ma tutto questo ad oggi non è possibile, o meglio lo sarebbe nella misura in cui ci si facesse davvero carico della situazione, mettendola a fuoco, non solo spendendo parole di mera circostanza.



Investire sui giovani significa investire sul futuro di una comunità, di un Paese. Non si può pensare di lasciare indietro una parte importante della società, soprattutto nell’epoca del progresso.



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Leggi gli altri articoli a tema <a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/inclusione/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Inclusione</a>.



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Photo credits: Marco Wolff via Pixabay

I NEET non sono rimasti indietro, ce li ha lasciati la società

Lo puoi immaginare così: seduto davanti al televisore con indosso una felpa o una maglia comoda, il sonoro indistinto e le immagini indifferenti, la casa silenziata dal sonno di chi la abita. In testa tante domande, varianti di una sola: sono un fallito?



È l’esemplificazione della condizione emotiva vissuta da migliaia di imprenditori e liberi professionisti, uomini o donne che siano, abituati a vivere per il proprio lavoro. Lo stesso che definisce la loro identità, anche rispetto alla famiglia e alla comunità.



“I più fragili tra loro, soprattutto se uomini, assumono il fallimento dell’impresa come fallimento personale, perdono fiducia e stima in se stessi, tendono a isolarsi per orgoglio, perdono lucidità e fanno tanta fatica a chiedere aiuto”. È la via crucis percorsa da tanti tra quelli che si rivolgono alla Fondazione antiusura Buon Samaritano di Foggia, in cerca di un aiuto economico utile a superare la crisi della loro piccola o piccolissima azienda, e che incrociano la dottoressa Annamaria Petito, docente di Psicologia clinica all’Università di Foggia e consulente della stessa Fondazione.



Chi ci arriva, chi riesce a superare “lo stigma sociale” del fallimento, che “grava particolarmente sugli imprenditori più anziani” e con una maggiore visibilità sociale, a parere di Annamaria Petito compie un enorme passo in avanti: “Comprende di aver bisogno di aiuto per salvare se stesso, di aver bisogno di aiuto per contrastare il malessere e nutrire l’autostima”.



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<h2 id="h-i-suicidi-per-motivazioni-economiche-e-i-due-tipi-di-imprenditori-in-fallimento">I suicidi per motivazioni economiche e i due tipi di imprenditori in fallimento</h2>



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Purtroppo, a farlo è una minoranza a fronte di una silenziosa e sofferente maggioranza in cui c’è anche chi non riesce a sfuggire al gorgo della depressione e delle sue conseguenze estreme. Lo confermano i dati, ancora in fase di elaborazione, raccolti dall’Osservatorio Suicidi per motivazioni economiche, attivato dieci anni fa dall’Università privata Link Campus University di Roma, e anticipati a SenzaFiltro dal suo direttore, Nicola Ferrigni, professore associato di Sociologia generale: “Con la ripresa post lockdown, i suicidi per motivazioni economiche sono aumentati del 15% e sono ancora gli imprenditori le vittime più numerose di questo fenomeno”, che pure si sta diffondendo in misura preoccupante tra quanti perdono il lavoro.



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<figure class="aligncenter size-full"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2022/11/DiBari1.png"><img width="1024" height="768" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2022/11/DiBari1.png" alt="" class="wp-image-52777" /></a></figure></div>


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È bene precisare che la motivazione economica è minoritaria (mediamente il 5% nell’ultimo decennio) tra quelle che annualmente provocano una media di 4.000 suicidi in Italia; è altrettanto indubbio che se ne rileva l’incremento in presenza di crisi sistemiche come quella provocata prima dalla pandemia e poi dagli effetti della speculazione energetica, enfatizzate dalla guerra in corso tra Russia e Ucraina.



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<figure class="aligncenter size-full"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2022/11/DiBari2.png"><img width="1024" height="768" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2022/11/DiBari2.png" alt="" class="wp-image-52776" /></a></figure></div>


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A parere di Ferrigni, si possono individuare due macrocategorie di vittime tra chi gestisce un’impresa: l’imprenditore altruistico e l’imprenditore rabbioso. Il primo “non riesce a far fronte agli impegni assunti con i dipendenti e i fornitori”, si grava anche delle loro difficoltà, di cui assume la totale responsabilità, e “vive il fallimento come una vergogna così profonda da essere insopportabile”. L’altro “interpreta il suicidio come estremo gesto di denuncia” di fattori distorsivi del sistema economico, su cui non ha alcun potere e che hanno provocato il fallimento della sua azienda, com’è il caso di chi “vanta importanti crediti dalla pubblica amministrazione, non riesce a riscuoterli e non può utilizzarli per fronteggiare la crisi”.



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<h2 id="h-ma-quale-crisi-gli-imprenditori-non-credono-agli-allarmi-della-stampa">Ma quale crisi. Gli imprenditori non credono agli allarmi della stampa</h2>



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La depressione profonda, all’origine della scelta di togliersi la vita, “non è un malessere che ho riscontrato e riscontro nella mia attività”, afferma Stefano Bianchi, direttore di CONFAPI Emilia. “Anzi, i piccoli imprenditori con i quali parlo sono molto determinati a superare anche questa fase critica”.



A suo dire, le emozioni prevalenti sono incertezza e frustrazione. La prima ha segnato soprattutto la fase acuta della pandemia, ed era conseguenza del “non sapere quando sarebbe finita, quando si sarebbe potuto riprendere a lavorare” con un minimo di serenità e una prospettiva più lunga del bollettino settimanale o delle fasi stagionali. La frustrazione è quella che si vive oggi: “Il fatturato aziendale è aumentato, in molti casi anche oltre i livelli del 2019”, riprende Bianchi. “Gli ordini arrivano, gli occupati aumentano, però non si può programmare nulla, neanche a medio termine”, a causa dell’instabilità e delle speculazioni.



