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Da un libro dal titolo Sbagliando non si impara. Perché facciamo sempre le scelte sbagliate in amore, sul lavoro e nella vita quotidiana ci si aspetta la soluzione definitiva per smetterla finalmente di combinare disastri in campo sentimentale, prendere decisioni scellerate nella professione o farsi prendere dall’irrazionalità mentre si fa shopping. E invece no, non fatevi illusioni. Questo non è un libro di formule miracolose e ricette magiche, specifica l’autrice nell’introduzione, e a dirla tutta: “Questo libro contiene scienza”.





<h2 id="h-sbagliando-non-si-impara-un-antidoto-contro-le-trappole-mentali-di-cui-tutti-siamo-vittime">Sbagliando non si impara, un antidoto contro le trappole mentali di cui tutti siamo vittime</h2>





Sbagliando non si impara di Sara Garofalo (il Saggiatore, 216 pp., 14 euro) fornisce “un nuovo modo di guardare alle cose di tutti i giorni”. Perché è proprio nel quotidiano che la nostra mente si ostina a cadere in certe modalità di pensiero, che ci sono state molto utili per difenderci dai pericoli quando il nostro habitat era la savana, ma che oggi si rivelano trappole: schemi mentali fondati su pregiudizi e scorciatoie di pensiero – in gergo scientifico “bias cognitivi” ed “euristiche” – che mettono sotto scacco la nostra razionalità (e spesso son dolori).



Esempio pratico: uscite di casa con la lista della spesa compilata con cura e un budget ben preciso in mente. I vostri buoni propositi vanno allegramente a farsi benedire di fronte al cesto delle occasioni “Tutto a 4,99 euro”, dal quale pescate a piene mani, e anche con un certo orgoglio, cianfrusaglie inservibili, convinti di aver fatto l’affare del secolo. Accade perché, di fronte a scelte complesse, tendiamo a guardare il quadro e non la cornice in cui è inserito.



Sara Garofalo, ricercatrice di neuroscienze cognitive all’Università di Bologna e autrice di numerose pubblicazioni su riviste scientifiche internazionali, di esempi di questo tipo ne fa una godibile rassegna, aiutata da numeri, test, esercizi pratici e un gusto tutto suo per il racconto. Una trappola dopo l’altra, l’autrice ci costringe a ripensare alle nostre scelte passate – sul lavoro, in amore, nella vita – alla luce delle sue rivelazioni sul funzionamento della mente umana: e allora la materia si fa incandescente, gli interrogativi più personali.





<h2 id="h-costi-sommersi-e-sconfitte-inaccettabili-perch-cos-difficile-fare-la-scelta-giusta">Costi sommersi e sconfitte inaccettabili: perché è così difficile fare la scelta giusta?</h2>





Perché è così difficile lasciare un lavoro che non ci dà più alcuna soddisfazione (o mettere fine a una relazione amorosa che non va), per esempio? La risposta è nel “bias del costo sommerso”, che ci spinge a focalizzare l’attenzione sulla quantità di tempo, emozioni e denaro che abbiamo investito in una certa scelta e non sui potenziali benefici che un cambiamento potrebbe apportare alla nostra vita futura.



Prendiamo il caso di un trentenne che vorrebbe mollare il suo noioso lavoro da impiegato per dedicarsi finalmente all’insegnamento della musica. Probabilmente gli consigliereste di buttarsi. La sua mente, invece, sarebbe già al lavoro per frenare gli entusiasmi: vuoi davvero buttare all’aria tutti gli sforzi fatti durante il periodo di studi? E i soldi spesi dai tuoi genitori per l’università? E l’energia emotiva che hai impiegato in tutti quei colloqui di lavoro?



Un meccanismo che si attiva molto più spesso di quanto crediamo: quante volte abbiamo continuato a leggere un libro che ci ha annoiato nelle prime cinquanta pagine (“Tanto ormai l’ho iniziato…”) o abbiamo continuato a vedere un film che pure ci era parso fin da subito una gran delusione? Rifuggiamo l’idea di poter aver “sprecato” tempo ed energie nel passato e ci ostiniamo a voler dare valore a qualcosa che oggi, forse, potrebbe non averne più: è così che i colleghi saccenti, il lavoro senza stimoli, la routine consolidata hanno la meglio su qualunque prospettiva di cambiamento.



Piuttosto che arrenderci all’idea della sconfitta (altro bias, quello dell’avversione alla perdita), ci ostiniamo a voler aggiustare un giocattolo che si è rotto (o a riparare una macchina che ci ha sempre dato un sacco di problemi, fuor di metafora). Dare un taglio netto al passato, riconoscere di aver sbagliato o di aver semplicemente cambiato idea è molto doloroso: di qui la difficoltà a scegliere di non votare più il partito politico che pure ci ha deluso, abbandonare la fede religiosa che non è ci mai calzata a pennello o, più banalmente, cambiare parrucchiere.



Sforziamoci a compiere ogni scelta guardando al futuro e non a un passato sul quale non si può più intervenire, suggerisce l’autrice. E a volte prendiamoci anche il gusto e la libertà, vivaddio, di compiere un errore lanciandocisi “dentro a piedi uniti, nella consapevolezza totale”.





<h2 id="h-perch-leggere-sbagliando-non-si-impara">Perché leggere Sbagliando non si impara</h2>





Questo è un libro sulle trappole della mente che è esso stesso un percorso pieno di insidie (non possiamo svelare di più).



Si legge con la stessa facilità e la fiducia cieca con cui si indossa la “maglietta fortunata” al colloquio di lavoro, credendo di propiziarsi un esito favorevole. Quando si parla di bufale – e di come le idee complottiste abbiano gioco facile cercando di portare ordine e senso a eventi straordinari e difficili da accettare, vedi il COVID-19 creato in laboratorio, il 5G e compagnia cantante – il tono si fa sottilmente inquietante.



Siete stati avvertiti.

Del senno di poi son piene le pagine

Con i concerti vietati per il COVID-19, gli autori musicali devono vivere dei diritti delle canzoni che scrivono.



Fuori dal grande palco di Sanremo c&#8217;è un esercito di piccoli musicisti, cantautori, rock band, suonatori diplomati, che già prima della pandemia faticava a sopravvivere con la propria attività. Oggi, dopo un anno di palchi chiusi, hanno perso la loro principale fonte di reddito: i concerti.



I diritti garantiti dalla Siae, la società che dovrebbe tutelare il lavoro creativo nello spettacolo e nella letteratura, non bastano certo a far sopravvivere, anche perché la fetta maggiore finisce nelle tasche dei grandi nomi, lasciando ai piccoli le briciole. Infatti se da un lato i diritti radio e tv rendono meglio, dall&#8217;altro per un autore emergente non è così semplice arrivare a un numero congruo di passaggi che garantiscano la sopravvivenza. Soprattutto in un sistema come quello italiano, storicamente chiuso alle novità musicali.





<h2 id="h-quanto-rendono-i-diritti-d-autore-per-un-musicista-siae-remunerati-solo-i-grandi-nomi">Quanto rendono i diritti d&#8217;autore per un musicista: Siae, remunerati solo i grandi nomi</h2>





Le fonti di introito per chi vuol fare della propria musica un lavoro sono diverse.



La più semplice è la vendita di cd, vinili e album attraverso le piattaforme di streaming. La Siae riconosce per ogni cd o disco venduto da 1,17 a 1,60 euro e tra gli 11 e i 16 centesimi per il singolo download agli esecutori, che devono però dividerli con la casa discografica se non sono autoprodotti. All’autore del brano invece vengono riconosciuti 92 centesimi per ogni disco venduto e 1 centesimo per il download della canzone da internet.



Il passaggio di un brano in radio poi permette al musicista di incassare dalla Siae oltre 60 euro (per ogni singola occorrenza) che saranno divisi a metà con la casa discografica, mentre altrettanto guadagno spetta all’autore del brano.



Se invece una canzone viene utilizzata in tv (come semplice sottofondo di una scena oppure come sigla) il compenso, stabilito a priori tra le piattaforme televisive e la Siae, ammonta a circa 100 euro nel primo caso e può arrivare anche a sfiorare i 50.000 euro nel secondo, anche in base alla capacità contrattuale dell’autore (il tutto poi va comunque distribuito tra artista, autore e casa discografica). Ma arrivare alla radio o alla televisione non è così semplice. In prevalenza sono palcoscenici riservati a grandi nomi, e non esistono nemmeno aree protette reali riservate agli emergenti.



La musica dal vivo, specialmente nei teatri, è ancora la via più semplice. Una serata a teatro con esecuzione di dieci pezzi propri e qualche passaggio su una radio locale online possono rendere a un cantautore fino a 70 o 100 euro. «Sono riuscito a maturarli – dice un cantautore – non appena ho fatto una serata, dopo essermi iscritto a dicembre. Ma non ho ancora visto un euro, perché con quelli ci ho pagato l&#8217;iscrizione; subito dopo è iniziato il COVID-19, e i locali hanno chiuso».





<h2 id="h-radio-killed-the-live-music-star-fare-concerti-conviene-sempre-meno">Radio killed the live music star: fare concerti conviene sempre meno</h2>





Di questi tempi restano solo le radio, magari quelle nate nel web, alcune delle quali si fanno pagare piccole cifre per passare i pezzi di artisti emergenti. Anche perché i grandi network, per chi non ha un nome o non arriva da un reality show, sono off limits.



Il regolamento della Siae per il riconoscimento dei diritti d&#8217;autore delle canzoni prevede che per le esibizioni dal vivo si paghi un tot per ogni canzone eseguita, mentre in radio e tv la ripartizione è basata sulla durata delle utilizzazioni, moltiplicata per dei coefficienti che tengono conto della funzione assolta dalla musica e della fascia oraria nella quale è trasmessa.



In alternativa si usa il modello di ripartizione campionaria: è basata sulla rilevazione delle musiche trasmesse da un campione rappresentativo di emittenti radiofoniche nel periodo di riferimento. Per riuscire ad avere riconoscimenti con questo metodo è necessario che una canzone entri nei “radar” dei rilevamenti, cosa che richiede molti passaggi radio (tutte grandi network, dopo la scomparsa delle radio libere), difficili da ottenere per un artista emergente. A meno che non sia sotto contratto con una major o con una casa discografica dalla grande influenza sulle radio, o magari con dei soci che siano proprietari di radio. È il caso di Ultrasuoni, casa discografica che ha come nome di punta i Modà, e che appartiene in egual misura a Baraonda Edizioni Musicali (appartenente a sua volta al presidente di RTL Lorenzo Suraci), a Mario Volanti (presidente di Radio Italia) e a Eduardo Montefusco (presidente di RDS).





<h2 id="h-l-agonia-della-musica-dal-vivo">L’agonia della musica dal vivo&nbsp;</h2>





I live in teoria garantiscono introiti maggiori. L&#8217;artista si fa pagare per la serata e può eseguire i propri pezzi, che frutteranno in diritti d&#8217;autore. E poi anche i piccoli gruppi possono reggersi sulla vendita diretta dei cd (calata a causa dello streaming) e del merchandising (magliette, tazze e spille), che da sempre hanno rappresentato un florido mercato per cantanti e gruppi. Da un anno tutto questo non esiste più a causa del COVID-19, e anche prima le cose non andavano meglio.



Silvio Petitto ha 57 anni. Ha iniziato la sua carriera come segretario della FGCI ai tempi delle feste dell&#8217;Unità. Erano gli anni di Guccini, De Gregori e Area anche nei campi sportivi di provincia, tra salamelle e bandiere. Oggi è il principale organizzatore di concerti in provincia di Pavia.



«La musica dal vivo sopravvive nei live club – racconta – che danno continuità con anche cento concerti all&#8217;anno, ma in generale i live sono in calo. Da un lato perché ci sono molte meno entrate, anche se gli incassi sono di più del passato perché i costi sono più alti.»



La circolare Gabrielli, che disciplina la partecipazione a eventi pubblici, ha ridotto le capienze e fatto lievitare i costi. Per fare un concerto oggi si devono pagare due ingegneri per le consulenze in sicurezza. Tutti i lavoratori devono fare il corso antincendio e poi si deve comunque chiamare una squadra di vigili del fuoco. Le spese organizzative sono il 70% circa rispetto al cachet dell&#8217;artista.



«Per questo conviene concentrarsi nei grandi concerti – continua Petitto – con nomi che attirano più pubblico, ma da queste realtà i piccoli e medi promoter rimangono esclusi». Questo si riverbera sui lavoratori, molti pagati a giornata, che guadagnano comunque la stessa cifra indipendentemente dal costo del biglietto e da chi c’è sul palco.



Le grandi agenzie d&#8217;altro canto centellinano i grandi nomi, che è meglio spendere in una location come San Siro o il Forum, che portano maggiori sponsor pubblicitari, attirati anche da biglietti a costi stracciati (0,50 euro l&#8217;uno) che consentono facili sold out.



Tuttavia la riduzione del lavoro non tocca solo tecnici e maestranze. Chi ne ha pagato lo scotto sono stati anche i famosi turnisti: musicisti diplomati che suonano in studio, ma anche nei live con i grandi nomi.





<h2 id="h-mille-ascolti-per-un-panino-la-musica-online-non-paga-poi-tanto">Mille ascolti per un panino. La musica online non paga poi tanto</h2>





Da anni ormai una corrente di pensiero vuole che internet e le piattaforme di streaming siano l&#8217;alternativa al mondo chiuso della discografia tradizionale. Sono ormai molti, anche in Italia, i giovani partiti dal nulla che grazie alla rete sono riusciti ad avere successo. L&#8217;esempio più eclatante è quello di Rovazzi, autore del tormentone di qualche estate fa Andiamo a comandare. I veri guadagni però arrivano sempre dai canali tradizionali.



I dati forniti dal MEI (Meeting Etichette Indipendenti), storico organizzatore del festival di Faenza dedicato alla discografia indipendente, mostrano come per ciascun ascolto Spotify paga 0,0043 $, iTunes 0,00735 $, Deezer, 0,004 $, YouTube 0,001 $ e Amazon Music 0,00402 $. Per arrivare ai famosi soldi del panino, come si diceva ai tempi in cui a pagare poco erano i gestori di birrerie, ci vogliono mille ascolti; per vedere una cifra congrua, tra i 5.000 e i 7.000 dollari, ce ne vogliono un milione. Sommando questi numeri e ipotizzando quindi un milione di streaming per un singolo brano in ognuna di queste piattaforme, un artista può vedersi riconosciuto un compenso di 33.240 $, a patto che non sia pubblicato da una casa discografica, che in questo caso richiede una fetta del guadagno. Tutto questo prima di aver pagato le tasse. 



Le piattaforme, insomma, possono diventare un buon veicolo pubblicitario per un esordiente che vuole proporsi in eventi live, i quali però sono sempre più in calo a causa delle spese che lievitano e della troppa burocrazia.





Photo credits: www.reportpistoia.com

Sanremo fa festa mentre la musica muore di fame. E così Sia(e)

Ieri sera, durante il Festival di Sanremo, sul palco dell&#8217;Ariston, assieme a Francesco Pannofino e a Lo Stato Sociale, c&#8217;era anche una rappresentanza dei lavoratori dello spettacolo, tra le categorie più colpite della pandemia.
Il gruppo bolognese e l&#8217;attore hanno voluto dare voce a chi da un anno non può lavorare e ha avuto grandi difficoltà ad accedere ai ristori. Anche le iniziative di solidarietà, che nei primi giorni di pandemia sembravano essere tantissime, hanno prodotto meno di quanto ci si aspettava. Per attori teatrali, piccoli musicisti e maestranze si sono mossi tutti, ma alla fine il ricavato è risultato insufficiente rispetto ai bisogni di un mondo in crisi perenne già da prima della pandemia. Nelle varie sottoscrizioni c&#8217;erano i grandi nomi dello show business, i grandi marchi, le principali banche e molti privati.
A un anno esatto dall&#8217;inizio della pandemia e dalla chiusura totale, i teatri sono ancora chiusi, di concerti nemmeno a parlarne, e chi vive di questo ha visto arrivare pochi spiccioli, sia dal governo che dalle iniziative di solidarietà.
<h2 id="h-pochi-e-per-pochi-gli-aiuti-al-settore-musicale-non-bastano">Pochi e per pochi. Gli aiuti al settore musicale non bastano</h2>
La piattaforma che si è mossa per prima e in maniera più concreta è Music Innovation Hub, associazione che ha come principale obiettivo il supporto del settore musicale e che ha organizzato la raccolta “Sosteniamo la musica”. La raccolta fondi è stata realizzata in associazione con FIMI (Federazione Industriale Musicale Italiana) in collaborazione con PMI, Nuovo IMAIE altre realtà del mondo musicale.
In questo caso il metodo di accesso ai contributi era piuttosto selettivo, ma allo stesso tempo esaustivo. Erano ritenute valide le candidature che rientrano nelle categorie interpretazione ed esecuzione, audiovisivi e supporti fonografici, comunicazione, formazione, management, produzioni di eventi e produzione di strumenti musicali. Non tutti però sono stati ammessi, dal momento che la raccolta fondi era riservata a liberi professionisti in partita Iva o ritenuta d&#8217;acconto, dipendenti di cooperative o società a tempo determinato o indeterminato (con contratto a chiamata intermittente).
In tutto sono stati raccolti 774.000 euro (l’obiettivo era 500.000 euro entro il 31 dicembre), poi divisi tra 1.548 aventi diritto che di fatto hanno percepito 500 euro a testa una tantum. Le richieste andavano presentate a un link con tanto di certificazione ISEE. Ne hanno usufruito soprattutto gli artisti, in prevalenza cantanti e musicisti con età superiore ai 30 anni.
<h2 id="h-la-mia-banca-suona-il-rock-la-solidariet-alla-musica-da-parte-dei-privati">La mia banca suona il rock: la solidarietà alla musica da parte dei privati</h2>
Il progetto aveva come partner grandi nomi dell&#8217;industria musicale, a partire dal colosso Spotify.
«Per ogni euro donato a Music Innovation Hub attraverso la pagina “Spotify COVID-19 Sosteniamo la Musica” – spiegavano all&#8217;inizio con un comunicato – Spotify ne donerà un altro, fino a un totale complessivo di 10 milioni di dollari a livello globale (includendo tutte le organizzazioni partner fino ad oggi).»
Sono molte le realtà private che hanno deciso di sostenere iniziative di questo tipo, a fronte di una serie di ritardi ed esclusioni dei ristori predisposti dal governo per i lavoratori autonomi. I musicisti, e in generale quanti operano nello spettacolo, in particolare nei primi mesi di erogazione di fondi, sono stati esclusi dai contributi, nonostante per ovvi motivi la loro categoria fosse la più colpita. Entro fine anno il Ministero della Cultura ha stanziato poi 56 milioni di euro per tamponare la falla. Intanto era scattata la gara di solidarietà, che ha visto anche grandi nomi, come quello di Fedez o Gianni Morandi, tra quelli di chi ha effettuato donazioni.
L&#8217;altra grande mobilitazione è quella che ha avuto come testimonial Fedez, e si chiama “Scena Unita”. Qui i partner erano molti e blasonati: Music Innovation Hub e Cesvi, associazioni attive anche in altre raccolte fondi; ma anche nomi importanti come Amazon Prime e Intesa San Paolo, che ha donato 300.000 euro. In totale è stato raccolto un milione di euro, diviso tra 1.000 aventi diritto per un totale di 1.000 euro a testa, indirizzati in prevalenza a liberi professionisti e precari.
Anche in questo caso la platea degli aventi diritto è apparsa inferiore a quanti effettivamente lavorano nel settore musica e spettacolo. L&#8217;intenzione in questo caso è di aprire altri bandi che raccolgano fondi per i musicisti in difficoltà.
<h2 id="h-musica-e-spettacolo-in-bilico-gi-prima-del-covid-19">Musica e spettacolo, in bilico già prima del COVID-19</h2>
“Se potessi avere mille lire al mese&#8230;”, si cantava negli anni Trenta. In realtà un cantante in quel periodo ne guadagnava molte di più, anche grazie a una singola canzone. Altri tempi.
I dati oggi dicono che il mondo della musica e dello spettacolo, tolti i pochi fortunati, riserva cifre da capogiro. Secondo l&#8217;analisi dell&#8217;Inps del 2019, il numero di lavoratori dello spettacolo con almeno una giornata retribuita nell’anno è risultato pari a 327.812, con una retribuzione media annua di 10.664 euro e un numero medio annuo di 100 giornate retribuite.
Il gruppo professionale più numeroso è quello degli attori (25,4%), seguito dai gruppi dei lavoratori degli impianti e circoli sportivi (11,2%), degli impiegati (11%) e dei concertisti e orchestrali (9,4%). Analizzando la struttura per classi di età di questa collettività di lavoratori emerge che, nel 2019, la classe di età modale è quella tra i 25 e i 29 anni con 45.408 lavoratori (il 13,9% del totale). I lavoratori maschi rappresentano il 57,5% della collettività considerata. Confrontando gli ultimi due anni disponibili, nel 2019 si registra una lieve diminuzione pari a -0,8% del numero dei lavoratori mentre le retribuzioni medie annue aumentano dell’1,3% e le giornate medie retribuite sono stabili, pari a 100.
<h2 id="h-elio-e-le-storie-generose-il-bando-sospeso-per-finanziare-le-band-emergenti-a-bergamo">Elio e le storie… generose: il bando (sospeso) per finanziare le band emergenti a Bergamo</h2>
C&#8217;è chi si è invece mosso “a progetto”. È il caso di #insiemeperlamusica, iniziativa che aveva inizialmente lo scopo di portare, a giugno 2021, la reunion di Elio e le storie tese a Bergamo, città tra le più colpite dal COVID-19, e che ha visto la partecipazione del Trio Medusa, di Radio Deejay, di Cesvi e della stessa amministrazione comunale bergamasca guidata dal sindaco Giorgio Gori.
Il metodo elaborato da Elio e le storie tese in questo caso è quello del bando a idea. In tutto sono stati raccolti 150.000 euro, parte dei quali assegnati a 35 progetti (3.000 euro a testa) per realizzare un disco, ma nei prossimi mesi ne saranno finanziati altri con la rimanenza. Si tratta di un bando in divenire, visto che l&#8217;idea di organizzare il concertone raccolta fondi ufficialmente non è ancora tramontata.
«Al momento – spiegano a Cesvi – abbiamo sospeso tutto, non sapendo se a giugno si potrà suonare. Però l&#8217;intenzione è quella di tornare a suonare dal vivo.»
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<h2 id="h-nessuno-sta-investendo-sulla-musica-e-i-musicisti-cambiano-lavoro">«Nessuno sta investendo sulla musica». E i musicisti cambiano lavoro</h2>
In realtà molti musicisti hanno preferito non cimentarsi nemmeno con la richiesta, visto lo sconforto che ha colpito la categoria.
«A parte i 600 euro – dice il batterista jazz Renato Tassiello – che mi sono arrivati in quanto libero professionista, non ho fatto altre richieste. In effetti 500 euro non cambiano la vita, e visto che insegno anche musica non so nemmeno se ne avrei avuto diritto. Al momento il problema è che nessuno, né piccole né grandi case discografiche, sta investendo sulla musica. Io stesso sono uscito con un disco l&#8217;anno scorso; aspettavo di vendere i cd nei live, ma con il blocco della pandemia sono saltati tutti.»
Negli ultimi mesi molti musicisti, in particolare i “turnisti” (ovvero chi suona nei concerti per vari artisti), hanno deciso di cambiare completamente lavoro, dimenticando quella che per loro era nata come una passione. &nbsp;

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Andrea Ballone

Lavora come giornalista da più di vent&#8217;anni. Collabora con Oggi, La Stampa e La Provincia Pavese. In passato ha scritto articoli per l&#8217;Espresso, il Sole 24 Ore e il Mondo. Si occupa di lavoro, scuola, pubblica amministrazione, volontariato, ambiente e criminalità organizzata. Su questo tema ha scritto anche il libro &#8220;Pizza, sangue e videopoker&#8221;, in collaborazione con l&#8217;associazione antimafia Libera, nel quale si ricostruisce l&#8217;ascesa di alcuni clan criminali nel Nord Italia.

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500€ una tantum vs 50.000€ a serata: ai lavoratori della musica un centesimo di Ibra e Fiorello

Nonostante l&#8217;interesse dei privati e i tardivi aiuti statali, il settore musicale e dello spettacolo resta in piena agonia. Alcuni dati per inquadrare la situazione.

500€ una tantum vs 50.000€ a serata: ai lavoratori della musica un centesimo di Ibra e Fiorello - Informazione senza filtro

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Ieri sera, durante il Festival di Sanremo, sul palco dell&#8217;Ariston, assieme a Francesco Pannofino e a Lo Stato Sociale, c&#8217;era anche una rappresentanza dei lavoratori dello spettacolo, tra le categorie più colpite della pandemia.



Il gruppo bolognese e l&#8217;attore hanno voluto dare voce a chi da un anno non può lavorare e ha avuto grandi difficoltà ad accedere ai ristori. Anche le iniziative di solidarietà, che nei primi giorni di pandemia sembravano essere tantissime, hanno prodotto meno di quanto ci si aspettava. Per attori teatrali, piccoli musicisti e maestranze si sono mossi tutti, ma alla fine il ricavato è risultato insufficiente rispetto ai bisogni di un mondo in crisi perenne già da prima della pandemia. Nelle varie sottoscrizioni c&#8217;erano i grandi nomi dello show business, i grandi marchi, le principali banche e molti privati.



A un anno esatto dall&#8217;inizio della pandemia e dalla chiusura totale, i teatri sono ancora chiusi, di concerti nemmeno a parlarne, e chi vive di questo ha visto arrivare pochi spiccioli, sia dal governo che dalle iniziative di solidarietà.





<h2 id="h-pochi-e-per-pochi-gli-aiuti-al-settore-musicale-non-bastano">Pochi e per pochi. Gli aiuti al settore musicale non bastano</h2>





La piattaforma che si è mossa per prima e in maniera più concreta è Music Innovation Hub, associazione che ha come principale obiettivo il supporto del settore musicale e che ha organizzato la raccolta “Sosteniamo la musica”. La raccolta fondi è stata realizzata in associazione con FIMI (Federazione Industriale Musicale Italiana) in collaborazione con PMI, Nuovo IMAIE altre realtà del mondo musicale.



In questo caso il metodo di accesso ai contributi era piuttosto selettivo, ma allo stesso tempo esaustivo. Erano ritenute valide le candidature che rientrano nelle categorie interpretazione ed esecuzione, audiovisivi e supporti fonografici, comunicazione, formazione, management, produzioni di eventi e produzione di strumenti musicali. Non tutti però sono stati ammessi, dal momento che la raccolta fondi era riservata a liberi professionisti in partita Iva o ritenuta d&#8217;acconto, dipendenti di cooperative o società a tempo determinato o indeterminato (con contratto a chiamata intermittente).



In tutto sono stati raccolti 774.000 euro (l’obiettivo era 500.000 euro entro il 31 dicembre), poi divisi tra 1.548 aventi diritto che di fatto hanno percepito 500 euro a testa una tantum. Le richieste andavano presentate a un link con tanto di certificazione ISEE. Ne hanno usufruito soprattutto gli artisti, in prevalenza cantanti e musicisti con età superiore ai 30 anni.





<h2 id="h-la-mia-banca-suona-il-rock-la-solidariet-alla-musica-da-parte-dei-privati">La mia banca suona il rock: la solidarietà alla musica da parte dei privati</h2>





Il progetto aveva come partner grandi nomi dell&#8217;industria musicale, a partire dal colosso Spotify.



«Per ogni euro donato a Music Innovation Hub attraverso la pagina “Spotify COVID-19 Sosteniamo la Musica” – spiegavano all&#8217;inizio con un comunicato – Spotify ne donerà un altro, fino a un totale complessivo di 10 milioni di dollari a livello globale (includendo tutte le organizzazioni partner fino ad oggi).»



Sono molte le realtà private che hanno deciso di sostenere iniziative di questo tipo, a fronte di una serie di ritardi ed esclusioni dei ristori predisposti dal governo per i lavoratori autonomi. I musicisti, e in generale quanti operano nello spettacolo, in particolare nei primi mesi di erogazione di fondi, sono stati esclusi dai contributi, nonostante per ovvi motivi la loro categoria fosse la più colpita. Entro fine anno il Ministero della Cultura ha stanziato poi 56 milioni di euro per tamponare la falla. Intanto era scattata la gara di solidarietà, che ha visto anche grandi nomi, come quello di Fedez o Gianni Morandi, tra quelli di chi ha effettuato donazioni.



L&#8217;altra grande mobilitazione è quella che ha avuto come testimonial Fedez, e si chiama “Scena Unita”. Qui i partner erano molti e blasonati: Music Innovation Hub e Cesvi, associazioni attive anche in altre raccolte fondi; ma anche nomi importanti come Amazon Prime e Intesa San Paolo, che ha donato 300.000 euro. In totale è stato raccolto un milione di euro, diviso tra 1.000 aventi diritto per un totale di 1.000 euro a testa, indirizzati in prevalenza a liberi professionisti e precari.



Anche in questo caso la platea degli aventi diritto è apparsa inferiore a quanti effettivamente lavorano nel settore musica e spettacolo. L&#8217;intenzione in questo caso è di aprire altri bandi che raccolgano fondi per i musicisti in difficoltà.





<h2 id="h-musica-e-spettacolo-in-bilico-gi-prima-del-covid-19">Musica e spettacolo, in bilico già prima del COVID-19</h2>





“Se potessi avere mille lire al mese&#8230;”, si cantava negli anni Trenta. In realtà un cantante in quel periodo ne guadagnava molte di più, anche grazie a una singola canzone. Altri tempi.



I dati oggi dicono che il mondo della musica e dello spettacolo, tolti i pochi fortunati, riserva cifre da capogiro. Secondo l&#8217;analisi dell&#8217;Inps del 2019, il numero di lavoratori dello spettacolo con almeno una giornata retribuita nell’anno è risultato pari a 327.812, con una retribuzione media annua di 10.664 euro e un numero medio annuo di 100 giornate retribuite.



Il gruppo professionale più numeroso è quello degli attori (25,4%), seguito dai gruppi dei lavoratori degli impianti e circoli sportivi (11,2%), degli impiegati (11%) e dei concertisti e orchestrali (9,4%). Analizzando la struttura per classi di età di questa collettività di lavoratori emerge che, nel 2019, la classe di età modale è quella tra i 25 e i 29 anni con 45.408 lavoratori (il 13,9% del totale). I lavoratori maschi rappresentano il 57,5% della collettività considerata. Confrontando gli ultimi due anni disponibili, nel 2019 si registra una lieve diminuzione pari a -0,8% del numero dei lavoratori mentre le retribuzioni medie annue aumentano dell’1,3% e le giornate medie retribuite sono stabili, pari a 100.





<h2 id="h-elio-e-le-storie-generose-il-bando-sospeso-per-finanziare-le-band-emergenti-a-bergamo">Elio e le storie… generose: il bando (sospeso) per finanziare le band emergenti a Bergamo</h2>





C&#8217;è chi si è invece mosso “a progetto”. È il caso di #insiemeperlamusica, iniziativa che aveva inizialmente lo scopo di portare, a giugno 2021, la reunion di Elio e le storie tese a Bergamo, città tra le più colpite dal COVID-19, e che ha visto la partecipazione del Trio Medusa, di Radio Deejay, di Cesvi e della stessa amministrazione comunale bergamasca guidata dal sindaco Giorgio Gori.



Il metodo elaborato da Elio e le storie tese in questo caso è quello del bando a idea. In tutto sono stati raccolti 150.000 euro, parte dei quali assegnati a 35 progetti (3.000 euro a testa) per realizzare un disco, ma nei prossimi mesi ne saranno finanziati altri con la rimanenza. Si tratta di un bando in divenire, visto che l&#8217;idea di organizzare il concertone raccolta fondi ufficialmente non è ancora tramontata.



«Al momento – spiegano a Cesvi – abbiamo sospeso tutto, non sapendo se a giugno si potrà suonare. Però l&#8217;intenzione è quella di tornare a suonare dal vivo.»





<figure class="is-layout-flex wp-block-gallery-1 wp-block-gallery columns-3 is-cropped"><ul class="blocks-gallery-grid"><li class="blocks-gallery-item"><figure><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2021/03/1.jpeg"><img width="659" height="694" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2021/03/1.jpeg" alt="" data-id="43187" data-full-url="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2021/03/1.jpeg" data-link="https://www.informazionesenzafiltro.it/?attachment_id=43187" class="wp-image-43187" /></a></figure></li><li class="blocks-gallery-item"><figure><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2021/03/2.jpeg"><img width="410" height="127" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2021/03/2.jpeg" alt="" data-id="43188" data-full-url="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2021/03/2.jpeg" data-link="https://www.informazionesenzafiltro.it/?attachment_id=43188" class="wp-image-43188" /></a></figure></li><li class="blocks-gallery-item"><figure><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2021/03/3.jpeg"><img width="406" height="131" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2021/03/3.jpeg" alt="" data-id="43189" data-full-url="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2021/03/3.jpeg" data-link="https://www.informazionesenzafiltro.it/?attachment_id=43189" class="wp-image-43189" /></a></figure></li></ul></figure>





<h2 id="h-nessuno-sta-investendo-sulla-musica-e-i-musicisti-cambiano-lavoro">«Nessuno sta investendo sulla musica». E i musicisti cambiano lavoro</h2>





In realtà molti musicisti hanno preferito non cimentarsi nemmeno con la richiesta, visto lo sconforto che ha colpito la categoria.



«A parte i 600 euro – dice il batterista jazz Renato Tassiello – che mi sono arrivati in quanto libero professionista, non ho fatto altre richieste. In effetti 500 euro non cambiano la vita, e visto che insegno anche musica non so nemmeno se ne avrei avuto diritto. Al momento il problema è che nessuno, né piccole né grandi case discografiche, sta investendo sulla musica. Io stesso sono uscito con un disco l&#8217;anno scorso; aspettavo di vendere i cd nei live, ma con il blocco della pandemia sono saltati tutti.»



Negli ultimi mesi molti musicisti, in particolare i “turnisti” (ovvero chi suona nei concerti per vari artisti), hanno deciso di cambiare completamente lavoro, dimenticando quella che per loro era nata come una passione. &nbsp;

Vale davvero la pena leggere un fumetto femminista, per di più se è un fumetto femminista con la copertina tutta rosa e che – si capisce al primo sfoglio – una trama vera non ce l’ha?



Il dubbio è di quelli che potrebbero far fare avanti indietro dalla libreria, indecisi se arricchire o meno la propria pila di libri sul comodino con una copia di “Bastava chiedere! 10 storie di femminismo quotidiano”. Disegnato, più che scritto, dalla fumettista francese Emma Clit, il fumetto è stato tradotto e pubblicato in Italia da Laterza a inizio 2020. Giusto qualche mese prima che il lockdown facesse schizzare i numeri delle violenze domestiche subite, più che denunciate, da italiane di ogni età, professione e status economico; poco prima che le conseguenze della crisi ci mettessero davanti, non poi così a sorpresa, a una stragrande maggioranza di licenziamenti subiti da lavoratrici donne.



Quanto basta a essere tentati di rispondere che sì, non solo vale la pena di leggere Bastava chiedere!, ma serve regalarlo alle piccole di casa; imporne la lettura a scuola nell’ora di educazione sentimentale, ammesso che ci siano scuole coraggiose in cui esista ancora; dimenticarne casualmente una copia sul comodino del partner, sulla poltrona di papà, sulla scrivania del collega dalle battutine impertinenti, ma anche su quella della collega fintamente comprensiva.





<h2 id="h-bastava-chiedere-il-fumetto-femminista-che-racconta-il-maschiocentrismo-del-quotidiano">Bastava chiedere!, il fumetto femminista che racconta il maschiocentrismo del quotidiano</h2>





Non una storia, ma il racconto (realistico) di quelle situazioni che ogni giorno sono la prova della cultura maschiocentrica occidentale.



Il fumetto racconta infatti, come da premesse del sottotitolo, dieci situazioni piuttosto comuni nella vita di tutti i giorni, capaci di svelare come sia duro a morire un certo costrutto maschiocentrico, più ancora che maschilistico, della società occidentale.



C’è il marito che aspetta inerme che la cena sia pronta mentre la moglie si arrabatta, letteralmente, tra il dare da mangiare ai figli e il mantenere alta la conversazione con gli ospiti. Il collega che guarda di sottecchi, e non con troppa simpatia, la collega più giovane non trattenersi oltre l’orario di lavoro per fare in tempo ad andare a prendere i figli a scuola. Il compagno che non si fa remore a organizzare l’ennesima uscita serale con gli amici, mentre dopo il lavoro la parte femminile della coppia è assillata dal pensiero di fare la spesa, sistemare la biancheria e sbrigare innumerevoli altre faccende domestico-familiari. Ci sono, persino, le amiche impegnate a non risparmiarsi commenti su come e in che tempi ci si stia riprendendo dal parto: non è un mistero, del resto, che le peggiori nemiche delle donne siano spesso altre donne.