Le analisi e le esperienze di Nicola Ferrigni e Stefano Bianchi convergono su una valutazione: gli imprenditori non si fanno influenzare dai continui allarmi diffusi a mezzo stampa. “Qualcuno ha aperto le procedure di cassintegrazione o ha attivato forme di tutela finanziaria basandosi sull’esperienza negativa di qualche collega – testimonia il direttore di CONFAPI Emilia – ma poi non ha utilizzato né l’una né l’altra”, perché nella realtà non si sono prodotti gli effetti negativi temuti.



“Gli allarmi sono più funzionali all’orientamento delle scelte politiche che a quelle delle decisioni aziendali”, aggiunge il docente di Sociologia generale, che poi annota: “Parlare poco o per nulla dei suicidi economici, però, è un errore”. O può essere una scelta, effetto degli eccessi allarmistici che hanno segnato le cronache nel biennio 2008-2010, quando a scatenare la depressione fu la crisi finanziaria sistemica e la gran parte degli organi d’informazione smarrì la capacità di distinguere tra le motivazioni che spingono una persona a togliersi la vita, e diffuse la percezione che non passasse giorno senza il suicidio di un ‘fallito’.



Tra gli imprenditori il cui equilibrio emotivo è stato destabilizzato dalle crisi, i “più giovani hanno una maggiore consapevolezza” della distinzione tra ciò che si è e ciò che si fa, riprende Annamaria Petito; quindi, “si sentono meno soli, sono più disponibili a farsi aiutare, anche per rimettersi in gioco”, e riescono ad analizzare più compiutamente il fallimento.



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<h2 id="h-quasi-fallita-colpevolizzata-ma-non-depressa-la-giovane-imprenditrice-a-due-anni-dalla-chiusura">“Quasi fallita, colpevolizzata, ma non depressa”. La giovane imprenditrice a due anni dalla chiusura</h2>



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Silvana, nome di fantasia scelto per una giovane imprenditrice che ha deciso di vivere a Milano e di farne la base per la sua piccola impresa nel settore della moda, ci sta provando, a ripartire, eppure non riesce a fare a meno di avvertire il peso – anche personale – del fallimento: “L’azienda non l’ho chiusa, però sento di non essere stata capace di sviluppare imprenditorialmente la mia idea”.



Con alle spalle studi e stage nel settore del design, otto anni fa decise di avviare la produzione di accessori capaci di “valorizzare la mia creatività e l’abilità di piccoli artigiani che ho individuato e selezionato con cura, anche sulla base dei materiali utilizzati”. Una piccola impresa orientata alla sostenibilità ambientale e alla responsabilità produttiva, costruita “senza chiedere un euro in prestito alle banche o un sostegno pubblico”, che dalla pandemia è stata affossata: “I negozi che vendevano i miei prodotti prima hanno chiuso e poi non hanno pagato le forniture; per ottenere quanto mi dovevano ho dovuto fare ricorso ai solleciti a mezzo avvocato e ho perso i clienti”.



L’esplorazione dell’e-commerce non ha prodotto i frutti sperati, perché è diventato “lo sbocco di tantissimi, dai più piccoli ai più grandi, con l’effetto di far crescere i costi di gestione”, e così anche “l’attesa rivalutazione del Made in Italy artigianale” è diventata una chimera per chi non ha grandi risorse da investire in promozione.



Nei due anni che abbiamo alle spalle, Silvana ha dovuto fare i conti con “un contesto economico e burocratico non inclusivo e non accogliente verso chi vuole produrre rispettando i fornitori, i lavoratori, i clienti e la comunità”. Nei momenti più difficili “mi sono colpevolizzata o mi hanno colpevolizzata, ad esempio chi mi ha detto che ho sbagliato a non chiedere prestiti per avviarmi; ma ho reagito, perché credo di aver fatto tutto ciò che potevo fare”.



È la ragione per cui “non sono depressa”, piuttosto “mi sento a scadenza: la mia azienda è attiva, però non vende; opero sui social e qualcuno mi riconosce, ma non acquista. Quando sono partita mi dicevano: ‘Supera i primi due anni di attività e vedrai che andrà bene’; ora sono io a dirmi: se tra due anni non sei ripartita, liquida tutto. Quella è la mia scadenza”.



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Leggi gli altri articoli a tema <a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/crisi-aziendali/" target="_blank" rel="noreferrer noopener">Crisi aziendali</a>.



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In copertina foto di&nbsp;<a href="https://pixabay.com/it/users/652234-652234/?utm_source=link-attribution&amp;utm_medium=referral&amp;utm_campaign=image&amp;utm_content=1549096">Michael Gaida</a>&nbsp;da&nbsp;<a href="https://pixabay.com/it//?utm_source=link-attribution&amp;utm_medium=referral&amp;utm_campaign=image&amp;utm_content=1549096">Pixabay</a>&nbsp;