A ciascuna di queste situazioni Emma dedica una piccola storia, davvero piccola, almeno narrativamente: probabilmente, se ci si provasse, non si riuscirebbe infatti a tirare fuori da Bastava chiedere! nemmeno una cartella piena di testo, ed è forse questo che più fa storcere il naso a chi si aspettava una graphic novel, e di novel ha trovato davvero ben poco.





<h2 id="h-la-questione-del-carico-mentale-delle-donne">La questione del “carico mentale” delle donne</h2>





Letteratura e finzione si perdono qui nelle trame, non meno incredibili e capaci di lasciare a bocca aperta, di dati sui tassi di occupazione femminile, sulle misure economico-assistenziali riservate alle donne in momenti segnanti della propria vita (come la maternità appunto) o di curiosità su come siano nati alcuni stereotipi ancora così duri a morire nelle relazioni di coppia. E, più in generale, in quelle tra l’universo femminile e l’universo maschile.



Certo, forse la storia del termine “isteria” usato inizialmente in maniera decisamente poco scientifica e per bollare un disturbo psichico che si pensava avesse esclusivamente a che vedere con questioni ormonali e uterine, può risultare sentita e risentita, protagonista com’è stata in questi anni di innumerevoli romanzi, bio pic, serie TV, adattamenti cinematografici.



La stessa impressione la si potrebbe avere per una serie di altri argomenti già cavalcati abbondantemente da certa letteratura “pop” femminista. Forse, però, repetita non iuvant tanto quanto si potrebbe immaginare se a ogni donna, di qualsiasi età e in qualsiasi contesto, capita ancora così spesso di farsi carico mentale del benessere di chi le sta intorno: l’espressione è quella, felice, con cui già in altri fumetti Emma ha descritto quella tendenza, tipicamente femminile, a sentirsi responsabile della felicità di mariti, compagni, amanti, figli, fratelli, genitori anziani, colleghi, amici, più e prima che della propria.



C’entra l’educazione ricevuta fin da bambine, certo, ma senza dubbio anche una certa narrazione matriarcale – ed è questo il succo dell’introduzione di Michela Murgia alla traduzione italiana di Bastava chiedere! – sterile, almeno quanto capace di confondere l’empowerment femminile, quello vero, con una necessità di avere tutto sotto controllo, da parte delle donne, in famiglia, sul lavoro, eccetera. Una necessità che giova agli altri più che a sé.





<h2 id="h-due-ragioni-pi-una-per-leggere-bastava-chiedere-di-emma-clit">Due ragioni (più una) per leggere Bastava chiedere! di Emma Clit</h2>





Perché leggere Bastava chiedere!, insomma?



Per avere la risposta immediatamente pronta, anche fosse più emotiva che verbale, quando arriverà il prossimo “bastava chiedere!” del compagno affamato se si è fatto tardi e non c’è ancora niente che borbotta sul fornello per cena. Un po’ meno per approfondire il discorso femminista o per il puro piacere di leggere una storia femminista a lieto fine.



Va letto più per mettere alla prova la propria professione di femminismo: ogni capitolo di Bastava chiedere! potrebbe far crollare, infatti, il proprio castello di credenze. Potrebbe aiutare anche chi è cresciuto in una famiglia in cui la divisione di ruoli tra maschi e femmine era precisa al millesimo a rendersi conto di come certi bias di genere agiscano più inconsciamente di quanto si sia disposti ad ammettere.



Il disagio è assicurato, ma a volte è il disagio che fa muovere le cose.

Che senso ha il femminismo se poi bastava chiedere?

Con i concerti vietati per il COVID-19, gli autori musicali devono vivere dei diritti delle canzoni che scrivono.
Fuori dal grande palco di Sanremo c&#8217;è un esercito di piccoli musicisti, cantautori, rock band, suonatori diplomati, che già prima della pandemia faticava a sopravvivere con la propria attività. Oggi, dopo un anno di palchi chiusi, hanno perso la loro principale fonte di reddito: i concerti.
I diritti garantiti dalla Siae, la società che dovrebbe tutelare il lavoro creativo nello spettacolo e nella letteratura, non bastano certo a far sopravvivere, anche perché la fetta maggiore finisce nelle tasche dei grandi nomi, lasciando ai piccoli le briciole. Infatti se da un lato i diritti radio e tv rendono meglio, dall&#8217;altro per un autore emergente non è così semplice arrivare a un numero congruo di passaggi che garantiscano la sopravvivenza. Soprattutto in un sistema come quello italiano, storicamente chiuso alle novità musicali.
<h2 id="h-quanto-rendono-i-diritti-d-autore-per-un-musicista-siae-remunerati-solo-i-grandi-nomi">Quanto rendono i diritti d&#8217;autore per un musicista: Siae, remunerati solo i grandi nomi</h2>
Le fonti di introito per chi vuol fare della propria musica un lavoro sono diverse.
La più semplice è la vendita di cd, vinili e album attraverso le piattaforme di streaming. La Siae riconosce per ogni cd o disco venduto da 1,17 a 1,60 euro e tra gli 11 e i 16 centesimi per il singolo download agli esecutori, che devono però dividerli con la casa discografica se non sono autoprodotti. All’autore del brano invece vengono riconosciuti 92 centesimi per ogni disco venduto e 1 centesimo per il download della canzone da internet.
Il passaggio di un brano in radio poi permette al musicista di incassare dalla Siae oltre 60 euro (per ogni singola occorrenza) che saranno divisi a metà con la casa discografica, mentre altrettanto guadagno spetta all’autore del brano.
Se invece una canzone viene utilizzata in tv (come semplice sottofondo di una scena oppure come sigla) il compenso, stabilito a priori tra le piattaforme televisive e la Siae, ammonta a circa 100 euro nel primo caso e può arrivare anche a sfiorare i 50.000 euro nel secondo, anche in base alla capacità contrattuale dell’autore (il tutto poi va comunque distribuito tra artista, autore e casa discografica). Ma arrivare alla radio o alla televisione non è così semplice. In prevalenza sono palcoscenici riservati a grandi nomi, e non esistono nemmeno aree protette reali riservate agli emergenti.
La musica dal vivo, specialmente nei teatri, è ancora la via più semplice. Una serata a teatro con esecuzione di dieci pezzi propri e qualche passaggio su una radio locale online possono rendere a un cantautore fino a 70 o 100 euro. «Sono riuscito a maturarli – dice un cantautore – non appena ho fatto una serata, dopo essermi iscritto a dicembre. Ma non ho ancora visto un euro, perché con quelli ci ho pagato l&#8217;iscrizione; subito dopo è iniziato il COVID-19, e i locali hanno chiuso».
<h2 id="h-radio-killed-the-live-music-star-fare-concerti-conviene-sempre-meno">Radio killed the live music star: fare concerti conviene sempre meno</h2>
Di questi tempi restano solo le radio, magari quelle nate nel web, alcune delle quali si fanno pagare piccole cifre per passare i pezzi di artisti emergenti. Anche perché i grandi network, per chi non ha un nome o non arriva da un reality show, sono off limits.
Il regolamento della Siae per il riconoscimento dei diritti d&#8217;autore delle canzoni prevede che per le esibizioni dal vivo si paghi un tot per ogni canzone eseguita, mentre in radio e tv la ripartizione è basata sulla durata delle utilizzazioni, moltiplicata per dei coefficienti che tengono conto della funzione assolta dalla musica e della fascia oraria nella quale è trasmessa.
In alternativa si usa il modello di ripartizione campionaria: è basata sulla rilevazione delle musiche trasmesse da un campione rappresentativo di emittenti radiofoniche nel periodo di riferimento. Per riuscire ad avere riconoscimenti con questo metodo è necessario che una canzone entri nei “radar” dei rilevamenti, cosa che richiede molti passaggi radio (tutte grandi network, dopo la scomparsa delle radio libere), difficili da ottenere per un artista emergente. A meno che non sia sotto contratto con una major o con una casa discografica dalla grande influenza sulle radio, o magari con dei soci che siano proprietari di radio. È il caso di Ultrasuoni, casa discografica che ha come nome di punta i Modà, e che appartiene in egual misura a Baraonda Edizioni Musicali (appartenente a sua volta al presidente di RTL Lorenzo Suraci), a Mario Volanti (presidente di Radio Italia) e a Eduardo Montefusco (presidente di RDS).
<h2 id="h-l-agonia-della-musica-dal-vivo">L’agonia della musica dal vivo&nbsp;</h2>
I live in teoria garantiscono introiti maggiori. L&#8217;artista si fa pagare per la serata e può eseguire i propri pezzi, che frutteranno in diritti d&#8217;autore. E poi anche i piccoli gruppi possono reggersi sulla vendita diretta dei cd (calata a causa dello streaming) e del merchandising (magliette, tazze e spille), che da sempre hanno rappresentato un florido mercato per cantanti e gruppi. Da un anno tutto questo non esiste più a causa del COVID-19, e anche prima le cose non andavano meglio.
Silvio Petitto ha 57 anni. Ha iniziato la sua carriera come segretario della FGCI ai tempi delle feste dell&#8217;Unità. Erano gli anni di Guccini, De Gregori e Area anche nei campi sportivi di provincia, tra salamelle e bandiere. Oggi è il principale organizzatore di concerti in provincia di Pavia.
«La musica dal vivo sopravvive nei live club – racconta – che danno continuità con anche cento concerti all&#8217;anno, ma in generale i live sono in calo. Da un lato perché ci sono molte meno entrate, anche se gli incassi sono di più del passato perché i costi sono più alti.»
La circolare Gabrielli, che disciplina la partecipazione a eventi pubblici, ha ridotto le capienze e fatto lievitare i costi. Per fare un concerto oggi si devono pagare due ingegneri per le consulenze in sicurezza. Tutti i lavoratori devono fare il corso antincendio e poi si deve comunque chiamare una squadra di vigili del fuoco. Le spese organizzative sono il 70% circa rispetto al cachet dell&#8217;artista.
«Per questo conviene concentrarsi nei grandi concerti – continua Petitto – con nomi che attirano più pubblico, ma da queste realtà i piccoli e medi promoter rimangono esclusi». Questo si riverbera sui lavoratori, molti pagati a giornata, che guadagnano comunque la stessa cifra indipendentemente dal costo del biglietto e da chi c’è sul palco.
Le grandi agenzie d&#8217;altro canto centellinano i grandi nomi, che è meglio spendere in una location come San Siro o il Forum, che portano maggiori sponsor pubblicitari, attirati anche da biglietti a costi stracciati (0,50 euro l&#8217;uno) che consentono facili sold out.
Tuttavia la riduzione del lavoro non tocca solo tecnici e maestranze. Chi ne ha pagato lo scotto sono stati anche i famosi turnisti: musicisti diplomati che suonano in studio, ma anche nei live con i grandi nomi.
<h2 id="h-mille-ascolti-per-un-panino-la-musica-online-non-paga-poi-tanto">Mille ascolti per un panino. La musica online non paga poi tanto</h2>
Da anni ormai una corrente di pensiero vuole che internet e le piattaforme di streaming siano l&#8217;alternativa al mondo chiuso della discografia tradizionale. Sono ormai molti, anche in Italia, i giovani partiti dal nulla che grazie alla rete sono riusciti ad avere successo. L&#8217;esempio più eclatante è quello di Rovazzi, autore del tormentone di qualche estate fa Andiamo a comandare. I veri guadagni però arrivano sempre dai canali tradizionali.
I dati forniti dal MEI (Meeting Etichette Indipendenti), storico organizzatore del festival di Faenza dedicato alla discografia indipendente, mostrano come per ciascun ascolto Spotify paga 0,0043 $, iTunes 0,00735 $, Deezer, 0,004 $, YouTube 0,001 $ e Amazon Music 0,00402 $. Per arrivare ai famosi soldi del panino, come si diceva ai tempi in cui a pagare poco erano i gestori di birrerie, ci vogliono mille ascolti; per vedere una cifra congrua, tra i 5.000 e i 7.000 dollari, ce ne vogliono un milione. Sommando questi numeri e ipotizzando quindi un milione di streaming per un singolo brano in ognuna di queste piattaforme, un artista può vedersi riconosciuto un compenso di 33.240 $, a patto che non sia pubblicato da una casa discografica, che in questo caso richiede una fetta del guadagno. Tutto questo prima di aver pagato le tasse. 
Le piattaforme, insomma, possono diventare un buon veicolo pubblicitario per un esordiente che vuole proporsi in eventi live, i quali però sono sempre più in calo a causa delle spese che lievitano e della troppa burocrazia.
Photo credits: www.reportpistoia.com

Ai grandi i soldi veri, derivati dai passaggi in radio e tv; ai piccoli le briciole di streaming e live (che sono sempre meno). Le due velocità della musica italiana strangolano gli emergenti e i lavoratori del settore.

Sanremo fa festa mentre la musica muore di fame. E così Sia(e) - Informazione senza filtro

La vita on demand è il mensile di febbraio dedicato da SenzaFiltro al mercato del lavoro che c'è dietro i nostri click. Ancora troppo invisibile.

Numero 101 - La vita on demand

“Compreresti su questo sito web un farmaco che potenzia le tue prestazioni sessuali?”



Proviamo a proporre, accanto al quesito, qualche frase pubblicata in italiano su SexFarmacia (nome inventato per sviare eventuali aspiranti acquirenti, ma simile all’originale). Quel testo è concepito per convincere la gente a comprare senza la ricetta medica, obbligatoria per legge, varie medicine anti-flop erotico.



Il sito non è nascosto: è stato trovato da SenzaFiltro con un motore di ricerca, scrivendo banalmente il nome di uno dei prodotti più noti, il Viagra (ma basta digitare “pharmacy online” per ottenere oltre 5.270.000 risultati). Ecco un passaggio dedicato alle signore: “Sussiste la credenza atavica che la sessualità delle donne consti di meccanismi fluidi, ignorando che essi possano incepparsi coincidentemente alla stregua di quelli maschili”. Per i maschietti: “Volgendo lo sguardo a rivoluzionari prodotti convertiti a strumenti potenti di riconquista della virilità, le relazioni sociali pesantemente affette dalle limitazioni di questi disturbi, hanno ripreso il podio e riacciuffato in extremis un equilibrio che rischiava di frantumarsi pesantemente”.





<h2 id="h-farmaci-online-sul-web-vincono-i-siti-fuorilegge">Farmaci online, sul web “vincono” i siti fuorilegge</h2>





Parole degne di Cetto La Qualunque, il “politico” fanfarone interpretato dal comico Antonio Albanese. Eppure è tutto vero. Non solo: la gente – tanto per rispondere alla domanda iniziale – su questo genere di siti compra tantissimi farmaci illegali.



SexFarmacia ha persino la sfrontatezza di definirsi (includiamo anche i refusi) “uno spazio tutelato dove puoi chiedere di ricevere il prodotto che potrà aiuterà con le tue difficoltà in un tempo molto celere, nella tutela assoluta della tua privacy e senza ricorrere al consulto con medici per la prescrizione, poiché l&#8217;acquisto è senza ricetta”. Poi: “Il pacco (…) è reso discreto e anonimo, e ti raggiunge ovunque tu abiti in Italia in un batter di ciglia”. I prezzi? Il farmaco definito “generico” è venduto a partire da 18,63 euro per 10 pastiglie, quello “originale” (con presunto marchio di fabbrica) parte da 37,38 euro per 4 pillole.



In effetti la vendita illegale di farmaci (spesso contraffatti) conta su decine di migliaia di siti e un giro d’affari gigantesco. Al cospetto di questo business criminale, l’acquisto legale online (consentito in Italia dal 2015) è marginale, sebbene in crescita: durante il 2020 nel nostro Paese è aumentato del 30% rispetto al 2019, grazie alla maggiore confidenza col commercio elettronico e al timore di entrare nei negozi.



Per legge, sul web possono vendere medicinali online soltanto farmacie vere. Ogni pagina del sito va contrassegnata con un “bollino” rilasciato dal Ministero della Salute. È consentito acquistare anche nelle farmacie online europee che rispettano i nostri standard ed è possibile vendere esclusivamente farmaci da banco (quelli acquistabili senza ricetta medica) e parafarmaci (come gli integratori alimentari).





<h2 id="h-le-farmacie-online-fruttano-solo-400-milioni">Le farmacie online fruttano “solo” 400 milioni</h2>





Alla fine del primo semestre del 2020 le farmacie virtuali autorizzate in Italia erano 1.060 (il 40% in Campania, Lombardia e Piemonte), 200 in più rispetto allo stesso semestre del 2019; una minoranza rispetto a quelle reali, che sono più di 19.000.



Il giro d&#8217;affari dell&#8217;e-commerce arriva oggi al 2,5% del totale, con un fatturato, l’anno scorso, di circa 400 milioni di euro (100 in più rispetto al 2019). Tuttavia secondo IQVIA Italia (leader nell&#8217;elaborazione di dati sanitari) le vendite sul web rappresentano in media uno smilzo 5% del fatturato totale di una farmacia.



Ai clienti però conviene fare e-shopping. Online si possono trovare sconti che a volte superano il 30%, e i costi di spedizione si azzerano superando la soglia di poche decine di euro. I prodotti maggiormente venduti – grazie all’emergenza COVID-19 – nel 2020 sono stati quelli per la cura personale e l’igiene per le mani, e dispositivi medici come le mascherine.



Ovviamente Federfarma, la federazione delle farmacie, preferisce incentivare le vendite tradizionali. Nel dicembre scorso Roberto Tobia, segretario nazionale, ha segnalato sul suo sito i rischi di una diffusione incontrollata di quelle online: “Non va nell’interesse della salute pubblica. Anche i prodotti di uso comune, come gli integratori, possono interferire con farmaci, cibi e altre sostanze. Per questo, solo il farmacista in farmacia è in grado di consigliare il cittadino sul prodotto più adatto, supporto che online viene meno”.



In realtà i maggiori negozi digitali si stanno attrezzando per offrire consigli da parte di laureati in Farmacia attraverso chat, videochiamate integrate nel sito o numeri di telefono gratuiti. Semmai tutti i farmacisti, virtuali e reali, sono allarmati dalla prospettiva che Amazon possa iniziare a vendere medicine anche in Italia, dopo che negli Stati Uniti ha avviato il commercio in grande stile, con sconti tra il 40% e l’80%. In America il colosso dell’e-commerce ipotizza anche di ottenere l’accesso alle ricette elettroniche elaborate dai medici e giura che la privacy sarà garantita.





<h2 id="h-l-impatto-del-mercato-illegale-di-farmaci-online-va-diminuita-la-domanda-non-solo-l-offerta">L’impatto del mercato illegale di farmaci online: “Va diminuita la domanda, non solo l’offerta”</h2>





Vedremo. Intanto resta il pericolo rappresentato dal mercato illegale. SenzaFiltro ne parla con il dottor Domenico Di Giorgio, direttore dell’Ufficio per la qualità dei prodotti e il contrasto al crimine farmaceutico dell’AIFA, l’Agenzia Italiana del Farmaco (nata nel 2003, è un ente di diritto pubblico competente per l&#8217;attività regolatoria dei medicinali).





<div class="wp-block-image"><figure class="aligncenter size-large is-resized"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2021/02/2018-08-16-999_12-Marco-Brando-1-scaled.jpg"><img src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2021/02/2018-08-16-999_12-Marco-Brando-1-869x1024.jpg" alt="" class="wp-image-43031" width="416" height="490" /></a><figcaption>Domenico Di Giorgio, direttore dell’Ufficio per la qualità dei prodotti e il contrasto al crimine farmaceutico dell’AIFA</figcaption></figure></div>





Dottor Di Giorgio, si dice che il commercio sul web di farmaci contraffatti sia più redditizio di quello di sostanze stupefacenti. È così?



La droga è sicuramente più redditizia in termini numerici, ma il crimine farmaceutico è meno rischioso. Con un chilo di droga si finisce sicuramente in galera, con un chilo di medicinali contraffatti si rischia poco e niente. Inoltre oggi ci sono farmaci che hanno prezzi altissimi. La loro falsificazione forse è davvero più redditizia della droga.



Un prodotto spacciato come vaccino contro il Coronavirus è approdato sul mercato nero online: costa da 15 a 250 dollari a dose. Farmaci o presidi anti-COVID sono lì dall&#8217;inizio della pandemia. Come reagite?



È possibile che ci siano offerte illegali anche per sedicenti vaccini anti-COVID, tanto più che di recente in Cina sono stati arrestati alcuni produttori di copie contraffatte. In questo campo svolge già molta attività anche il NAS, che è il comando per la tutela della salute dei Carabinieri. Noi dell’AIFA abbiamo definito gli strumenti di intervento e avviato i vari processi di chiusura dei siti già da prima della normativa definita nel 2014. Continuiamo a fornire intelligence e supporto al contrasto del crimine farmaceutico. Rispetto alla questione dei prodotti anti-COVID, il messaggio è analogo a quello che abbiamo lanciato in altre occasioni: i medicinali, e in particolare quelli critici come i vaccini, devono essere acquistati nei canali autorizzati. Questo, per i vaccini, significa ricorrere agli enti autorizzati (e non agli acquisti privati): in Italia compete al flusso centralizzato gestito dal commissariato anti-COVID.



L&#8217;attività dell’AIFA contro la vendita illegale online che cosa riguarda?



L’attività spetta alla ‘Conferenza dei servizi’, convocata da AIFA, cui prendono parte il NAS, i Ministeri della Salute e dello Sviluppo economico, l’Autorità Garante della Concorrenza e del Mercato, le Dogane e il Registro IT. Sono esaminate le segnalazioni trasmesse ad AIFA (i cittadini possono mandarle qui: qualita.prodotti@pec.aifa.gov.it, N.d.R.). Spetta al Ministero della Salute disporre la cessazione di pratiche commerciali illegali. L’AIFA inoltre collabora con strutture esterne come LegitScript di Google per individuare i siti fuorilegge e farli chiudere.



Quanti sono?



Tantissimi. Ne vengono chiusi molti, ma ne spuntano sempre di nuovi, scritti anche in italiano. Basti pensare che, se le farmacie online legali in Italia sono un migliaio, a livello mondiale i venditori fuorilegge sono circa un milione. E spediscono anche dall’estero.



Perché tantissima gente compra i loro prodotti?



Spesso costano meno di quelli legali; anche se, attraverso le ricerche fatte con l’Università di Roma nell’ambito del progetto europeo Fakeshare, abbiamo dimostrato che la motivazione economica non è la principale. Pesa di più la percezione di una maggiore privacy nell’acquisto. Chi compra online non deve ottenere la prescrizione da un medico e i prodotti arrivano a casa in pacchi anonimi. Poi c’è chi si vergogna ad andare a comprare certi medicinali: per esempio, può capitare se un uomo cerca quelli contro la disfunzione erettile.



Qual è il pericolo che corre chi acquista medicinali online?



Ammesso e non concesso che i farmaci venduti abbiano le stesse caratteristiche di quelli reperibili nelle farmacie, chi non li usa su indicazione di un medico rischia gravi conseguenze sulla salute: basti pensare al ragazzino che compra medicinali contro la disfunzione erettile nell’illusione di chissà quali prestazioni, sebbene siano concepiti per uomini adulti; o all’uomo con problemi cardiocircolatori che rischia la vita utilizzando quelle sostanze. Inoltre possono essere contraffatti, quindi inefficaci o con effetti tossici devastanti.



COVID-19 a parte, quali sono i medicinali più richiesti sul mercato nero?



Proprio quelli per incrementare la potenza sessuale; poi gli anabolizzanti, che gonfiano la muscolatura, e i medicinali per la bellezza, come il botox e le miscele “magiche” che fanno dimagrire. Si comprano pure altre miracle medicines: prodotti che vantano fittiziamente un’origine “naturale”, insieme a effetti contro ogni patologia. Nel nostro Paese il fenomeno tocca in modo marginale la sfera propriamente terapeutica, nell’ambito della quale in genere vengono cercati anche farmaci antidepressivi e oncologici; qualche anno fa c’era molto interesse per quelli contro l&#8217;epatite C.



Sembra difficilissimo contrastare il mercato illegale sul web.



Il mercato illegale c&#8217;è perché esiste una forte domanda di farmaci acquistabili senza controlli e senza prescrizione. Quindi si tratta anche di fermare la domanda, oltre che l’offerta. Questo obiettivo non si può raggiungere solo con la repressione: occorre anche spiegare alle persone quali enormi rischi si corrano per la salute. Insomma, si tratta di affrontare in modo adeguato anche un problema culturale.

Fate l&#8217;amore, non fate la fila. Tutti i rischi dei farmaci online

Nella stagione 2019-2020, nonostante il COVID-19, aumentano i titoli e le prime serate di fiction italiana inedita (dati Osservatorio Fiction Italiana). Del resto, cresce il numero delle piattaforme produttive: non più solo Rai e Mediaset, Sky e Disney, ma anche Netflix, TIMvision, a cui si sono aggiunte RaiPlay e Amazon Prime. E proprio su Amazon Prime, dall’autunno 2019, era disponibile in esclusiva Made in Italy, serie dedicata alla moda italiana che, a causa della pandemia, ha avuto solo quest’anno l’atteso passaggio televisivo su Canale 5. A produrla la casa di produzione Taodue Film, fondata nel 1991 da Pietro Valsecchi e Camilla Nesbitt e acquisita dal Gruppo Mediaset nel 2007.



A Taodue non è legato solo il fenomeno Checco Zalone, ma anche titoli di grande successo che hanno segnato tappe importanti della serialità del nostro Paese, da Distretto di Polizia a Ultimo e Paolo Borsellino. A illuminarci su questo mondo è Giorgio Grignaffini, direttore editoriale di Taodue, ma anche docente e ricercatore presso l’Università Cattolica e lo IULM di Milano, nonché autore di numerosi saggi, tra cui l’ultimo Capire le serie tv. Generi, stili, pratiche, con Nicola Dusi (Carocci editore).





<figure class="wp-block-image size-large"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2021/02/GiorgioGrignaffini.jpg"><img width="1024" height="731" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2021/02/GiorgioGrignaffini-1024x731.jpg" alt="" class="wp-image-42992" /></a><figcaption> Giorgio Grignaffini, direttore editoriale di Taodue</figcaption></figure>





<h2 id="h-come-nasce-una-fiction">Come nasce una fiction</h2>





Le fiction costano molto. Senza arrivare ai circa dieci milioni di dollari a episodio di The Crown (targata Netflix), due episodi da 50 minuti di una fiction italiana possono costare dal milione al milione e 700.000 euro. Molte sono le variabili, dal genere al formato al cast tecnico e artistico coinvolto. Il denominatore comune è il lungo e complesso lavoro richiesto da molteplici professionalità.



“Sul fronte della committenza, che sia un network o una piattaforma, operano il direttore fiction, i capi area e gli story editor, che sono spesso ex sceneggiatori o comunque esperti di narrazione seriale. In queste realtà così strutturate, in una fase avanzata della valutazione dei progetti da realizzare interviene anche l’area marketing, che può testare il pubblico per capire il gradimento di un prodotto”, spiega Giorgio Grignaffini, che in passato ha ricoperto il ruolo di vicedirettore fiction e prima ancora di responsabile della fiction all’interno della direzione di Canale 5.



“I network possono commissionare a uno sceneggiatore lo sviluppo di un’idea, ma più spesso sono le società di produzione a sottoporre i propri progetti, anche perché le reti preferiscono interagire con produttori già esperti e navigati.”





<h2 id="h-trasformare-una-buona-idea-in-un-successo">Trasformare una buona idea in un successo</h2>





È quindi all’interno degli studi di produzione che avviene il fulcro del lavoro di preparazione e sviluppo di una serie.



Semplificando, un autore ha un’idea, la si presenta a un network o una piattaforma per ottenere i fondi, poi c’è la scrittura, la fase di preproduzione, quella delle riprese e della postproduzione. Il tutto con la supervisione della piattaforma o del network, che vigila sull’andamento del proprio investimento. Nei reparti editoriali delle case di produzione, racconta Grignaffini, gli story editor lavorano insieme agli sceneggiatori per mettere a punto i pitch da sottoporre ai vertici.



“Qualche anno fa si tendeva a proporre un breve concept o un treatment. Oggi la presentazione più spesso consiste in una moodboard, un dossier contenente informazioni sulla trama, foto, riferimenti a prodotti simili, indicazioni su genere, formato, eventuali star o registi importanti già coinvolti nel progetto; insomma tutto quanto può renderlo più accattivante.”



Nella stesura della vera e propria sceneggiatura degli episodi, gli story editor svolgono un ruolo fondamentale, simile a quello degli editor per gli scrittori. “Una serie tv è un meccanismo lungo e complicato, dove occorre tenere le fila della narrazione di otto, dieci o più episodi. Gli story editor valutano e indirizzano il lavoro degli sceneggiatori, fanno note, possono chiedere tagli, aggiustamenti e modifiche, controllando che non vi siano ellissi e incongruenze nello sviluppo orizzontale e/o verticale delle storie”.





<h2 id="h-parte-la-macchina-organizzativa-dalla-pre-alla-postproduzione">Parte la macchina organizzativa: dalla pre alla postproduzione</h2>





Avuto l’ok a procedere dal network o dalla piattaforma, il produttore fa partire lo studio di fattibilità produttiva e sceglie le figure chiave che realizzeranno la serie: l’organizzatore generale, ossia chi è a capo della produzione; il direttore e l’ispettore di produzione e il planner, ossia chi pianifica le riprese mettendo insieme le esigenze degli attori, la disponibilità delle location e tutti gli altri elementi necessari a mandare avanti il set.



Fondamentale a questo punto è trovare il regista – o i registi – a cui viene affidata la scelta dei capireparto, dal direttore della fotografia alle scenografie ai costumi, fino alle musiche. “Rispetto al cinema, dove il regista ha spesso maggiore controllo sulla scelta degli attori, le proposte del casting director devono essere condivise anche dai produttori e dai responsabili del network”, aggiunge Giorgio Grignaffini.



Altro ruolo centrale in questa fase è il location manager, che ha lo scopo di trovare i luoghi corrispondenti alle esigenze. “Molte fiction sono state girate nei teatri di posa, da Un medico in famiglia a Distretto di polizia, perché se sono previste molte puntate si ammortizzano i costi; altre sono girate in esterni o in set allestiti in appartamenti, o nel caso di serie mediche anche in ali di ospedali abbandonate”.



Tanti i lavoratori che fanno parte della troupe: da chi allestisce i set ai macchinisti e agli attrezzisti, dai runner che fanno le commissioni agli autisti; da chi si occupa delle paghe alle società di catering che portano i cestini per il pranzo; dalla segretaria di edizione, che tiene aggiornati i ciak e il piano di lavorazione con tutto ciò che viene girato quotidianamente, all’aiuto regista, “una figura fondamentale che si colloca a metà tra regia e produzione, gestendo l’organizzazione di attori e comparse sulla scena, posizionando la camera e le luci, intervenendo all’occorrenza anche sulla sceneggiatura, d’accordo con i registi. Non è un caso che molti diventino poi registi di prima fascia”.



La fase di postproduzione è costellata da ulteriori professionalità responsabili di montaggio; color correction, di concerto con il direttore della fotografia; mixaggio audio, effetti speciali; sincronizzazione musicale; doppiaggio. “Le società di produzione affidano queste operazioni a laboratori esterni”, puntualizza Grignaffini.





<h2 id="h-dal-produttore-alle-comparse-compensi-e-responsabilit">Dal produttore alle comparse: compensi e responsabilità</h2>





Se nell’industria statunitense opera lo showrunner, il produttore – spesso sceneggiatore – che detiene l’ultima parola nell’ambito organizzativo e creativo della serie, in Italia produzione, regia e sceneggiatura di fiction viaggiano a compartimenti più stagni, anche rispetto al cinema.



Giorgio Grignaffini è il direttore editoriale. Qual è il suo ruolo? “Negli studi di produzione può assumere diversi titoli, Head of Drama o creative producer. Non è facilmente incasellabile, ma a parte l’aspetto legale e contrattuale sono coinvolto a 360° nei progetti, dalla selezione fino alla messa a fuoco definitiva del montaggio. Mi occupo anche della collaborazione con altri soggetti produttivi, dei rapporti con la rete o con le piattaforme, e della promozione”.



In quanto capo del reparto editoriale è inoltre supervisore del lavoro degli sceneggiatori. La sua retribuzione è quella di un dipendente di un’azienda televisiva, che dipende dall’anzianità e dall’esperienza, ma può andare dai 40 ai 60.000 euro lordi l&#8217;anno.&nbsp;Nel mondo della serialità c’è una professionalità più richiesta, e magari anche meglio pagata? “La creatività è sempre il bene più prezioso. Ci sono corsi e percorsi universitari che avviano alle tecniche di narrazione seriale e al mestiere di sceneggiatore: è infatti fondamentale saper dare forma alle intuizioni e alle idee, ma da sole le tecniche non bastano. La visionarietà non si insegna”.



E non basta nemmeno fare un corso per diventare produttore: “È un imprenditore che deve possedere competenze trasversali, ma soprattutto energia, capacità di motivazione ed esperienza, dovendo gestire i rapporti con i finanziatori, i talenti, la stampa, i committenti. Il suo obiettivo è reperire le risorse per veder crescere una buona idea”.



Nonostante le idee e la capacità di scrivere dialoghi efficaci siano essenziali nello sviluppo della serialità, gli sceneggiatori – grandi nomi a parte – sui compensi devono spesso cedere il passo a registi (per dieci episodi il compenso può aggirarsi sui 200-250.000 euro) e interpreti. “Gli sceneggiatori sono pagati tramite contratto, ricevendo come tutti gli autori Siae i diritti per ogni passaggio televisivo della loro opera. Il compenso per una sceneggiatura di un episodio da 50 minuti può andare dai 10 ai 30.000 euro, però vengono ricompensate anche la stesura della ‘Bibbia’ (documento corposo in cui si descrivono in maniera approfondita personaggi, trama e linee narrative) e dei soggetti di puntata”.&nbsp;



L’organizzatore generale, invece, è pagato a settimana (da quando inizia la preproduzione a quando chiude un set): il compenso va dai 4 ai 6.000 euro a settimana. “Direttori generali e altri ruoli apicali sono pagati come dirigenti di azienda, con retribuzioni molto variabili a seconda dell’azienda e dell’esperienza”. 



Infine ci sono gli attori, dalle comparse (100-120 euro lordi come gettone di presenza) alle star. “I compensi degli attori (che sono sempre contrattati con le agenzie) variano a seconda di molteplici fattori: ruolo effettivo; formato (film o serie) e settimane di lavoro. Interpreti non protagonisti sono di solito pagati a posa, cioè a giorni di ripresa (si può andare da poche centinaia di euro a posa a parecchie migliaia, in base alla notorietà). I protagonisti sono invece pagati a forfait e devono essere a disposizione del set per un certo periodo di tempo. I compensi dipendono dalla celebrità: si va da 10.000 euro di media per ogni episodio anche a molte centinaia di migliaia di euro per le star più note”.