Falliti e depressi: suicidi economici e imprenditori che non reggono la crisi

Dopo la pandemia la salute mentale è un tema sempre più sentito e discusso. E, come rileva l’ultima indagine sugli stili di vita degli adolescenti, i giovani oggi non stigmatizzano la malattia mentale come spesso accadeva con le generazioni precedenti, ma riescono ad affrontarla con maggiore consapevolezza.
È in questo scenario che matura il successo della miniserie prodotta da Picomedia per Netflix, Tutto chiede salvezza, liberamente tratta dall’omonimo romanzo autobiografico del poeta e scrittore Daniele Mencarelli (Premio Strega Giovani 2020). Mencarelli è autore della sceneggiatura insieme a Daniela Gambaro, Francesco Cenni e al regista Francesco Bruni (sceneggiatore storico di Paolo Virzì, dietro alla macchina da presa di Scialla!, Tutto quello che vuoi e Cosa sarà).
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<h2 id="h-tutto-chiede-salvezza-un-inaspettato-viaggio-di-formazione-in-forma-di-serie">Tutto chiede salvezza, un inaspettato viaggio di formazione in forma di serie</h2>
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Il protagonista è Daniele (Federico Cesari), ventenne che ha mollato l’università e vende condizionatori. In un’afosa estate romana l’incontro con un amico d’infanzia, irrimediabilmente regredito a livello mentale a causa di un incidente stradale, fa esplodere la sua già accentuata fatica esistenziale. Si sballa con gli amici, assume alcol e stupefacenti che lo portano ad avere una crisi psicotica.
Daniele si sveglia il giorno dopo in un reparto psichiatrico nel quale sarà costretto in regime di trattamento sanitario obbligatorio (TSO), senza ricordare nulla di quanto gli è successo. Reagisce dapprima con ostilità e insofferenza al ricovero coatto, per poi accettare di farsi aiutare ad affrontare la condizione che gli fa avvertire in maniera così intensa e dolorosa il peso del mondo.
Nei sette episodi della miniserie – uno per ogni giorno di TSO, da domenica a sabato – prende così forma il viaggio di Daniele: una ricerca di senso della propria esistenza; una ricerca interiore tra ricordi, flashback e rimossi che abbraccia un fondamentale cambio di sguardo nel vivere la quotidianità del reparto e i rapporti con i medici, gli infermieri, e soprattutto i suoi compagni di stanza.
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<h2 id="h-fratelli-offerti-dalla-vita-trovati-sulla-stessa-barca">Fratelli offerti dalla vita, trovati sulla stessa barca</h2>
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“Sono i cinque pazzi con cui ho condiviso la stanza e questa settimana della mia vita. Con loro non ho avuto possibilità di mentire, di recitare la parte del perfetto, mi hanno accolto per quello che sono, per la mia natura così simile alla loro. Con loro ho parlato di malattia, di Dio e di morte, del tempo e della bellezza, senza dovermi sentire giudicato, analizzato”, spiega Daniele Mencarelli.
La loro rappresentazione è l’aspetto più riuscito della serie, perché i personaggi restituiscono un’umanità che va oltre la patologia psichiatrica di cui soffrono. Gianluca (Vincenzo Crea), affetto da disturbo bipolare e rifiutato dai genitori per i suoi atteggiamenti femminili e l’omosessualità, e Mario (Andrea Pennacchi), maestro elementare saggio e conciliante – “eroe tragico che salva ma non è in grado di salvarsi”, come spiega Mencarelli – diventano per il protagonista vere e proprie figure di riferimento.
Poi ci sono Giorgio (Lorenzo Renzi), fisicità imponente e un lutto mai elaborato; Madonnina (Vincenzo Nemolato), con le sue invocazioni religiose e una pericolosa attrazione per il fuoco; e infine Alessandro (Alessandro Pacioni), vittima di uno stato catatonico e accudito dal padre (Massimo Bonetti). Con tutti loro Daniele forma una comunità basata sulla compassione, la condivisione di risate e lacrime, del carico dei rispettivi demoni, al di fuori delle logiche di una società esterna che pretende infallibilità e “normalità”.
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<figure class="aligncenter size-large"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2022/11/TCS_102_Unit_00070RC.jpeg"><img loading="lazy" decoding="async" width="1024" height="576" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2022/11/TCS_102_Unit_00070RC-1024x576.jpeg" alt="" class="wp-image-52917" /></a></figure>
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<h2 id="h-dare-voce-al-disagio-umano-dalla-pagina-scritta-allo-schermo">Dare voce al disagio umano, dalla pagina scritta allo schermo</h2>
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Rispetto al romanzo di Mencarelli due sono le principali differenze: la storia dagli anni Novanta si sposta al presente, e si sviluppa la storia d’amore tra Daniele e il personaggio di Nina (Fotinì Peluso), ex compagna di liceo ora attrice e influencer, che nasconde dietro l’aggressività una profonda solitudine e fragilità: tenta il suicidio, e per questo è ricoverata nel reparto femminile. La sua relazione con il protagonista diviene l’elemento sentimentale della storia che alleggerisce la narrazione ed evidenzia l’innegabile impatto dei social media sul disagio psichico contemporaneo.
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<figure class="aligncenter size-large"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2022/11/tutto-chiede-salvezza-netflix-serie-tv-federico-cesari-fotini-peluso.jpg"><img loading="lazy" decoding="async" width="1024" height="683" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2022/11/tutto-chiede-salvezza-netflix-serie-tv-federico-cesari-fotini-peluso-1024x683.jpg" alt="" class="wp-image-52916" /></a></figure>
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Girata in larga parte all’Ospedale Militare Lungodegenza di Anzio, Tutto chiede salvezza ha un’impostazione teatrale molto forte, esaltata dalla dinamica interno/esterno, dalla qualità della scrittura dei dialoghi e dalla convincente recitazione di tutto il cast, formato da volti giovani (Federico Cesari, Fotinì Peluso, Vincenzo Crea) e interpreti affermati (Andrea Pennacchi, Ricky Memphis nel ruolo dell’infermiere Pino, Filippo Nigro in quello del dottor Mancino, Carolina Crescentini nei panni della madre di Nina).
Gli si perdonano l’ingenuità di alcune scelte narrative e la forzatura di una sottotrama amorosa, che non aggiunge poi così tanto al messaggio di fondo: la salvezza passa dalla capacità di chiedere aiuto, dall’accettazione delle proprie e altrui fragilità, e dalla costruzione della consapevolezza di sé.
“Lascia il tuo sguardo libero, non farti raccontare il mondo da nessuno”, dice Mario a Daniele, che trova nella scrittura lo strumento per gestire dolore ed emozioni. Con il suo connubio efficace di dramma e commedia, di incontro tra tragedia e speranza, Tutto chiede salvezza riesce nell’intento di rendere universale una storia personale. Perché racconta di anime e di corpi, non solo quelle dei pazienti, travolti dalla complessità della vita e bisognosi di salvezza. Per questo il pubblico, non solo quello adolescente, vi si sta riconoscendo.
Non vi sono pazzi e sani. Del resto, la lezione di Basaglia era “visto da vicino nessuno è normale”.
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Druidi

Francesca Druidi

Giornalista professionista, dopo la laurea in Scienze della Comunicazione lavora presso realtà editoriali bolognesi e non, in redazione e come collaboratrice esterna. L’articolo di cui va più orgogliosa è l’intervista ai progettisti del mega grattacielo Burj Khalifa di Dubai, che hanno sfidato il cielo e la natura per imporre nuovi standard architettonici. Appassionata da sempre di serie tv, animazione e cinema &#8211; macchina dei sogni e al contempo specchio del reale &#8211; frequenta quando può festival cinematografici e ne scrive (www.whipart). Libri, viaggi ed enogastronomia sono i suoi viatici per la felicità.

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&#8220;Tutto chiede salvezza&#8221;, anche nelle serie. Netflix racconta il disagio psichico

L’adattamento Netflix dello struggente romanzo di Daniele Mencarelli è una parabola di formazione e uno sguardo empatico sulla malattia mentale.

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Numero 91 - Chi fermerà la musica

Tra pochi giorni avrà inizio la kermesse musicale più nota e seguita in Italia, con la sua coreografia di attese, dichiarazioni e scandali. Il Festival di Sanremo è materia di studio per la storia della televisione e della musica, e pochi lo conoscono bene come Edmondo “Eddy” Anselmi, uno dei più grandi esperti sul tema, con all&#8217;attivo tre libri sull’argomento. Eddy ricorda come nessun altro date, aneddoti, statistiche e partecipanti di ogni edizione, tanto da essersi guadagnato nell&#8217;ambiente giornalistico l&#8217;azzeccatissimo soprannome di “Wikipeddy”. L’ho incontrato per parlare del brand Sanremo e del lato B della manifestazione, giunta quest&#8217;anno alla settantesima edizione.
<figure id="attachment_35294" aria-describedby="caption-attachment-35294" style="width: 823px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/anselmi.jpg"><img class="wp-image-35294 size-large" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/anselmi-823x1024.jpg" alt="" width="823" height="1024" /></a><figcaption id="caption-attachment-35294" class="wp-caption-text">Edmondo &#8220;Eddy&#8221; Anselmi</figcaption></figure>
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Eddy, due parole su chi ha – e ha avuto – la responsabilità di organizzare questo evento annuale.
Il Festival vide la sua prima edizione nel 1951 ed ebbe luogo nel salone delle feste del Casinò di Sanremo. Nacque con l&#8217;obiettivo di rilanciare il turismo invernale della riviera e riempire il cartellone del Casinò nelle serate a bassa frequentazione. Le prime serate si svolsero dopo cena, con un palco posto di fronte a tavoli in cui gli spettatori bevevano liquori e cocktail, ma ci si dovette adoperare per riempire diversi tavoli rimasti vuoti reclutando spettatori tra gli avventori delle vicine sale da gioco. Il primo motore di questo evento fu Pier Busseti, titolare della società ATA che aveva in gestione il Casinò. Per l&#8217;organizzazione delle serate si susseguirono nei primi anni la RAI (d&#8217;accordo con il Casinò di Sanremo) e poi lo stesso Casinò di Sanremo; seguì la stagione degli anni Sessanta, con i grandi impresari di eventi dell&#8217;epoca (vedi ad esempio Gianni Ravera), mentre negli anni Settanta l&#8217;organizzazione passò prima sotto il Comune di Sanremo, e poi, dalla metà del decennio fino al 1993, ai c.d. “patron” (di nuovo Ravera, Salvetti, Aragozzini). Infine – dal 1994 – la RAI diventa protagonista a tutto tondo. Diversi sono stati i luoghi che hanno ospitato la manifestazione: il più popolare è stato certamente il teatro Ariston (che prende il nome dal suo primo proprietario Aristide Vacchino).
Come si “comunica” il Festival di Sanremo?
Il Festival di Sanremo – sembrerà incredibile – non ha un proprio logo. Diversamente da eventi come il Festival del Cinema di Cannes o l&#8217;Eurovision Song Contest, Sanremo non ha un proprio marchio depositato: ogni anno il logo viene ricreato per la manifestazione e ciò rappresenta indiscutibilmente un limite per la diffusione, la riconoscibilità e anche la promozione dell&#8217;evento. Spesso è mancata anche un’immagine coordinata tra le iniziative di comunicazione: la RAI agisce con una propria comunicazione che talvolta è risultata difforme da quella del Comune di Sanremo, titolare della manifestazione. È curioso notare che a oggi il Festival di Sanremo non gestisce il dominio festivaldisanremo.it e neppure il festivaldisanremo.com: la RAI gestisce sul proprio dominio rai.it uno spazio dedicato alla manifestazione. La RAI ha preso in considerazione internet solo nel 2003; i due domini sopra citati li avevo acquistati io nel 1998, trovandoli incredibilmente disponibili. Lo spazio sul sito RAI dedicato alla manifestazione si anima in prossimità del Festival, ma si cristallizza con la sua fine fino all&#8217;anno successivo. Stessa cosa per i social network gestiti dalla concessionaria RAI.
La maggior parte delle manifestazioni straniere gestiscono i loro siti e social network anche in inglese, dando un respiro internazionale agli eventi. Perché questa cosa non accade anche per Sanremo?
La fama internazionale del Festival è cambiata: un tempo la canzone italiana era conosciuta in tutto il mondo, i partecipanti venivano invitati a esibirsi in Giappone, in Sud America e in altri Paesi, incidendo anche i brani nella lingua locale. Sanremo dagli anni Novanta non è più un “mero” festival della canzone, anzi le canzoni sono forse il pretesto per costruire un grande evento televisivo e mediatico che si è arricchito sempre più di contenuti, oggi prevalenti sulla parte strettamente musicale. Riprodurre in diretta i contenuti del Festival – ad esempio in lingua inglese – sarebbe difficile: molte volte ci sono riferimenti a cronaca e costume locale che risulterebbero poco comprensibili per un pubblico straniero. Oggi il Festival è accessibile in streaming e attraverso il canale eurovisivo, ma esiste un vincolo per il quale non è possibile trasmettere sintesi della manifestazione: se un canale vuole trasmetterlo deve farlo per intero (indicativamente cinque ore per cinque serate). Non sarebbe quindi possibile estrapolare solo le canzoni e sintetizzare l&#8217;evento condividendone la sola parte musicale. Su YouTube la RAI può – per ragioni contrattuali con le case discografiche – trasmettere i video delle canzoni solo durante la manifestazione: terminato l&#8217;evento, i video delle esibizioni spariscono dal canale RAI di YouTube. Certamente questo canale potrebbe essere gestito sia in lingua italiana che in lingua inglese; ad oggi però nessuno se ne occupa. Analogamente gli altri social network ufficiali (ad esempio Twitter, Instagram, Facebook) non condividono contenuti se non in lingua italiana. Direi che manca un interesse economico degli organizzatori, essendo le performance misurate prevalentemente in termini di audience televisiva italiana.
Come si misurava e come si misura oggi il successo del Festival?
In passato il numero di dischi venduti delle canzoni del Festival era il principale termometro, e quindi il potere delle case discografiche era particolarmente rilevante. La trasformazione progressiva del Festival e del mercato discografico ha spostato il baricentro verso l&#8217;indicatore audience, che di fatto dal 2007 è diventato il principale metro di valutazione del successo del Festival. Certamente la manifestazione rappresenta ancora un grande business per la RAI, per l&#8217;intera città di Sanremo, per i tanti professionisti impegnati nella kermesse. Per gli artisti e le case discografiche il guadagno generato dal passaggio al Festival è decisamente ridimensionato rispetto al passato, ma resta certamente un&#8217;occasione di visibilità straordinaria.
Negli ultimi anni abbiamo assistito alla migrazione di eventi di indiscutibile rilevanza televisiva dalla RAI a piattaforme concorrenti, come per esempio la maggioranza delle manifestazioni sportive. Potrebbe succedere anche al Festival?
Titolare del Festival è oggi il Comune di Sanremo. Il Festival è gestito e trasmesso dalla RAI sulla base di una convenzione che scadrà nel 2021. Tale concessione prevede che la RAI riconosca al Comune tra i 3 e i 5 milioni di euro per ciascuna edizione. Se il Comune nei prossimi anni aprisse una gara, potrebbe virtualmente accadere che concorrenti della RAI possano subentrare nella concessione e magari rivoluzionare il format.
<figure id="attachment_35295" aria-describedby="caption-attachment-35295" style="width: 384px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/libro.jpg"><img class="wp-image-35295 size-full" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/libro.jpg" alt="" width="384" height="512" /></a><figcaption id="caption-attachment-35295" class="wp-caption-text">La copertina del libro &#8220;Il Festival di Sanremo&#8221;, di Edmondo &#8220;Eddy&#8221; Anselmi. De Agostini, 2020.</figcaption></figure>