Come nasce una fiction, chi ci lavora, quanto guadagnano

Il COVID-19, come è ormai tristemente noto, ha devastato gravemente il settore della cultura e in particolare della musica.
I concerti live, unica fonte di reddito degli artisti grandi e piccoli dopo la crisi irreversibile della discografia tradizionale (cd e dvd), hanno subito un congelamento, come in un lungo interminabile inverno che non accenna a terminare. E come se non bastasse le grandi major, quelle che negli anni passati potevano garantire un lavoro stabile contrattualizzato, hanno perso la leadership del mercato discografico a favore dei principi dell’web, Apple, Netflix, Amazon, Spotify, per i quali l’unica variabile indipendente è il profitto, ma non certo il lavoro.
Una diagnosi spietata, si dirà, che tuttavia viene addolcita, e di molto, dai dati che giungono dalla FIMI, la Federazione Industriale Musicale Italiana. Secondo una visione assai ottimistica la FIMI sostiene che, come l’araba fenice dalle ceneri, la musica è resuscitata grazie allo streaming.
Già da anni l’industria della musica veniva trainata dal digitale, ma oggi il dato che fa più impressione è che l’82% del digitale è rappresentato dallo streaming, che sempre analizzando i dati FIMI ha generato 68 milioni di euro. Si noti bene che il balzo avviene non a caso alla fine del 2019, quando sul pianeta fa la sua comparsa il Coronavirus. Fino a prima della pandemia lo streaming era ben piazzato, ma toccava al massimo il 66% del totale. Senza timore di essere accusati di cinismo si può dunque affermare che il virus, come in altri settori, ha fatto del gran bene all’industria dello streaming.
<h2 id="h-lo-streaming-elimina-le-mediazioni-e-diminuisce-l-occupazione">“Lo streaming elimina le mediazioni e diminuisce l’occupazione”</h2>
La stessa cosa, ci fanno osservare gli addetti ai lavori, non la si può dire per il mercato del lavoro che reggeva l’industria musicale. Qui la mitologica araba fenice non ha resuscitato nuove frontiere di lavoro. Forse ha fatto nascere alcune professionalità, come gli ingegneri del web, ma ancora una volta la tecnologia, più che creare nuove opportunità, ha mietuto vittime.
Ne è convinto Stefano Senardi, produttore discografico di razza, talent scout con una trentennale navigazione nel mondo della musica, dalla lontana presidenza della Polygram alle lezioni al Master in Comunicazione Musicale per la discografia, fino alla recente produzione di documentari musicali per Sky Arte.
“Non c’è bisogno di essere degli economisti per capire che lo streaming, che pure è davvero la nuova frontiera della musica, non è un sistema che può creare nuova occupazione, o più semplicemente sostituire in termini di occupazione – ad esempio – i concerti dal vivo. Questa è una pura illusione. Tanto per capirci: se salta un concerto di Vasco Rossi salta il lavoro, sia pure temporaneo, per un migliaio di persone. Se quel concerto lo fai in streaming te ne bastano una trentina, di persone. Anche perché cambiano molte cose, soprattutto nella comunicazione”.
In che senso? “Saltano molte mediazioni, muta radicalmente il ruolo delle major. Gli artisti attraverso lo streaming si rivolgono direttamente al loro pubblico, e come già sta avvenendo le figure professionali si restringono sempre di più. Vasco Rossi diventa il discografico di se stesso. Tanto per essere più espliciti, in tempi di pandemia è finito, per ragioni di sicurezza, il gigantismo nei concerti. Ma questo porta anche a una diminuzione dei fatturati”.
Un quadro deprimente per le migliaia di lavoratori che, con competenze diverse, lavorano sul pianeta musica. “Un quadro realistico che potrebbe mutare, se i governi di tutto il mondo avessero la forza di aprire una contrattazione con i giganti del web. Oggi la chiave del problema sta lì e soltanto lì. I grandi player come Apple, Amazon, Netflix, solo per citarne qualcuno, oltre a non pagare le tasse nei singoli Paesi in cui operano, non hanno mai guadagnato tanto come negli ultimi due anni. Dobbiamo guardare in faccia la realtà e pensare a una negoziazione con questi big. Quello che torna indietro da quei colossi verso le società in cui operano è troppo poco sia in termini di reddito che di lavoro”.
<h2 id="h-paolo-agosta-mb-produzioni-molti-artisti-colpiti-dalla-crisi-lo-streaming-non-crea-il-lavoro-degli-eventi-dal-vivo">Paolo Agosta, MB Produzioni: “Molti artisti colpiti dalla crisi. Lo streaming non crea il lavoro degli eventi dal vivo”</h2>
Paolo Agosta, direttore artistico della MB Produzioni, con una lunga esperienza nello streaming, ci racconta di un fenomeno che forse è rimasto un po’ sottotraccia nei giorni della pandemia.
“A seguito del congelamento dei concerti dal vivo, unica fonte di reddito dopo la crisi della discografia, molti artisti per compensare le perdite hanno deciso di dedicarsi all’insegnamento o di fare i turnisti sulla pubblicità. Ora io penso che questa sia una buona cosa, la scuola e la formazione è quello di cui abbiamo bisogno, ma è comunque il segno che la crisi non c’è soltanto per le figure professionali che reggono l’impalcatura del mondo della musica da dietro le quinte, ma anche per gli stessi protagonisti”.
Ma quali sono le figure professionali che stanno dietro le quinte dello streaming? “Dipende. Intanto c’è da dire che oggi un artista di strada può piazzarsi davanti al suo telefonino e, senza bisogno di un regista, di ingegneri del web, di tecnici delle luci, del palco, dello studio di registrazione e del montaggio, può produrre una performance artistica e magari ottenere più visualizzazioni di un artista famoso. Ma a parte questi casi, che pure esistono, è evidente che lo streaming, per quanto sia di un evento importante con artisti noti, non può creare più di tanto lavoro. Le figure professionali sono quelle di un concerto dal vivo che in alcuni casi non ha bisogno del regista. Sì, ci possono essere figure nuove come gli ingegneri del web, ma alla fine le figure sono sempre le stesse, soltanto che il numero degli occupati e il tempo di lavoro è certamente minore di un evento dal vivo”.
Immagino che siano minori anche i compensi. Su questo punto Paolo Agosta non può rispondere, visto che è il direttore artistico di uno streaming ancora in lavorazione, ma basta indagare un po’ per sapere che in uno streaming di medio livello con artisti noti un tecnico viene pagato 300 euro per tutta la giornata dell’evento in studio televisivo, o 150 euro più Iva nel caso di un contributo singolo. 
In molti casi un lavoro in streaming dura un solo giorno, quindi è più precario dei lavori stagionali. L’altra grande difficoltà, spiega Agosta, è legata agli sponsor, e dunque al finanziamento degli eventi. Nel web gli sponsor si muovono ex post, ovvero soltanto dopo aver monitorato i social. Non avviene, come in passato, che gli sponsor in alcuni casi finanzino un evento sulla base della notorietà dell’artista.
Photo by <a href="https://unsplash.com/@zarakvg?utm_source=unsplash&amp;utm_medium=referral&amp;utm_content=creditCopyText" target="_blank" rel="noreferrer noopener nofollow">Zarak Khan</a> on <a href="https://unsplash.com/s/photos/music-streaming?utm_source=unsplash&amp;utm_medium=referral&amp;utm_content=creditCopyText" target="_blank" rel="noreferrer noopener nofollow">Unsplash</a>

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Perini

Bruno Perini

E&#8217; nato a Milano il 21 novembre del 1950. Laureato in Lettere e Filosofia nel 1977 all’Università Statale di Milano con una tesi su Marx e l’economia volgare è diventato giornalista professionista nel 1987. Giornalista economico finanziario e politico giudiziario, ha lavorato per circa trent’anni al quotidiano il manifesto dove ha curato la cronaca finanziaria e dal 1992 al 2000 la cronaca giudiziaria durante l’inchiesta Mani Pulite. Per 6 anni ha lavorato all’agenzia di Stampa Asca come cronista giudiziario e per due anni ha lavorato al settimanale della Rcs Il Mondo. Ha lavorato per circa 6 anni al mensile Prima Comunicazione e per due anni ha lavorato nel gruppo Sole 24 ore dove scriveva articoli sul quotidiano e contemporaneamente conduceva la rassegna stampa di Radio 24 e una trasmissione con gli ascoltatori sui temi di attualità. Per due anni ha lavorato in un’agenzia di ufficio stampa dove teneva corsi di giornalismo per coloro che tenevano i rapporti con i clienti. Da circa 5 anni collabora con Senza Filtro sui temi del lavoro e cura la rubrica &#8220;8000 battute sul lavoro&#8221;. E’ appassionato di musica rock, di letteratura, di gialli e del gioco del biliardo. Nel 2004 ha scritto un giallo dal titolo “Richiamo di sangue”, nel 2010 una biografia di Adriano Celentano “Memorie di zio Adriano” e nel 2013 un Giallo dal titolo “le figlie del diavolo”.

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Musica in streaming: quanto lavoro sparisce se i cantanti fanno i discografici di se stessi?

Lo streaming può dare lavoro come gli eventi live stroncati dalla pandemia? La parola a due esperti del settore, Stefano Senardi e Paolo Agosta.

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Numero 72 - Marche Tremanti

Un castello è sempre un elemento di ricchezza per un territorio, perché racconta una storia antica e regala molte suggestioni. Ad Arcevia, un piccolo comune di poco più di 4400 anime nella provincia anconetana, di castelli ce ne sono ben nove, a testimonianza di una cultura e di una vivacità creativa davvero uniche. Tra colli da cui nei giorni di cielo aperto si può vedere il mare e un verde incontaminato, questo territorio è da sempre meta di turisti in cerca di relax, e negli ultimi trent’anni è diventato anche meta di migranti, che fuggono da guerre, persecuzioni e povertà, in cerca di pace. Durante i terribili anni del conflitto in Bosnia molti profughi sono arrivati nelle Marche e quelli che hanno trovato accoglienza nel territorio di Arcevia scrutavano l’orizzonte sognando di vedere in lontananza le coste del loro martoriato Paese.
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<h2>Arcevia, esempio virtuoso di accoglienza</h2>
“I profughi che abbiamo accolto negli anni Novanta, in particolare i bosniaci, sono diventati cittadini modello”, racconta Andrea Bomprezzi, giovane sindaco del borgo medievale. “Si sono integrati perfettamente nel tessuto sociale, hanno avuto figli contribuendo a salvaguardare l’indice di natalità, si sono inseriti nel tessuto lavorativo e non hanno mai dato alcun problema. Il centro storico è stato ripopolato ed è stata un’esperienza positiva sotto tutti i profili. Parliamo di circa ottanta persone, che hanno appreso l’italiano e hanno fatto proprie le nostre tradizioni, facendoci a loro volta conoscere il loro mondo. Anche la comunità albanese si è inserita bene, ma non sono mancati casi di attività illegale”.
Bomprezzi ha ereditato la tradizione dell’accoglienza dai suoi predecessori, diventando primo cittadino nel 2009. “Avevo davanti a me due scelte: chiudere la struttura o pensare che potesse essere una risorsa per il territorio. Ho optato per quest’ultima”, racconta. Così è nata una convenzione tra il comune, la Prefettura e il Centro d’accoglienza, che fino a quel momento aveva sempre lavorato in modo eccellente.
È stata poi firmata una seconda convenzione con l’Ambito sociale, coinvolgendo nove comuni della Vallata del Misa e del Nevola e la Prefettura. Tale convenzione prevedeva l’impiego di volontari tra gli ospiti del centro di accoglienza per attività di decoro e utilità sociale. “Qualcuno ha parlato di sfruttamento. Per noi, invece, si trattava di creare un’opportunità per i giovani migranti, consentendo loro di imparare un mestiere, di rendersi utili e di riempire il proprio tempo. Gli operai comunali distribuivano i compiti e insegnavano ai migranti come svolgere certe operazioni, come spalare la neve o contribuire alla manutenzione del centro storico, dove sono stati eseguiti importanti lavori. È stato un vantaggio per tutti. Per loro si è trattato di una crescita umana e professionale, mentre la comunità ha beneficiato dei vari servizi”.
Nel 2011 la scena cambia completamente. Il panorama internazionale subisce profonde modifiche e si assiste a nuove ondate migratorie dovute ai tumulti in Nord Africa e Medio Oriente. Cambiano anche le forme di accoglienza, e la struttura territoriale che fino ad allora aveva accolto i profughi arrivati sul territorio diventa Cara e poi Cas. “Tra il 2011 e il 2016 sono arrivati soprattutto asiatici, afghani, pakistani, iracheni e iraniani, mentre dal 2016 è stata la volta degli africani. Le diverse origini dei migranti implicano una grande varietà di lingue, abitudini ed esigenze, e non è sempre facile gestire tutti e avere a disposizione mediatori culturali con tante competenze linguistiche”.
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<h2>Migranti al lavoro nell’arte e nell’archeologia</h2>
Una delle particolarità con cui si è distinta Arcevia è stato il coinvolgimento dei profughi in progetti legati a scavi archeologici su un sito di grande valore, con il ritrovamento di circa cento case all’interno di un villaggio del XIII secolo avanti Cristo. Tramite una convenzione tra Comune, Centro di Accoglienza, Università la Sapienza, Facoltà di Lettere Classiche e Sovrintendenza per i Beni Archeologici è stato creato un progetto per coinvolgere i richiedenti asilo nelle operazioni di scavo. “I giovani, ragazze e ragazzi, hanno lavorato fianco a fianco con i loro coetanei universitari, coordinati dal professor Cardarelli. Chiaramente i migranti, non essendo degli esperti, si limitavano a seguire specifiche indicazioni, ma è stata per tutti un’esperienza indimenticabile”, racconta Bomprezzi con fierezza. “Il progetto è andato avanti per quattro anni. Gli studenti universitari hanno raccontato che per loro si è aperto un mondo; che hanno scoperto, tramite l’incontro e il lavoro quotidiano con i migranti, realtà e storie che non immaginavano. Molti ci hanno raccontato che si sono sentiti una squadra, uniti dagli stessi obiettivi”.
In un territorio così denso di cultura, la popolazione migrante non poteva non essere coinvolta anche in attività artistiche. “Tra le iniziative che abbiamo messo in piedi c’è anche un percorso teatrale realizzato con l’Associazione Teatro Giovani Teatro Pirata (ATGTP), che ha partecipato e vinto un bando nazionale. Lo spettacolo, messo in scena al Chiostro di San Francesco, ha visto i richiedenti asilo raccontare la propria esperienza di viaggio, e ha anche coinvolto alcuni cittadini. È stata una bella occasione di confronto e interazione. L’opera è risultata finalista di un progetto lanciato da Cariverona. Un’altra interessante iniziativa culturale è stata realizzata grazie all’Associazione Rocca Contraria, coinvolgendo i giovani richiedenti asilo”.
Anche lo sport è un veicolo di conoscenza e di partecipazione importante, e una locale associazione sportiva ha permesso ad alcuni ragazzi richiedenti asilo di entrare nella prima squadra di calcio e giocare con i loro coetanei.
Ci sono poi piccole iniziative, che però lasciano segni grandi, estremamente positivi. “Da due anni, prima delle festività, i migranti hanno iniziato a lavorare all’interno del centro che li ospita per la realizzazione degli addobbi di Natale, creando elementi decorativi tradizionali e aggiungendo anche qualche dettaglio legato alle tradizioni del Paese e della cultura di origine. È stata anche questa una buona occasione per creare momenti di condivisione e per far sentire i richiedenti asilo partecipi della vita della nostra comunità, anche in chiave interreligiosa”.
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<h2>La gestione della sicurezza in un modello di accoglienza da esportare</h2>
Di certo con i nuovi migranti ci sono più elementi di criticità e maggiori problematiche rispetto al passato. In generale il clima è cambiato, e a volte il territorio si mostra ostile, soprattutto in concomitanza di fatti di cronaca che vedono coinvolti i richiedenti asilo. “Non sono mancati episodi di disordine che hanno visto protagonisti gli ospiti della struttura, suscitando la rabbia e la preoccupazione della cittadinanza. A volte è come se un errore o un reato commesso da uno straniero si abbatta come colpa su tutti i migranti. Come amministrazione prestiamo la massima attenzione e non mancano i controlli e il pattugliamento del territorio da parte delle forze dell’ordine. Ciò che per noi è imprescindibile è il rispetto della legalità da parte di tutti, ma anche la serenità della comunità che chiede sicurezza”.
“Siamo consapevoli che gestire, in un territorio di provincia, una comunità così eterogenea e numerosa, che a volte ha superato le centoventi unità, non è semplice; soprattutto perché non si tratta di nuclei familiari, ma di giovani che spesso sono soli, non hanno certezza del proprio futuro e dei tempi di attesa che dovranno affrontare prima di avere documenti in regola. La nostra esperienza maturata in decenni di accoglienza ci permette di essere fiduciosi e di acquisire sempre nuovi elementi per affinare il nostro modello virtuoso di accoglienza sul territorio”.
La positiva esperienza di Arcevia ha fatto scuola sul territorio marchigiano, ma non solo. “Siamo stati coinvolti sia a Milano, sia a Palermo nell’iniziativa Fa’ la cosa giusta, che mette a confronto le diverse amministrazioni sulle buone pratiche messe in campo in materia di accoglienza”.
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Arcevia, una Riace tra gli Appennini

Civitanova Marche: un lungomare sud, deputato all&#8217;andirivieni estivo e una parte a nord, con una vocazione più urbana; tra i due, a fare da cerniera, la zona portuale con i suoi lunghi muri grigi e gli anonimi cantieri navali.
Nel 2009 grazie all&#8217;urban artist indipendente Giulio Vesprini succede qualcosa: nasce il progetto Vedo a Colori e l&#8217;area inizia a trasformarsi. I toni cupi del cemento si rivestono di pennellate di colore che donano nuova energia al luogo, fino ad incarnare oggi una galleria a cielo aperto costituita da oltre duemila metri quadri di murales.
<a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2018/12/Giulio-Vesprini26.jpg"><img class="aligncenter size-full wp-image-28447" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2018/12/Giulio-Vesprini26.jpg" alt="" width="2048" height="1366" /></a>
Incontro Giulio in un assolato sabato pomeriggio che non può che amplificare la bellezza dei disegni e la saturazione dei colori. Mi spiega subito che il progetto viene alla luce con lo scopo di restituire alla città il porto, parte essenziale del suo vivere il mare e che si caratterizza come un&#8217;iniziativa dove convivono tratti internazionali e tratti locali. Gli artisti invitati, a prescindere dalla loro anima cosmopolita, sono esponenti dell&#8217;arte urbana marchigiana o comunque sono legati al territorio in vario modo (parenti, amici o sentimenti).  Hanno a disposizione più o meno gli stessi metri quadrati, ma non sono chiamati ad esprimersi su un tema definito e possono far vibrare la loro sensibilità liberamente, sulle onde dell&#8217;ispirazione che discende dalle atmosfere marinare. Giulio Vesprini, che da quasi dieci anni cura il progetto, pone loro un unico vincolo: dar vita ad un atto narrativo collettivo e far sì che ogni performer prosegua il disegno dell&#8217;altro sulla porzione di muro adiacente. L&#8217;idea si accresce con step che si succedono nel tempo e, dalla prima edizione ad oggi, vede avvicendarsi quasi cento artisti (Cheko’s Art, Opiemme, Federico Crisa, Andrea Casciu, Daniele Geniale, GodsinLove, Nemo’s, Nulo, Bibbito, AleSenso, Millo, BioDpi, Pattern Nostrum, Daniele Tozzi).
<a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2018/12/Vesprini-4.jpg"><img class="aligncenter size-full wp-image-28440" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2018/12/Vesprini-4.jpg" alt="" width="2048" height="1110" /></a>
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<h2>Verso una marchigianità meno individualista</h2>
Le finestre temporali in cui si lavora durano anche due o tre mesi consecutivi ogni anno; ad ogni weekend, un nuovo gruppo di tre o quattro artisti si incontra per dipingere insieme, preparare i colori e confrontarsi sui rispettivi bozzetti. Vedo a colori interrompe l&#8217;individualismo del singolo e la chiusura caratteristica del marchigiano per far nascere una prolifica rete di relazioni, che a sua volta finisce per coinvolgere anche il contesto circostante: pescatori, ristoratori (che spesso sfamano gli artisti) e gente comune.
Giulio mi racconta che il progetto presenta punti di rottura molto forti: è un&#8217;opera corale, è scaturita dal basso ed è un autoproduzione che non è scesa a compromessi o, come dice lui, non ha abbracciato “nessun colore” politico. “Siamo liberi”, mi fa capire, e questo lo differenzia dai Festival di settore dove la politica entra perché dà soldi. Nel 2014 ottiene il patrocinio non oneroso del Comune di Civitanova Marche che riconosce il valore culturale del progetto; seguono il patrocinio del GAC Marche sud (Gruppo di Azione Costiera) e della Regione Marche, ma continua ancora oggi a non percepire denaro pubblico. Vince nel 2014 un bando europeo per la riqualifica di aree portuali e attività legate alla pesca e usa i fondi per finanziare l&#8217;edizione 2015. Attualmente ricorre al <a href="https://buonacausa.org/cause/vedoacolori" target="_blank" rel="noopener">crowdfunding</a> e all&#8217;aiuto di privati e di sponsor tecnici afferenti al settore dei colori.
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<h2>Con la Street Art gli immobili valgono di più</h2>
Scegliere la Street Art come mezzo espressivo di questo progetto non è stata un&#8217;opzione fortuita perché, oltre ad essere un tema consono all&#8217;ideatore, ha la peculiarità di non alterare spazialmente le aree su cui agisce. Che cosa s&#8217;intende per Street Art? Mi spiega che la principale distinzione da tenere a mente è tra graffiti e murales, per i primi si utilizzano gli spray, per gli altri pennelli e rulli. Negli anni, la percezione di quest&#8217;arte da parte della collettività è molto cambiata; reputata un tempo come un atto vandalico da condannare e reprimere (opera di writer, artisti e studenti) perché imbrattava spazi pubblici e privati, oggi viene indicata come strumento su cui puntare per rinnovare le città e alleviare le scomode situazioni delle periferie. Al momento non si parla più solo di questioni estetiche e sociali e si inizia a stimare che un murale possa accrescere il valore dell&#8217;immobile su cui è stato dipinto fino al 20%.
L&#8217;uso di tempere brillanti per rigenerare le architetture della quotidianità è un segno potente di come l’arte possa penetrare nell&#8217;ambito sociale e convivere con esso. Muri e manufatti, grazie a texture, disegni e astrazioni grafiche, si vestono di una nuova pelle. Il colore, fissando l’intonaco industriale preesistente senza alterarne la morfologia, catalizza sulle pareti effetti inediti. Gli involucri degli edifici acquistano allora una patina che rappresenta l&#8217;atto volitivo dell’artista di esprimere la memoria storica della contemporaneità.
&#8220;Fare Street Art &#8211; puntualizza Giulio &#8211; non è sinonimo di riqualificazione urbana, bisogna saper distinguere, perché qualcuno la usa come specchietto per le allodole per andare a coprire altre situazioni. Non si può pensare di aver migliorato un&#8217;area urbana commissionando un murale e lasciando intorno tutto così com&#8217;è, per esempio sporcizia e assenza di servizi. Il risanamento, nel caso del porto di Civitanova, è stato coadiuvato dal fatto che l&#8217;Amministrazione comunale è intervenuta con piccoli restyling: un sistema d&#8217;illuminazione nuovo di zecca, l&#8217;inserimento di panchine e cestini per i rifiuti e la creazione di una pista ciclopedonale. L&#8217;area portuale si è trasformata in un luogo da vivere ed amare che ha incontrato il plauso e la collaborazione degli stessi pescatori&#8221;.
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<h2>Vedo a colori: il porto più dipinto d&#8217;Italia</h2>
L&#8217;idea di realizzare il porto più dipinto d&#8217;Italia ha come precedenti alcune opere che hanno visto luce nel porto di Ancona nel 2008 con il Festival PopUp: i silos dipinti da Blu e da Ericaeilcane (che probabilmente verranno smantellati nel 2019), i pilastri del raccordo che conduce al porto, le pareti ormai sbiadite del Mercato ittico e del Padiglione dei Retari. Le Marche sono state una delle prime regioni italiane a riempirsi di colore grazie alla Street Art e ne vantano vari esempi: il molo di levante a Pesaro, la passeggiata del Lisippo a Fano o la facciata Universe della stazione ferroviaria della patria del Summer Jamboree, Senigallia.
Sono proprio i primi murales realizzati a porre una domanda cruciale anche per il porto di Civitanova: quanto dura la vita di un murale? Giulio Vesprini è appassionato da sempre a questa domanda e mi dice che i murales non sono eterni, la prima forma di rispetto e di conservazione dell&#8217;arte in essi racchiusa è imparare a fotografarli per creare archivi digitali e contemporaneamente stampare le foto per serbarne il ricordo e la vividezza dei colori. Un&#8217;altra cosa che si può fare è spolverare il muro e usare delle piccole accortezze come l&#8217;applicazione di elementi che aiutino la conservazione, ma pensare di restaurarli quando iniziano a scrostarsi significherebbe mentire perché l&#8217;intervento sarebbe fatto da mani diverse da quelle dell&#8217;artista creatore. Staccare le opere e trasferirle in un museo sarebbe poi una vera e propria forma di violenza, contraria al carattere temporaneo di questa espressione artistica. Purtroppo, per quanto sappiamo, non esiste ancora una banca dati globale dei murales, ma il sogno di un data base diffuso potrebbe non essere lontano.
<a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2018/12/Vesprini-3.jpg"><img class="aligncenter size-full wp-image-28444" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2018/12/Vesprini-3.jpg" alt="" width="2048" height="1293" /></a>
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<a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2018/12/Vesprini-2.jpg"><img class="aligncenter size-full wp-image-28446" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2018/12/Vesprini-2.jpg" alt="" width="2048" height="1085" /></a>
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Intanto Vedo a colori è annoverato tra i quattordici punti di interesse di Civitanova Marche e sono state prodotte già tante testimonianze: cataloghi, documentari, interviste. Il progetto di alcune scuole ha prodotto anche un codice QR che inquadrato all&#8217;inizio del percorso sul molo fa entrare il viaggiatore in un video racconto e amplifica l&#8217;esperienza della passeggiata al porto. 
Mi piace pensare che José Clemente Orozco, uno dei massimi esponenti del muralismo messicano, se avesse visto il porto dipinto di Civitanova forse si sarebbe espresso così: “&#8230;opere murali costantemente esposte al pubblico, pittura che non si può comprare né vendere, che parla a ogni passante, ora con un linguaggio chiaro e ora oscuro, che a volte può apparire anche duro, insolente, offensivo persino; ma sempre degno, per la sua autenticità, della stessa dignità della grande pittura religiosa d’altri tempi”. Non vi è venuta voglia di andare a vederli?

È marchigiano il porto più dipinto d&#8217;Italia

L’Italia viene spesso definita terra di santi, poeti e navigatori, e forse nessuna regione incarna pienamente questa immagine come le Marche, dove si respira aria buona e ci si ispira.
Se ampliassimo la definizione di poeti anche ai musicisti e cantanti, infatti, la lista di artisti marchigiani sarebbe davvero lunga. Da Giovan Battista Pergolesi e Gioacchino Rossini a Gaspare Spontini, da Beniamino Gigli a Jimmy Fontana, fino ai più moderni Giovanni Allevi e Raphael Gualazzi. Ci sono poi artisti come Marco Poeta, fondatore con Eugenio Finardi e Francesco di Giacomo dell’Accademia del Fado, e Marco Santini, il violinista che ha composto Il Cristo delle Marche, ascoltato e apprezzato anche da Papa Francesco.
Si scrive musica, si canta, ma si costruiscono anche strumenti. Per anni il distretto della musica è stato uno dei poli d’eccellenza sul territorio, con decine di piccole e medie imprese che costruivano strumenti a livello artigianale. Oggi quel distretto, che si estendeva tra Pesaro e Ancona, resta vivo soprattutto grazie alla produzione delle fisarmoniche.
Forte di questa lunga tradizione legata alla musica, Piero Cesanelli, professore di lettere vocato alla musica, ha dato vita ormai trent’anni fa al Festival Musicultura. Si tratta di una rassegna cantautorale che si è saputa distinguere nel panorama italiano proprio per il suo alto livello artistico. Piero Cesanelli può essere considerato il padrino di molti artisti italiani, cantautori in particolare. Tra le sue passioni più grandi c’è sempre stato il teatro, che coniugava con l’insegnamento, trasmettendo la sua passione a molti giovani allievi. Proprio stando in scena nasce nel maestro l’idea di portare la musica in teatro. La canzone diventa un elemento recitativo e di intrattenimento che riesce a colpire e appassionare il pubblico. Insieme ai suoi ragazzi il maestro scrive copioni e li porta in scena, finché, sedici anni fa, non decide di dare vita alla Compagnia Musicultura, che calca palcoscenici importanti proponendo retrospettive.
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<h2>Gli esordi di Piero Cesanelli e del Festival Musicultura</h2>
Dal punto di vista artistico Piero Cesanelli nasce come cantautore, pubblicando ben tre LP con la Bentley, il primo dei quali intitolato Fuori stagione. La notorietà arrivata all’improvviso lo coglie di sorpresa. “Ricordo che mi trovai impreparato quando andai con Ronnie James Dio ospite di una trasmissione in Lussemburgo. Per la prima volta assaporai la mezz’ora di trucco televisivo. Quando mi guardai allo specchio stentai a riconoscermi. Ero imbarazzato davanti al pubblico. Ero partito praticamente con la valigia di cartone e lì c’erano grandi star. Mi sentivo davvero in imbarazzo. Ho sempre preferito la radio, mi sentivo più a mio agio, quasi protetto”.
L’idea di Musicultura come festival nasce da una scelta di vita del maestro: portare sulle colline marchigiane il mondo. “Il primo anno la rassegna ha visto la luce grazie anche all’impegno del poeta Vanni Pierini. Avevamo fatto uno studio approfondito sulle varie rassegne, scoprendo che c’erano più di mille concorsi canori, ma nessuno che si dedicava nello specifico alla parte cantautorale, alla quale ero più legato. Così ho pensato a una selezione che portasse a un rinnovamento generazionale. Abbiamo creato un comitato artistico di garanzia con Fabrizio De Andrè, Sergio Endrigo, Roberto Vecchioni e il poeta Giorgio Caproni.”
Le prime dodici edizioni della rassegna si sono svolte a Recanati, prima in un piccolo cinema e poi in Piazza Leopardi, mentre ora la location è l’incantevole Arena Sferisterio di Macerata. La rassegna, sin dalla prima edizione, ha suscitato l’interesse di tutta la stampa nazionale. Oltre che con la stampa c’è un intenso rapporto anche con le università di Macerata e Camerino, con molti studenti che partecipano attivamente alla rassegna. In questo modo si creano occasioni utili e opportunità in ambito culturale, che sarebbero altrimenti precluse a molti ragazzi che vivono nelle provincie.  
<a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/musicultura-e-il-suo-artigiano-della-canzone/baglioni-cesanelli-prove/" rel="attachment wp-att-28273"><img decoding="async" loading="lazy" class="alignnone size-full wp-image-28273" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2018/11/Baglioni-Cesanelli-prove.jpg" alt="" width="2048" height="1365" /></a>
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<h2>Piero Cesanelli: una vita tra i grandi artisti</h2>
Cesanelli lavora con i più grandi artisti italiani e da anni è legato ad alcuni di loro da una profonda amicizia, come con Claudio Baglioni. È un protagonista e un testimone del panorama musicale nazionale, che racconta aneddoti su Lucio Dalla, Loredana Bertè, Ligabue e altri. Di Dalla racconta, ad esempio, che era una persona generosa e umile, che non esitava a dare una mano per il cambio palco. Di Loredana Berté ricorda lo slancio e il suo fare eccentrico, mentre di Ligabue racconta lo stupore quando si è reso conto che poteva girare indisturbato in città senza essere preso d’assalto dai fan, che avevano un atteggiamento discreto.
“Spesso gli artisti rimangono spiazzati dalla garbata riservatezza dei marchigiani, dal fatto che qui possono girare da soli, senza alcuna invadenza. La signorilità è una caratteristica del nostro territorio, che sa ancora dare valore al tempo e anche al silenzio. Gli artisti sono persone sensibili, apprezzano il clima che c’è qui e riconoscono la qualità delle relazioni umane, che sono ancora forti. Molti di loro, comprendendo le limitatezze del nostro budget, non ci chiedono neppure un compenso. Sono orgoglioso di aver creato una sorta di artigianato della canzone, rinnovando così il palco dei musicisti e dei cantautori italiani.”
“Nelle Marche c’è humus per l’arte e la musica. Non mi sono mai pentito di essere rimasto qui, ho vissuto momenti esaltanti e avuto grandi gratifiche. Aveva ragione Leopardi, quando nello Zibaldone scriveva che non si possono confondere il musicista e il poeta. Mi rendo conto che quando ho deciso di andarmene dalla scuola per dedicarmi anima e corpo a questo progetto sono stato coraggioso. Ho continuato a scrivere musica, con un repertorio di duecento brani, e mi sento un po’ come un allenatore di calcio: uno che ama il pallone, ma che lascia giocare gli altri, dedicandosi alla loro preparazione.”<a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/musicultura-e-il-suo-artigiano-della-canzone/giorgia-ospite-2017/" rel="attachment wp-att-28381"><img decoding="async" loading="lazy" class="alignnone size-full wp-image-28381" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2018/11/Giorgia-ospite-2017-.jpg" alt="" width="2000" height="1333" /></a>
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<h2>Partecipanti e vincitori di Musicultura</h2>
Ogni anno circa settecento artisti inviano due brani a testa, partecipando alla prima selezione del festival ideato da Cesanelli; alle audizioni arrivano in sessanta; alla fase finale, in diretta su Radio Rai1, concorrono sedici talenti. Al primo classificato vanno ventimila euro, che rappresentano una sorta di borsa di studio per permettere al vincitore di dedicarsi alla sua arte. Alcuni artisti, dopo essere stati lanciati da Musicultura, hanno partecipato a Sanremo, il festival musicale più noto in Italia, classificandosi come vincitori. Ricordiamo Povia, Simone Cristicchi, gli Avion Travel.
Musicultura è certamente un’operazione ambiziosa e pionieristica, che porta la grande musica italiana nelle piccole città marchigiane, lontano dal clamore e dalla chiassosa visibilità dei grandi centri. “Ho portato avanti l’idea che le grandi personalità artistiche non si trovano solo nelle capitali, ma vanno cercate e valorizzate sul territorio. Ai giovani raccomando sempre di restare umili e creativi, di non avere fretta di incidere un disco, ma di costruirsi prima un’identità artistica”.
Il comitato artistico che giudicherà gli artisti in concorso per il 2019 è composto da Francesca Archibugi, Enzo Avitabile, Claudio Baglioni, Paolo Benvegnù, Brunori Sas, Luca Carboni, Alessandro Carrera, Guido Catalano, Ennio Cavalli, Carmen Consoli, Simone Cristicchi, Gaetano Curreri, Teresa De Sio, Niccolò Fabi, Giorgia, Alessandro Mannarino, Dacia Maraini, Mariella Nava, Gino Paoli, Vasco Rossi, Ron, Enrico Ruggeri, Paola Turci, Roberto Vecchioni, Antonello Venditti, Sandro Veronesi, Willie Peyote, Federico Zampaglione. I vincitori saranno decretati in estate.

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Asmae Dachan

Di origine siriana, nasce ad Ancona e ama immaginare la sua vita come un ponte che unisce culture e popoli diversi. Collabora con numerose testate nazionali tra cui Panorama, Avvenire, Antimafia 2000 e The Post Internazionale, occupandosi di esteri, in particolare Medio Oriente e Nord Africa, di immigrazione, diritti umani, dialogo interreligioso e interculturale. Ha pubblicato romanzi e libri di poesie e continua a scrivere per passione. Il suo ultimo romanzo è “Il silenzio del mare” pubblicato da Castelvecchi a ottobre 2017. Ha vinto numerosi premi giornalistici per i suoi reportage sulla Siria. L’ultimo riconoscimento ricevuto è il “Premio per la pace e l’amicizia tra i popoli” assegnato a settembre 2018 nell’ambito del concorso Giornalisti del Mediterraneo per il reportage “Porto franco” pubblicato su Panorama. Parla quattro lingue, ma spesso è di poche parole e comunica scattando fotografie dei suoi numerosi viaggi. L’Università della Svizzera per la Pace l’ha nominata a vita “Ambasciatrice di Pace” ed è consigliere permanente dell’Università per la Pace delle Marche. &#8220;Il 2 giugno 2019 è stata insignita del titolo di Cavaliere dell’Ordine al Merito della Repubblica Italiana&#8221;.