Sanremo come brand

Anche se essere “un italiano vero” ha un significato profondamente diverso da quello della versione originale, e anche se non c’è più “un partigiano come Presidente”, L’italiano tornerà sul palco dell’Ariston nella serata delle cover. Una delle più attese del Festival di Sanremo – è la puntata del giovedì – soprattutto per chi cerca nelle canzoni un contesto e un senso che va al di là del piacere di ascoltare una vecchia melodia. 
Perché la canzone che torna sul palco in cui è già stata è molto di più di una cover. Basti pensare alla sintonia perfetta di alcuni testi con alcuni periodi storici del nostro Paese. Nel 1987, ad esempio, trionfò a Sanremo Si può dare di più, una canzone che parlava di solidarietà, dell’egoismo e dei vuoti di una vita dedita solo al lavoro e alla produzione “cosa ti manca, cosa non hai, cos’è che insegui se non lo sai”, dell’obbligo morale di “dare di più, senza essere eroi”. Quella canzone, a pochi mesi dalla caduta del muro di Berlino, sembrò rivoluzionaria eppure così educata, soprattutto perché a cantarla furono Gianni Morandi, Enrico Ruggeri e Umberto Tozzi. Oltre a vincere il Festival con una sorta di plebiscito (non mancarono le grandi canzoni in quella edizione, e non è un caso che Almeno tu nell’universo diventerà dei brani più coverizzati di tutti i tempi), diventò l’inno dell’allora nascente nazionale cantanti. 
La ricetta era molto semplice: una canzone nazional popolare, un coro da stadio, la voglia di unirsi tutti quanti per fare qualcosa che smuovesse – o pulisse, a seconda dei punti di vista – le coscienze. Per molti anni Si può dare di più è diventata una canzone quasi banale, e nessuno si sarebbe mai sognato di cantare nuovamente di apertura e solidarietà senza metterci la rabbia e l’incazzatura che ci avrebbero messo circa trent’anni dopo Fabrizio Moro ed Ermal Meta in Non mi avete fatto niente. Eppure la politica di chiusura di molti Paesi europei, il razzismo che si palesa nelle discussioni sui social network, l’ostracismo verso forme di solidarietà come l’accoglienza, ha convinto Levante, Francesca Michielin e Maria Antonietta – già tre donne, a proposito di diversity – a ridare vigore a una delle canzoni più amate di Sanremo. E forse proprio il verso “risalendo vedrai, quanti cadono giù” potrebbe essere uno dei più simbolici della serata. 
 
<h2>Il circolo virtuoso del presente che recupera il passato</h2>
Gli americani, ma prima ancora di loro gli all black neozelandesi, parlano di legacy. È l’eredità, la visione, la capacità di tracciare un solco. In questo senso la serata cover della manifestazione più nazionalpopolare che conosciamo ci fa capire il valore di un contenuto e del contesto che lo ospita. 
Circa trent’anni fa, quando la memoria storica delle canzoni non era così vasta, la serata cover non esisteva. Al suo posto i primi duetti, con una peculiarità: il cantante in gara doveva farsi accompagnare da un artista straniero. Erano anni in cui Riccardo Cocciante, autore di Se stiamo insieme condivideva il palco con Dee Dee Bridgewater, e un monumentale Ray Charles si esibiva in Good love gone bad, traduzione de Gli amori di Toto Cotugno. 
Il segnale che il Festival mandava al mondo era molto chiaro: stiamo lavorando per far diventare “Il Festival della canzone italiana” qualcosa di più ambizioso, di più internazionale. Ma presto avremmo dovuto fare i conti con un budget ridotto e forse anche con i gusti dei telespettatori, che preferivano le strofe in italiano a quelle, assai più ambiziose per l’epoca, in inglese. Restano reperti storici, si trovano su YouTube e negli archivi Rai, come l’esecuzione di Nikka Costa in All for the love, reinterpretazione di Vattene amore. Per i cantanti stranieri fu inventato il nuovo ruolo di super ospiti e la cover internazionale, dopo qualche anno, fu sostituita con la serata dedicata ai duetti. 
Una bella intuizione, perché il featuring serviva (e serve) prima di tutto a moltiplicare i pubblici. Il rapper Marracash ne dà una definizione chiara e interessante, tra l’altro molto utile anche per il mondo del lavoro: “I featuring non sono attestati di stima. Non chiamo nel mio disco gli artisti che ammiro (non solo, e non tutti, almeno), ma quelli che possono aggiungere qualcosa alla traccia in cui sono ospiti, o che hanno talenti che io non ho”. 
Al significato artistico si accompagna quindi il senso commerciale. I featuring nel rap ci sono sempre stati. Si tratta di un genere in cui la competizione e la stima artistica si mescolano e in cui collaborare è qualcosa di molto naturale. Una formula che funziona molto bene nel mercato del lavoro di oggi, un mercato fatto di collaborazione e competizione, uno scenario in cui la parola partner è più efficace della parola competitor e in cui c’è sempre, ed è forse l’unica vera opzione che abbiamo, la possibilità di rifare meglio una cosa già fatta. 
T.S. Eliot diceva che “i poeti immaturi imitano; i poeti maturi rubano; i cattivi poeti rovinano ciò che prendono, mentre quello buoni ne traggono qualcosa di meglio, o almeno qualcosa di diverso”. Aggiungerei che se ci libera dal fardello di essere completamente originali si può smettere di provare a trarre cose dal nulla per accogliere le influenze invece di sfuggirle. Una lezione importante per i seguaci della novità a tutti i costi, che spesso sfocia nell’idea di start up innovativa, dove “innovativa” è sinonimo di vuota e nulla più.
 
<h2>Il valore delle cover a Sanremo. E in azienda</h2>
I duetti si sono successivamente trasformati in cover: le vecchie canzoni rassicurano, fanno cantare, ci ricordano momenti già vissuti e sono iper-contenuti. Ascoltare la nuova versione di E se domani ci permette di recuperare l’originale e crea un circolo virtuoso di ascolti e di diritti d’autore, aiutando anche le nuove generazioni, che certo non sono il target di Sanremo (ma i social servono anche a questo), a scoprire pezzi a loro sconosciuti. 
La scelta del gruppo I Pinguini Tattici Nucleari va in questa direzione, non una sola canzone, ma un medley di brani che hanno fatto la storia del festival: da Papaveri e papere, portata in scena da Nilla Pizzi nel 1952, fino ad arrivare a una canzone in gara nella scorsa edizione, Rolls Royce di Achille Lauro. Anche per rendere storici brani moderni, perché in fondo anche il contemporaneo, è bene ricordarselo, può far parte della storia. Le Vibrazioni portano sul palco dell’Ariston Un’emozione da poco, canzone di Anna Oxa diventata iconica per un pubblico molto più radical di quello dell’Ariston, come i fruitori del film Lo chiamavano Jeeg Robot. 
Sarebbe bello analizzare tutti i testi e la loro contemporaneità: scopriremmo probabilmente che <a href="https://open.spotify.com/playlist/3CLRgGetLy31u6T3DsjWrH?si=iKAcYQOMRPqcorRebaCDjw" target="_blank" rel="nofollow noopener noreferrer">alcune canzoni</a> sono molto più attuali oggi di quando furono scritte (Jannacci su tutti, con Se me lo dicevi prima: “Eh sto male e sto bene macché il lavoro e mica il lavoro”), o che altre ci raccontano storie diverse da quelle di una volta. La radio trasmetterà anche nel 2020 la canzone che Amedeo Minghi scrisse per Serenella, e magari saranno ancora gli americani ad ascoltarla, fermando per un attimo quel tempo fatto di rivoli e di messaggi vocali o stories su Instagram che ormai sono parte integrante dei testi delle nostre canzoni di oggi. Né meglio né peggio: soltanto modi differenti di utilizzare il linguaggio e di valorizzarlo. 
Dovremmo pensare a una giornata di cover anche nelle aziende: andare a riprendere vecchi progetti che hanno funzionato e far sì che diventino valorizzazione, approfondimento, riconoscimento, rielaborazione, mescolanza. Trovare nuovi interpreti e collaborazioni importanti, anche improbabili, senza dimenticarci mai di rendere omaggio all’autore di quel lavoro. 
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In copertina Achille Lauro sul palco dell’Ariston.