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Musicultura e il suo artigiano della canzone

L’Italia viene spesso definita terra di santi, poeti e navigatori, e forse nessuna regione incarna pienamente questa immagine come le Marche, dove si respira aria buona e ci si ispira. Se ampliassimo la definizione di poeti anche ai musicisti e cantanti, infatti, la lista di artisti marchigiani sarebbe davvero lunga. Da Giovan Battista Pergolesi e [&hellip;]

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Numero 12 - Pausa

Uno due tre. Otto, nove e dieci. Ho imparato questa sequenza forse intorno ai 5 anni. Probabilmente non ero nemmeno consapevole del suo significato; la ripetevo perché mi piaceva la sonorità di questa cantilena con quel &#8220;e 10&#8221; pronunciato in maniera netta, definitiva. Poi il mio orizzonte matematico si è ampliato e nuove cantilene hanno arricchito il mio repertorio: dal rassicurante 2, 6, 8, 10 all&#8217;allegro seiperottoquarantotto sino allo scoglio del setteperottocinquantasei. 
Mai avrei pensato che proprio quella sequenza sarebbe stata riscoperta come uno dei più importanti strumenti di management di questo primo scorcio di millennio. 
Oggi scopro l&#8217;importanza del contare sino a dieci prima di prendere una decisione non dico importante, ma anche solo non-routinaria. E non sto parlando di un approccio zen ma proprio della necessità di prendersi il tempo di attivare il pezzo giusto del cervello.
Per esempio, prova a rispondere al volo, d&#8217;istinto, a questa domanda: si trova più a est Trieste o Napoli? 
Hai risposto &#8220;Trieste&#8221;? Mi dispiace, risposta sbagliata, ma puoi sempre dare la colpa al tuo sistema Uno. Infatti a rispondere è stato lui, una sorta di gnomo che se avesse un indirizzo sarebbe piazza sistema limbico 1, la parte più antica ed animale del nostro cervello. È un sistema estremamente rapido ed efficiente che ci consente di essere velocissimi nella presa di decisioni. È veloce perché si basa sulle informazioni già in suo possesso. Un po’ come il tuo browser, che per essere più veloce scarica in memoria le pagine che visiti più spesso, così non perde tempo quando ne hai di nuovo bisogno. Ad esso si contrappone il sistema Due, residente molto lontano, nel quartiere della Corteccia prefrontale; zona nuova ma piena di gente noiosa, razionale e calcolatrice. Il sistema Due, quello che ci consente di ragionare prima di decidere, entra in funzione veramente di rado, perché usarlo costa molta fatica e molto tempo e, diciamolo francamente, il più delle volte non serve. Gli illusionisti, i truffatori e i professionisti della persuasione, sono consapevoli della difficoltà del sistema Due ad entrare in azione e cercano di farci prendere delle decisioni che ci appaiono ovvie e veloci e che quindi prendiamo fulmineamente. Così come ovvie e veloci ci possono apparire delle decisioni che prendiamo anche senza avere persuasori occulti intorno, eccetto noi stessi e la nostra fretta o i nostri automatismi. E qualche volta, dopo, ci rendiamo conto che se avessimo avuto la possibilità di pensarci, avremmo deciso in altro modo. 
Ecco allora riscoperto il valore della pausa, intendendo questa come tempo dedicato ad analizzare razionalmente le informazioni sulla base delle quali dobbiamo prendere una decisione. La pausa diventa decisionale e, qualche volta, decisiva.
A me piace pensare a quattro tipi di pause:
Pausa De-bias &#8211; la pausa de-bias serve a verificare se nel decidere siamo influenzati da bias. I bias sono delle distorsioni sistematiche del nostro processo di raccolta ed elaborazione delle informazioni, come quelli in cui sei forse cascato prima con Napoli/ Trieste.
Pausa degelatinizzante &#8211; La pausa degelatinizzante è quella che ci fa uscire dalla viscosità mentale, ovvero da quel bizzarro fenomeno che ci capita quando cerchiamo di ricordare un nome ma ce ne viene in mente sempre un altro, sbagliato, che non sappiamo come cancellare.
Pausa creativa &#8211; Una pausa prima di prendere una decisione può essere considerata come un vero e proprio momento creativo, può aiutare a cercare punti di vista alternativi, a considerare nuovi approcci, a cambiare decisione sostanzialmente. Si differenzia dalla pausa degelatinizzante perché, rispetto ad essa, è proattiva e non reattiva; ovvero mentre la pausa degelatinizzante ha lo scopo di uscire da un blocco in cui ci siamo cacciati, la pausa creativa viene cercata prima di prendere una decisione, diventa una delle fasi implicite nel processo decisionale. Fa parte del gioco insomma.
Pausa Postale &#8211; L&#8217;esempio tipico di questo millennio è l&#8217;improvvisa consapevolezza di aver scritto una cavolata subito dopo aver cliccato su &#8220;invia&#8221;. Ma la mail è partita e un pensiero ci esplode in testa: “E adesso come faccio?”. Il fenomeno è così radicato che Google ha pensato di darci una mano: da qualche giorno è disponibile un nuovo servizio di Gmail che trattiene una mail inviata per ulteriori 30&#8243; prima di inviarla. Non si sa mai, magari fai una pausa Postale e cambi idea. 
1, 1, 2, 3, 5, 8, 12, 20, 32 (sì, anche questa sequenza serve a stimolare il tuo sistema Due).
Se poi la decisione da prendere è particolarmente difficile, se c&#8217;è qualcuno che ti mette troppa pressione, se sei bloccato in un vicolo cieco e contare sino a 10 non serve a molto, allora allunga la pausa e poi allungala ancora: secondo alcuni, solo i problemi veramente seri restano. Gli altri si stufano e se ne vanno.

Attenti al cervello quando dovete decidere

Siamo forse al superamento dei paradigmi nel mondo del lavoro. 
Arriva infatti da Londra la notizia che <a href="http://www.ilsole24ore.com/art/finanza-e-mercati/2015-06-24/banche-scure-londra-bonus-top-manager-131853.shtml?uuid=AC7ny3F">la Gran Bretagna ha deciso di estendere fino a 7 anni la possibilità di annullare le gratifiche assegnate per i cosiddetti “material risk takers”</a> &#8211; i traders &#8211; e soprattutto per la prima linea del management, Ceo compreso. Se emergeranno ipotesi di cattiva gestione (misconduct), il bonus assegnato ai top executives sarà congelato per altri 3 anni così da consentire gli eventuali accertamenti. 
Questo evento di per sé marginale come effetto reale nell’economia reale, in realtà mette in discussione un modello manageriale che valuta il manager in funzione del risultato immediato delle sue scelte nel conto economico della sua impresa. 
A mettere in discussione il modello sono, da un lato, i rischi eccessivi fatti correre agli investitori e agli altri stakeholder e, dall’altro, evidentemente una presa di coscienza che nel modello caotico del mondo finanziario non è applicabile l’approccio deterministico causa – effetto, frutto di secoli di pensiero illuministico: tutto ciò sembra invece dirci che è meglio lavorare sulla stabilità del sistema per ottenere benefici a lungo termine, evitando, in sintesi, il cosiddetto &#8220;butterfly effect&#8221; teorizzato da E. Lorenz nella teoria del caos.
La vera notizia è dunque che istituzioni e banche incominciano a ragionare in modo diverso, noi più in ottica di espansione ma in ottica di stabilità del sistema macroeconomico. 
Quanto può incidere questo sul nostro mondo reale e quanto ci si può spingere oltre su questo nuovo sentiero sono le domande utili che dovremmo porci. 
Questa notizia permette di prendere spunto e citare altri paradigmi che credo vadano messi in discussione nel mondo del lavoro proprio in virtù di un nuovo cammino da percorrere. 
La rivalutazione della rendita da lavoro a favore della rendita da capitale. E’ un concetto elementare che emerge a più riprese nel dibattito sociale: ma come non riflettere sul fatto che oggi le tasse sul capitale sono molte più basse rispetto alla tassazione del lavoro?
In questo cammino, soprattutto in Italia, vediamo che gli oneri sociali a protezione dei lavoratori sono tutti a carico dell’impresa, o meglio del costo del lavoro. Anche se “scaricare” questi oneri dalle aziende allo stato o al singolo è contrario alle politiche ferree di bilancio degli ultimi decenni, in realtà sarebbero il primo e naturale segnale per favorire il lavoro di impresa. Certo il percorso maldestro compiuto dalla Grecia in questo senso non incoraggia in questa direzione. 
Un altro paradigma, tanto più forte da superare quanto più ignoto è il suo significato economico, è la finanziabilità del lavoro. In pratica, ad oggi sono finanziabili solo dei beni, gli unici finanziamenti in realtà realizzati e/o realizzabili nel finanziare il lavoro sono effettuati dalle venture capital che “scommettono” sui risultati di impresa, comprendendo nella valutazione gli asset intangibili del personale che compongono l’impresa. Per il resto, provate ad andare in banca a chiedere il finanziamento di un progetto, che preveda come investimento ad esempio la sola assunzione di personale per sviluppare la rete commerciale.
Una declinazione in questo senso di una politica finanziaria a favore delle aziende in crisi potrebbe essere creare un fondo di garanzia che sostituisca definitivamente la cassa integrazione assicurando il pagamento dello stipendio ai lavoratori se l’azienda non può pagare. Questo potrebbe sembrare utopistico, ma rivalutare i “non lavoratori” in cassa integrazione offrendo loro una copertura finanziaria, anche se parziale, dello stipendio, sarebbe molto più utile e moralmente accettabile. 
Il punto sopra ci apre però una riflessione ulteriore sui benefici che questo tipo di sostegno del lavoro darebbero alla remunerazione di impresa. Il favorire la rendita da lavoro a favore della rendita da capitale di fatto darebbe un bell’aiuto ai proprietari di impresa e potrebbe avere al contrario un effetto di rendita contrario al principio di competitività. In un modello di prospettiva occorrerebbe bilanciare questo aspetto favorendo un ricambio continuo della classe imprenditoriale portando ad una trasformazione da padroni ad imprenditori.
Un tema ricco di risvolti che soprattutto in Italia è diventato un reale limite alla sopravvivenza dell’impresa. Che il capitale delle imprese venga aperto a nuovi imprenditori, manager e non, è il vero paradigma da sfatare se si vuole che il ricambio avvenga. Si tratta di un cambio culturale da un lato, ma anche di strumenti finanziari dall’altro. I paradigmi di cui abbiamo parlato (e non sono i soli) possono infatti dare frutto solo se il cambiamento arriva da più direzioni, dagli imprenditori, dai lavoratori e dalla politica. E per far questo occorrerà trovare una leadership nuova, non legata dunque ai vecchi modelli. La Gran Bretagna ci sta provando partendo dal mondo della finanza che senza dubbio le appartiene, anche per noi italiani è tempo di riconsiderare certi sistemi ormai troppo radicati.

La Gran Bretagna congela i bonus ai supermanager

Al Festival di Sanremo 2008 Federico Zampaglione e i suoi Tiromancino annunciano la partecipazione della canzone «Il rubacuori», destinata ad essere inserita nell’album live «Il suono dei chilometri». L’intuizione vincente si esaurisce nel titolo della canzone: il rubacuori non è un playboy ma un perfido dirigente aziendale descritto in modo caricaturale e tragico al tempo stesso. La volontà è quella di dipingere un quadro espressionista che deformi il cinismo del protagonista e lo renda grottesco e mostruoso: il risultato sfiora il didascalico.
<blockquote>
Come mi sento quando arrivo in ufficio 
per licenziare trentacinque persone 
il modo in cui dirglielo, la faccia da fare 
sono al di là del bene e del male. 
L’azienda non si tocca, l’azienda è al primo posto 
e chi non fa più parte è come fosse morto 
io questo lo so bene e non mi sfiora il rimorso 
mando tutti a casa e mi tengo stretto il posto.
</blockquote>
Pronosticati fra i favoriti alla vigilia del Festival, i Tiromancino hanno cambiato etichetta immediatamente prima della manifestazione: si vocifera che la EMI, ex casa discografica della band, abbia apprezzato moderatamente il tema della canzone. L&#8217;argomento («Un brano dal forte significato politico» dichiara l&#8217;autore alla stampa) risulta particolarmente sensibile, dato il periodo di crisi che attraversa il settore discografico italiano. La stampa suggerisce infatti che i versi mostrino con tutta evidenza che l’azienda in questione sia una casa discografica:
<blockquote>
Tanto a me della musica 
non mi frega più niente 
questa è la mia rivincita 
sono dirigente.
</blockquote>
La Repubblica titola esplicitamente: «Io censurato a Sanremo per la canzone sui licenziati». Federico Zampaglione, leader della band e autore del motivo in concorso, smentisce in seguito questa interpretazione, parlando genericamente di una canzone ispirata all&#8217;esperienza di un amico rimasto senza lavoro. Il punto di vista adottato dai versi è il racconto in prima persona di un bieco responsabile risorse umane senza alcuna empatia per le persone con cui entra in contatto. La decisione della EMI, da otto anni etichetta di Zampaglione, di non pubblicare la canzone e il fatto che il motivo non sia presente in nessuna delle due raccolte spinge Pippo Baudo, presentatore e direttore artistico ad accusare le major di essersi «coalizzate per non fare entrare il brano nelle compilation», decisione definita dallo stesso presentatore «una ritorsione alquanto maldestra».
La replica della Fimi, l&#8217;associazione di categoria dei discografici, non si fa attendere. Enzo Mazza, presidente e portavoce, parla di «attacchi gratuiti e privi di fondamento alle case discografiche» e di «accuse gravi e lesive per le imprese iscritte a Fimi». Mazza non nega che tra EMI e Tiromancino esista un contenzioso legale, ma pretede le scuse di Baudo per aver «trasformato una semplice disputa contrattuale tra un&#8217;etichetta e un artista in un caso, dando in pasto alla stampa informazioni distorte e lontane dalla realtà, al fine non ben chiaro di attaccare le stesse aziende che peraltro tengono in piedi il Festival».
Chiamato in causa, Pippo Baudo risponde bruscamente: «Dalla Fimi mi sarei aspettato gratitudine, invece che dichiarazioni offensive: sono venuto a conoscenza delle dichiarazioni di Zampaglione secondo cui i Tiromancino hanno trovato difficoltà perché la loro etichetta gli avrebbe voluto impedire di partecipare al Festival e le case discografiche si sarebbero messe addirittura d&#8217;accordo per non inserire il brano nella compilation degli artisti. Gli ho espresso solidarietà, nessuna accusa alla Fimi».
Non è in ogni caso la prima volta che una o più canzoni in concorso sono assenti dalle raccolte ufficiali del Festival: l’organizzazione della manifestazione non cura direttamente la pubblicazione delle compilation, e di norma nessuna norma regolamentare o previsione contrattuale impone agli artisti di consentire alla pubblicazione comune della loro canzone, come accade per esempio all’Eurovision Song Contest, dove dal 2003 le canzoni in concorso sono inserite nel doppio album ufficiale senza eccezione. Spesso sono alcuni degli artisti più importanti quelli il cui motivo non è inserito nella tracklist della raccolta festivaliera, o quelli che strategicamente vogliono incentivare il pubblico. La nuova etichetta dei Tiromancino, la Deriva, è affiliata a un gruppo discografico indipendente tedesco, la Edel. L’ipotesi più probabile per gli addetti ai lavori è che gli aventi diritto non abbiano trovato l’accordo, o che la canzone fosse ancora priva di un editore quando la raccolta è stata stampata.
Fosse vero il contrario, si tratterebbe della prima volta che un motivo viene escluso dalle raccolta in ragione dei propri contenuti: in realtà i contrasti tra Federico Zampaglione-Tiromancino e la EMI sembrano squisitamente di carattere contrattuale: l’artista sostiene di essersi liberato da ogni impegno, la casa discografica ribatte che è ancora tenuto a consegnare due album di inediti. Rudy Zerbi, all&#8217;epoca a capo di Sony Music, etichetta che stampa la raccolta del Festival 2008, ribadisce di considerare valido il punto di vista dell&#8217;azienda.
Per Frankie Hi NRG MC, intervistato da Lucilla Agosti nel corso del Dopofestival condotto da Elio e Le Storie Tese, quella di Tiromancino altro non è che un’operazione promozionale, a supporto, afferma il rapper di Città di Castello, di un motivo debole e non tra i più riusciti dell’autore «se fosse bella per come è stata promossa, sarebbe la vincitrice assoluta del festival». Pochi minuti dopo, Federico Zampaglione si presenta al Teatro del Casino di Sanremo e ottiene di replicare in diretta: lo fa di getto, attaccando il collega: «sono dieci anni che canti sempre le stesse cose, le tue canzoni sono uno sproloquio di parole» senza però fornire una controreplica efficace nel merito.
Se promozione era, sembra finire per rivoltarsi contro chi l’ha ideata: la svolta sociale della band di Zampaglione viene accolta timidamente dal pubblico, e il motivo, pur debitore – come conferma lo stesso autore in conferenza stampa – alla tradizione melodica romana di Romolo Balzani, si rivela leggero e privo di mordente. Nella classifica non ufficiale di quel Festival, «Il rubacuori» termina al diciassettesimo posto.

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Eddy Anselmi

Nato a Bologna il 16 novembre 1969. Dopo gli studi in diritto e scienze internazionali fra Europa e USA si dedica alla storia della musica e del costume. E’ conduttore radiofonico e autore televisivo, coordinatore di comunicazione e immagine, storico e ricercatore. Suo l’Almanacco Panini del Festival di Sanremo. Scrive sul Corriere di Bologna.