Se le imprese italiane si ispirassero alle cover di Sanremo

Adam Smith, padre fondatore del liberismo e teorico del libero mercato come toccasana dell’economia, si rivolterebbe nella tomba se soltanto potesse dare un’occhiata alla struttura proprietaria e gestionale dell’industria discografica italiana.
D’altronde, forse non c’è bisogno di scomodare il grande economista scozzese per scoprire nelle pieghe del mercato discografico italiano due gigantesche anomalie: un settore industriale dominato fin dalla sua nascita da un oligopolio sempre più ristretto e, cosa ancor più singolare, da un oligopolio di major multinazionali che hanno il loro quartier generale a Parigi, Tokio e New York. Verrebbe da dire, capovolgendo una frase piuttosto usurata di un ex ministro degli interni: prima gli stranieri.
Certo la FIMI, la Federazione dell’Industria Musicale Italiana associata alla Confindustria, è guidata dall’italiano Enzo Mazza, CEO della federazione, ma come è ovvio lo strapotere dei giganti stranieri resta determinante e influenza da decenni il mercato discografico italiano e internazionale.
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<h2>I tre giganti stranieri che dominano l’industria discografica italiana</h2>
Chi sono le “tre sorelle” della discografia? I colossi stranieri di cui stiamo parlando sono la Universal Music Group, statunitense ma attualmente controllata dal potente gruppo finanziario francese Vivendi, la giapponese Sony Music Entertainment e la statunitense Warner Music Group. Fino alla seconda metà del 2000 l’oligopolio era più allargato, comprendeva anche la tedesca Bmg e l’inglese Emi. Poi qualche anno fa la Sony si è mangiata la Bmg e la Warner ha conglobato la Emi.
Basta una percentuale per dare l’idea dell’influenza dei tre giganti: Sony, Universal e Warner controllano il 70% del mercato globale. Quando la rete internet ha stretto le sue potenti maglie attorno alla musica quella percentuale è diminuita circa del 2%, ma le multinazionali si sono rapidamente adeguate, anche se è cominciata una lenta liberalizzazione dovuta alla nascita di piccole realtà che si muovono nelle pieghe della rete.
Le corporation si occupano di produzione di contenuti musicali, attraverso accordi con musicisti e singoli gruppi, ma la loro vera forza sta nel monopolio della distribuzione; per cui anche gli artisti di alcune case indipendenti devono passare dalle multinazionali per quanto riguarda la distribuzione dei prodotti.
La struttura proprietaria e produttiva dei tre colossi è più articolata di quanto sembri: la produzione è suddivisa per tutte le compagnie in una rete di etichette (labels) di proprietà delle compagnie, che a loro volta possono essere articolate anch&#8217;esse in gruppi con altre sotto-etichette, e possono essere inoltre organizzate a livello mondiale con filiali nazionali.
Nelle aree sottostanti la geografia oligopolista spuntano poi le indies, compagnie indipendenti non legate dunque ai grandi gruppi. Due esempi tra le più note: il Clan Celentano guidato da Claudia Mori, che produce soltanto un artista ma del peso di Adriano Celentano, e la Sugar Music di Caterina Caselli, che produce invece artisti come Andrea Bocelli, Elisa, Negramaro, e altri artisti. Accanto a queste realtà indipendenti di media grandezza ce ne sono poi una miriade di più piccole che hanno prodotto magari un solo artista in un evento musicale.
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<h2>L’evoluzione del mercato musicale dal vinile allo streaming. E di nuovo al vinile</h2>
Ma come si è evoluto negli ultimi decenni il mercato della musica? Chi erano i protagonisti industriali? Ci vorrebbe una monografia soltanto per rispondere a questa domanda. Per grandi linee possiamo dire che se negli anni Sessanta dominavano i 45 giri divorati da quei mangiadischi di plastica che comparivano spesso nelle chiassose spiagge dell’Emilia-Romagna e permettevano una prima, rozza condivisione della musica, negli anni Settanta la condivisione avveniva attraverso le musicassette. Negli anni Ottanta e Novanta si assiste invece alla nascita e allo sviluppo dei cd, che aprono la strada alla tecnologia digitale e segnano l’addio al vinile.
I protagonisti industriali di questa epoca sono la Philips con le musicassette e la Sony con il walkman. Ma il vero mutamento, quella che assieme alla più grande trasformazione dell’industria discografica porterà con sé il crollo verticale della vendita di dischi e successivamente dei cd, è rappresentata dall’avvento della rete. Gli antesignani sono l’ingegnere italiano Leonardo Chiariglione, creatore dello standard video mp3, e Shawn Fenning, l’inventore del sistema Napster, che consentirà da quel momento la distribuzione semigratuita della musica su scala planetaria. Se quello fu un primo cambiamento radicale, la rivoluzione ancora in corso dell’industria della musica ha due padrini assai noti: Apple e Google, che assieme a YouTube aprono la strada allo streaming, considerato dagli esperti l’apice di questa rivoluzione tecnologica nel pianeta musica.
Per capire quanto sia radicale questa rivoluzione basta andare a spulciare qualche dato fornito dalla Federazione Industria Musicale Italiana per i primi sei mesi del 2019. Il mercato dello streaming musicale è letteralmente esploso negli ultimi anni. Soltanto lo streaming musicale rappresenta il 63% di tutti i ricavi dell’industria discografica italiana. In euro equivale a 54 milioni nel primo semestre dell’anno. Fimi ha registrato inoltre una crescita del 67% dei ricavi di tutta la musica che si avvale di spot pubblicitari per la sua diffusione, che hanno superato anche quelli del video-sharing, tuttavia aumentati del 7% rispetto allo stesso periodo del 2018.
La musica digitale rappresenta il 73% del mercato italiano e aumenta il proprio dominio sul mercato fisico, sceso del 26%. L’unico a resistere è il vinile, che nel semestre segna una crescita del 4,8%, rappresentando, da solo, il 31% del mercato dei supporti fisici. Il 27% del mercato complessivo è quindi ciò che resta alla musica distribuita su supporto fisico e che, rispetto ai primi sei mesi del 2018, perde il 12%.
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<h2>Stefano Senardi: “Il monopolio della distribuzione è a rischio. Il futuro è nella rete”</h2>
Quali sono le luci e le ombre di questo scenario? Siamo andati a trovare un personaggio che da decenni naviga tra i piani alti e i sotterranei della musica leggera, e che ci può aiutare a capire che cosa è davvero cambiato nel mondo della musica. Il suo identikit? Basti questa divertente curiosità: il figlio si chiama Matteo Alberto Bob Dylan Senardi. Lui invece si chiama Stefano Senardi, ha 64 anni ed è noto negli ambienti musicali come un geniale talent scout.
Quando era presidente della Polygram, un’etichetta discografica tedesca assorbita negli anni Novanta dalla Universal, Senardi ha gestito e contribuito al successo di Zucchero Fornaciari, Franco Battiato, Gianna Nannini e Lorenzo Giovanotti. Dopo la Polygram ha fondato una casa discografica indipendente, la Nun, ma dopo qualche anno ha deciso di lasciare la produzione musicale e dedicarsi alla consulenza. Lavora dietro le quinte di Che tempo che fa di Fabio Fazio, del Festival di Sanremo e di X Factor. Attualmente è il responsabile di 33 Giri, una trasmissione su Sky Arte composta da documentari sui grandi album musicali.
“I dati che mi hai citato sono veritieri: lo streaming è in grandissima crescita. L’esplosione dello streaming è l’ultimo atto di una trasformazione che è ancora in corso e che ha mutato il mestiere del cantante, il ruolo degli utenti e di tutti coloro che vivono nell’universo della musica.”
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<figure id="attachment_35268" aria-describedby="caption-attachment-35268" style="width: 512px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/senardi.jpg"><img loading="lazy" decoding="async" class="wp-image-35268 size-full" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/senardi.jpg" alt="" width="512" height="341" /></a><figcaption id="caption-attachment-35268" class="wp-caption-text">Stefano Senardi, produttore musicale.</figcaption></figure>
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Come è mutato il pianeta musica a tuo parere? 
Partiamo da una semplice considerazione: lo streaming è regolato da un algoritmo che riesce a suggerire che cosa hai ascoltato, che cosa hai sentito, dove orientarti nelle tue scelte. È ormai un mondo orientato dal marketing che amplifica a dismisura gli orientamenti del pubblico, e quindi delle case discografiche. Il vecchio direttore artistico, in sostanza, non esiste più. E purtroppo con la scomparsa delle direzioni artistiche si affievoliscono anche la poesia e la creatività.
Un quadro sconsolante, direi. Mi fai venire in mente l’operazione fatta dagli U2 con Apple: bastava essere in possesso di un Mac per poter ascoltare l’album degli U2 gratis. Un modo elegante per escludere il pubblico. 
Sì è vero, quello è stato un esperimento iniziale che non credo si ripeterà. Diciamo invece che c’è anche un’altra faccia della medaglia, che è positiva e che comunque impone di adeguarsi alla rivoluzione tecnologica. Un dato inequivocabilmente rivoluzionario è che con l’avvento della rete è il pubblico a decidere le scelte di intrattenimento musicale, i gusti, i generi e gli artisti. Questo le major non l’hanno capito, purtroppo, e tentano ancora di farla da padrone perché hanno il grande potere della distribuzione su larga scala. Credo però che se non vogliono perdere il loro dominio dovranno adeguarsi in fretta, visto che Internet sta già diventando una rete naturale di distribuzione artistica. In rete negli ultimi anni sono nati e cresciuti piccoli canali digitali che danno la possibilità di far uscire allo scoperto nomi nuovi, artisti che riescono a mettere fuori la testa dal dominio del mainstream con pochi quattrini. Sono piccole community destinate a moltiplicarsi nella vastità della rete, che possono sottrarsi al dominio delle major e produrre cose nuove, come è avvenuto di recente. Anche perché le major vivono un momento di grande crisi epocale: non hanno risorse per la ricerca dei talenti, non si vendono più dischi, gli unici introiti sono i concerti live.
Che cosa suggeriresti a un giovane che vuole fare il mestiere del cantante? 
Direi di non sottovalutare la potenzialità della rete, le nicchie; di aggregarsi o di fondare nuove community. Basta una piccola struttura. Credo che il futuro sia lì.

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Perini

Bruno Perini

E&#8217; nato a Milano il 21 novembre del 1950. Laureato in Lettere e Filosofia nel 1977 all’Università Statale di Milano con una tesi su Marx e l’economia volgare è diventato giornalista professionista nel 1987. Giornalista economico finanziario e politico giudiziario, ha lavorato per circa trent’anni al quotidiano il manifesto dove ha curato la cronaca finanziaria e dal 1992 al 2000 la cronaca giudiziaria durante l’inchiesta Mani Pulite. Per 6 anni ha lavorato all’agenzia di Stampa Asca come cronista giudiziario e per due anni ha lavorato al settimanale della Rcs Il Mondo. Ha lavorato per circa 6 anni al mensile Prima Comunicazione e per due anni ha lavorato nel gruppo Sole 24 ore dove scriveva articoli sul quotidiano e contemporaneamente conduceva la rassegna stampa di Radio 24 e una trasmissione con gli ascoltatori sui temi di attualità. Per due anni ha lavorato in un’agenzia di ufficio stampa dove teneva corsi di giornalismo per coloro che tenevano i rapporti con i clienti. Da circa 5 anni collabora con Senza Filtro sui temi del lavoro e cura la rubrica &#8220;8000 battute sul lavoro&#8221;. E’ appassionato di musica rock, di letteratura, di gialli e del gioco del biliardo. Nel 2004 ha scritto un giallo dal titolo “Richiamo di sangue”, nel 2010 una biografia di Adriano Celentano “Memorie di zio Adriano” e nel 2013 un Giallo dal titolo “le figlie del diavolo”.

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Tutta straniera l&#8217;industria discografica italiana

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