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Tiromancino e il tagliatore di teste

Al Festival di Sanremo 2008 Federico Zampaglione e i suoi Tiromancino annunciano la partecipazione della canzone «Il rubacuori», destinata ad essere inserita nell’album live «Il suono dei chilometri». L’intuizione vincente si esaurisce nel titolo della canzone: il rubacuori non è un playboy ma un perfido dirigente aziendale descritto in modo caricaturale e tragico al tempo stesso. [&hellip;]

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Numero 10 - Distretti

Il 21 e il 22 giugno la vedranno in televisione in tutto il mondo, quando Papa Francesco sarà a Torino per l’ostensione della Sacra Sindone. Si siederà sulla cattedra papale fornita dalle aziende di un lembo d’Italia di poco più di 200 chilometri quadrati nella provincia di Udine, il cosiddetto triangolo friulano della sedia: Manzano, San Giovanni al Natisone, Corno di Rosazzo.
“È la stessa che abbiamo realizzato nel 2010 per Benedetto XVI, per la precedente esposizione del Santo Telo”, spiega Carlo Piemonte, direttore di Asdi Sedia, l’Agenzia per lo sviluppo del distretto industriale della sedia, una Spa con l’obiettivo di promuovere e sviluppare quel comparto produttivo. “Ma la cosa più importante – continua Piemonte – è che, nel 2009, quando abbiamo ricevuto la commessa per la sedia papale, abbiamo deciso di non affidarla ad una sola azienda ma di chiedere il contributo di molte, grandi e piccole imprese, ciascuno con la sua specialità. Così sono arrivate a partecipare alla realizzazione ben 47 aziende”.
Piemonte sottolinea l’aspetto della collaborazione perché è la novità vincente di quel distretto che, nei tempi di maggior splendore alla fine degli anni ’90, puntava tutto sulla quantità &#8211; produceva il 30% delle sedie di tutta l’Europa, circa 40 milioni di pezzi all’anno &#8211; e nessuna azienda, grande o piccolissima che fosse, si sognava di allearsi con le altre per paura che prevalessero gli interessi dei concorrenti sui propri. “Ora invece proprio le alleanze, assieme alla qualità che prevale sulla quantità, sono state le carte vincenti che, dopo anni di sofferenza, hanno fatto risorgere a nuova prosperità il nostro distretto”, commenta Piemonte.
Se infatti si guardasse solo ai numeri, la storia degli ultimi anni potrebbe apparire come la cronaca di un disastro. Nel triangolo della sedia, nel ’98, si contavano 1.100 imprese, la gran parte a conduzione familiare con due o tre addetti, con 11 mila persone impiegate in poche aziende che facevano il prodotto finito o in una schiera di terzisti artigiani che comprendeva segherie e scorniciatori, foratori e spinatori, levigatori e tapezzieri, verniciatori e assemblatori.
A fine dicembre del 2014, invece, tutto si è dimezzato: le aziende sono calate a 600 unità e gli addetti del distretto sono precipitati a quota 5.500. C’è una sola grande azienda sopravvissuta, la Calligaris di Manzano che fattura attorno ai 140 milioni di euro, restano poi una ventina di imprese con giro d’affari dai 7 ai 30 milioni, e a seguire tutte le altre di piccole dimensioni.
I numeri di oggi, però, comunicano anche informazioni positive sulla nuova vitalità del distretto. Quasi l’80% della produzione va all’estero per un valore di oltre mezzo miliardo di euro. Proprio l’export, poi, sta seguendo un trend vivace di crescita: nel quarto trimestre 2014, +7,8% rispetto al quarter precedente il quale, a sua volta, era cresciuto del 4,2% sul secondo trimestre. Una situazione che, a partire già dal 2013, rende ottimista Piemonte. “La parola crisi nel nostro ambiente non si usa più. E ciò perché il distretto ha saputo riposizionarsi sul segmento qualitativo: non essere solamente un grande distretto ma diventare sempre più un buon distretto che sa affermare la sua qualità nel mondo, non solo in Europa”. Il che vuol dire, oggi, soprattutto Stati Uniti e Canada, Arabia Saudita ed Emirati Arabi, oltre la Russia che è un grande mercato per la sedia di qualità del distretto, anche se oggi soffre qualche situazione di tensione.
Per dare ulteriore slancio alla collaborazione tra aziende, poi, Asdi Sedia ha promosso “Make my design”, una rete di dieci Pmi del triangolo specializzate in segmenti diversi: essiccazione, taglio, curvatura e levigatura del legno, lavorazioni di metallo, tappezzeria, imbottitura, verniciatura e produzione di prototipi. La loro mission è di offrire consulenze a designer, progettisti e architetti di tutto il mondo che vogliano sviluppare nuovi complementi d’arredo e diventare partner nella realizzazione dei progetti fattibili.
Insomma, ciascuna azienda mantiene la sua identità, ma tutte collaborano per innovare in un mercato che diventa sempre più grande e globale e verso il quale oggi le sedie friulane dilagano nei luoghi più conosciuti del mondo, dai tanti hotel Ritz o Hilton, al Burj Al Arab di Dubai, dalle navi Costa Crociere a quelle della Carnival, dal casinò Mirage di Las Vegas al Gila River di Phoenix, dall’aeroporto Jfk di New York all’International airport di Hong Kong. Un modo eccellente per proseguire la tradizione delle sedie del triangolo già diventate famose negli anni Ottanta perché utilizzate da fondoschiena celebri, come quelli di Ronald Reagen, Michail Gorbaciov e Bill Clinton.
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La sedia del Papa

Eppur si muove. Lo spettro della stagnazione e della recessione, che ha accompagnato l’Italia e l’Europa dal 2010 fino al 2014 pare dunque che abbia allentato la sua morsa micidiale sui settori chiave dell’economia italiana. Dopo anni di spinte deflattive, caduta di consumi e investimenti, i soloni dell’economia giurano che qualcosa si muove, sia sul terreno dell’occupazione, sia su quello della ripresa produttiva. Saranno gli effetti del <a href="http://www.informazionesenzafiltro.it/jobs-act-unoccasione-di-dignita-alle-agenzie-per-il-lavoro/" target="_blank" rel="noopener">jobs act</a>, saranno le misure straordinarie decise dalla Banca Centrale Europea in materia di politica monetaria, (il cosiddetto Quantitative Easing), per stimolare l’economia ma qualcosa comunque sta cambiando. Giorgio Squinzi, presidente di Confindustria, nel commentare il boom di assunzioni tra marzo e aprile, ha detto che bisogna andare cauti ma è anche vero che questa volta tutti gli indicatori nazionali e internazionali sono concordi sui timidi numeri di crescita. Dall’Ocse alla Banca d’Italia, dalla Confindustria alle agenzie per il lavoro, tutti confermano che la recessione dovrebbe essere alle nostre spalle.
L’ultima notizia risale a mercoledì 3 giugno. Secondo i dati Istat diffusi dall’agenzia Ansa, infatti, dopo il calo degli ultimi due mesi, ad aprile gli occupati aumentano dello 0,7% pari a 159mila rispetto al mese precedente. “Secondo l&#8217;Istat, inoltre, sono in calo e si attestano al 40,9% i giovani tra i 15 e i 24 anni che ancora cercano un lavoro”. “Anche l&#8217;Ocse fornisce alcune stime sull&#8217;Italia e parla di ‘credito ancora fragile’ ma valuta positivamente il jobs act e prevede un calo della disoccupazione nel 2016 con il Paese che aggancia, di fatto, la ripresa”.
Il dato aggregato più significativo della ripresa fornito dall’Istat riguarda l’export: complessivamente le importazioni sono salite del 4% su mese e del 9,7% su anno, l&#8217;export è aumentato dell&#8217;1,8% su mese e del 9,2% su anno. Nel primo trimestre il saldo raggiunge i 7,8 miliardi, che diventano 16,4 senza l&#8217;energia. L’export va prevalentemente verso l’Europa ma una quota consistente anche verso i paesi emergenti. Se questo è il dato aggregato c’è da chiedersi chi sono i protagonisti della ripresa economica. Quali settori trainano la timida ripresa? In primo luogo si può dire che &#8211; si legge in un rapporto di Intesa Sanpaolo (di cui ci occupiamo nel servizio di copertina) &#8211; a trainare la ripresa sono i distretti industriali.
Proviamo allora a bussare alla porta di uno di questi distretti per capire se i dati aggregati di Auto e Hi-tech trovano conferma sul territorio. Al Nord il distretto della Metalmeccanica e Elettronica del Canavese è certamente uno dei più significativi, forse anche perché in quella zona fino agli anni ‘80 dominavano due colossi dell’industria italiana come Fiat e Olivetti poi entrati in crisi. Cristina Ghiringhello, direttrice di Confindustria Canavese, orgogliosa per le eccellenze di questa zona, conferma il trend che emerge dai dati aggregati. “Sì, le confermo con una certa soddisfazione che in questo distretto industriale, soprattutto nel settore della meccanica legato all’auto, assistiamo a una ripresa economica e anche a una ripresa dell’occupazione. E direi non soltanto in questa zona. Noi come Confindustria elaboriamo dei rapporti previsionali su base trimestrale. Mentre il primo trimestre del 2015 prevedeva ancora crescita zero, nel secondo trimestre la previsione è di un incremento. L’indicatore più importante per noi è quello degli investimenti in impianti fatti dalle aziende. Se non ci fossero previsioni positive non ci sarebbero investimenti. Lo stesso discorso vale per l’occupazione. Tenga conto che siamo in un distretto abbastanza virtuoso: negli ultimi anni la disoccupazione provocata dalla crisi dell’Olivetti e dalla chiusura di alcuni stabilimenti Fiat è stata assorbita per oltre l’80 per cento dalle piccole e medie imprese della zona. Un tessuto produttivo che tiene”.
Se dai dati aggregati che emergono da questo microcosmo del Canavese si passa un’analisi dei settori che si pensavano maturi si scoprono altre conferme. Stiamo parlando dell’hi-tech, dell’alimentare, dell’automobile e pare anche del settore immobiliare. Naturalmente di questa ripresa ne beneficerà l’indotto e anche la pubblicità che secondo gli esperti sta cominciando a rianimarsi dopo anni di stagnazione. Il settore che ha dato maggiore impulso alla ripresa è quello dell’auto che con i dati dello scorso anno ha anticipato i tempi. Se a dicembre del 2014 il settore auto registrava uno scatto del 30,4 per cento, ad aprile del 2015 quell’incremento viene confermato con un 24,2 per cento.
Il centro studi di Bankitalia ci spiega che gli altri due settori che possono guidare la ripresa sono l’alimentare e l’hi-tech. Un’indagine condotta dalle strutture territoriali di Banca d’Italia parla di performance positive e in crescita dell’alta tecnologia e dell’agroalimentare. Lo stesso Carlo Sangalli, presidente di Confcommercio, in genere molto cauto a parlare di ripresa, ha detto in più occasioni che “le condizioni per la ripresa dei consumi” ci sono tutte, soprattutto per l’alimentare, l’auto e la tecnologia, sia domestica che di fascia alta. La domanda interna, che per consumi e investimenti rappresenta l’80% del Pil, ha realizzato una crescita dell’1 per cento nella grande distribuzione. Pare che anche il martoriato settore immobiliare sia pronto a ripartire. Scenari Immobiliari prevede segnali di ripresa per il mercato immbiliare in Europa e in Italia. “Il trend economico e il quantitative easing aiutano il comparto europeo che ha registrato una crescita del 12% in tre anni. Il fatturato 2015 sarà di 112 miliardi di euro, in crescita del 3,7% rispetto ai 108 miliardi del 2014”.

Auto e Hi-tech per far ripartire i consumi

Fino agli anni Settanta del XX secolo sono tanti gli italiani che per trovare lavoro devono cambiare città o paese. Le direttrici dell’emigrazione che cambiano radicalmente la distribuzione demografica della penisola sono tre: ci si sposta dalle campagne o dalle colline verso le città, dal sud verso il nord e dall’Italia verso l’estero, con mete d’elezione privilegiate come gli Stati Uniti, il Canada e l’Europa centrale.
Sono così tanti gli italiani a muoversi che ben presto gli autori delle canzoni si accorgono di loro, e di quanto il sentimento di nostalgia per la patria lontana sia un eccezionale volano per la commercializzazione dei dischi: i racconti sentimentali si vendono in quanto i destinatari si identificano con i protagonisti delle canzoni. Se nell’anteguerra la nostalgia era stata ammannita agli italiani all’estero tramite un artefatto recupero del folclore che confezionava artefatte melodie a carattere popolaresco, è dagli anni Cinquanta in poi che l’emigrazione diventa un topos della musica leggera italiana, destinato a diradarsi per poi scomparire del tutto nel giro di appena vent’anni.
Il Festival di Sanremo, vetrina della canzone italiana all’estero, presenta le prime storie d’emigrazione e di straniamento. Nel 1952 il tema compare per la prima volta in un motivo di D’Anzi e Salerno cantato da Gino Latilla: «Un disco dall’Italia» racconta della commozione e della nostalgia che, in una casa di italiani d’America, provoca l’arrivo per posta di un disco di «quel tenorino languido». Nel 1958 ancora Gino Latilla e Natalino Otto cantano «Tu sei del mio paese», di Testa, De Giusti, Biri e Carlo Alberto Rossi, incontro tra un lavoratore e una lavoratrice arrivati in città che si riconoscono e trascorrono insieme, confortati dalla reciproca familiarità, il giorno di pausa festivo.
<blockquote>
E’ sempre uguale questa vita di città 
non sembra festa la domenica 
girando per le strade 
la gente non ti vede
</blockquote>
Già, il paese. L’heimat del protagonista delle canzoni italiane è raramente l’Italia, mai la regione o la città. Le nostalgie sono indirizzate altrove, al borgo appenninico o alla cittadina di pianura abbandonati per la metropoli. Gli uomini partono per primi, lasciando le donne ad attenderli, come Wilma Goich nel Sanremo 1965 («Le colline sono in fiore»)
<blockquote>
Amore, ritorna, le colline sono in fiore, ed io, amore, sto morendo di dolore
</blockquote>
La solitudine dell’emigrato e il suo senso di inadeguatezza di fronte alla città e alle sfide della tecnologia sono al centro di «Ciao amore ciao», il motivo presentato da Luigi Tenco al Festival di Sanremo 1967, canzone che deve tutta la sua notorietà alla tragica scomparsa del cantautore la sera della sua eliminazione, ma che presenta un punto di vista crudo, diretto, quasi post-neorealista fino ad allora inedito nel repertorio festivaliero.
<blockquote>
Non saper fare niente in un mondo che sa tutto 
 E non avere un soldo nemmeno per tornare
</blockquote>
L’emigrante delle canzoni ha miglior fortuna quando si abbandona alla nostalgia, o quando, in un perenne «addio ai monti» contempla il borgo natìo alla vigilia di una inevitabile partenza («Che sarà», Ricchi e Poveri e José Feliciano, 1971).
<blockquote>
Paese mio che stai sulla collina, disteso come un vecchio addormentato…
</blockquote>
Tra l’emigrante di Luigi Tenco e quello di Franco Migliacci e Jimmy Fontana, autori di «Che sarà», sembra passino più di quattro anni. Se il protagonista di «Ciao amore ciao» partiva per bisogno, quello di «Che sarà» sembra lasciare le sue origini per cercare qualcosa di più adeguato alle sue aspettative
<blockquote>
…La noia, l’abbandono il niente sono la tua malattia, paese mio, ti lascio e vado via
</blockquote>
E se in Tenco andarsene sembrava quasi un atto di eroismo solitario, in Migliacci-Fontana si sa di non essere soli
<blockquote>
Gli amici miei son quasi tutti via, e gli altri partiranno dopo me
</blockquote>
Negli anni Settanta, del resto, anche le donne iniziano a raccontare storie di emigrazione, come la siciliana Marcella Bella nel motivo d’esordio «Montagne verdi» presentato a Sanremo 1972
<blockquote>
Poi un giorno mi prese il treno: l’erba, il prato e quello che era mio scomparivano piano piano…
</blockquote>
E anche i complessi «beat» finiscono a raccontare le storie degli italiani che tornano a casa nelle settimane del riposo estivo trovando conforto nella propria lingua e nel calore della donna amata («Casa mia» Equipe 84, 1971)
<blockquote>
Torno a casa, siamo in tanti sul treno, 
 Occhi stanchi, ma nel cuore il sereno 
 Dopo tanti mesi di lavoro mi riposerò…
</blockquote>
Sono ancora i Ricchi e Poveri nella quasi sconosciuta «Un diadema di ciliegie» (1972) a segnare l&#8217;inversione di tendenza. Dal paese si parte per incatenarsi a una «catena di montaggio», ma è al paese che si vuole fare ritorno.
<blockquote>
cielo blu del mio paese 
oggi io ritorno da te
</blockquote>
Dalla metà degli anni Settanta l’immigrazione delle canzoni torna un’esperienza lontana, non più contemporanea. Il «Pablo» di Francesco De Gregori (1975), come anni dopo il suo «fuochista» e i suoi «ragazzi di terza classe» (1982) sono racconti ambientati in un mondo diverso da quello dal quale proviene il cantautore, come del resto l’uomo descritto da Mario Castelnuovo alla vigilia della partenza in «Madonna di Venere» (1987). A strizzare l’occhio a chi ha un paese da rimpiangere restano solo Al Bano e Romina Power
<blockquote>
Nostalgia, nostalgia canaglia di una strada, di un amico, di un bar 
 Di un paese che sogna e che sbaglia 
 Ma se chiedi poi tutto ti dà.
</blockquote>
A emigrare, ormai, non sono più gli italiani, e nel 1992 una canzone di Sanremo racconter per la prima volta i disagi degli stranieri arrivati in Italia in cerca di fortuna: è «La casa dell’imperatore» della Formula 3, scritta dallo stesso Mario Castelnuovo.

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Le insospettabili canzoni degli emigranti

Fino agli anni Settanta del XX secolo sono tanti gli italiani che per trovare lavoro devono cambiare città o paese. Le direttrici dell’emigrazione che cambiano radicalmente la distribuzione demografica della penisola sono tre: ci si sposta dalle campagne o dalle colline verso le città, dal sud verso il nord e dall’Italia verso l’estero, con mete [&hellip;]

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Numero 09 - Punto e a capo

Nel febbraio 2014 IBM annunciava al mondo lo stanziamento di 1 miliardo di dollari per “ribilanciare la forza lavoro”, usando un verbo alquanto dubbio: “ribilanciare” indica che se una parte cresce l’altra diminuisce. Non in questo caso: l’inglese si presta ad una serie di eufemismi che in eventi come questo non sono divertenti. In quel momento il dato pubblico più recente sul numero dei lavoratori era vecchio di due anni: 434.246. Quattrocentotrentaquattromiladuecentoquarantasei dipendenti, una miliardata di famiglie impattata, a spanna.
Nel febbraio 2015, IBM consolidava la propria strategia illustrando il progetto Chrome, che avrebbe eliminato almeno 110.000 persone, ed avrebbe cercato di farlo entro il mese. Il concetto di “ribilanciamento” continuava, perché nel momento stesso del licenziamento di tanti lavoratori IBM comunque proseguiva nell’assunzione di altri 15.000 in altre aree di business. Nel contesto di un economia americana che vede la perdita di posti di lavoro come il fumo negli occhi, e di un amministrazione alla Casa Bianca che gioca la propria credibilità solo sul recupero degli stessi, apprendere che il CEO nel frattempo si prendeva un bell’aumento di stipendio ha portato ad un dibattito pubblico molto acceso.
Tra social media e blog disparati, sui giornali di information technology, sono comparse centinaia di storie individuali dove dipendenti ed ex-dipendenti lamentavano come all’improvviso le valutazioni professionali fossero diventate negative, dopo anni di soli complimenti. Queste valutazioni erano, a detta degli stessi, usate come scusa per il licenziamento. Per chi, come me e come tantissimi, è cresciuto con i film di Fantozzi ed è un semplice lettore e testimone di queste vicende, sarebbe facile interpretare queste comunicazioni con sana dose di sarcasmo e poi pensare agli affari propri. Per chi, come me ed altri, ha amici in IBM, l’impatto emotivo è stato sicuramente importante. Quando un amica con due figli a carico ti racconta il dramma di questo ribalanciamento, pensare agli affari propri non è più un opzione.
Ho quindi avuto modo di constatare come in USA ed in Italia le notizie cattive siano date in modi diversi. 
Qui in USA il dibattito pubblico è stato molto acceso, a tratti quasi violento, ma anche rapidamente messo in archivio dopo che la corretta quantità di show televisivi ed indignazione pubblica è passata allo scandalo successivo. Con una modalità molto consumistica di fruizione del dibattito pubblico, passato un mese il Progetto Chrome non era più sul radar di nessuno. Nessun dipendente si è dato alle fiamme, nessun picchetto ha bloccato l’ingresso a qualche scuola o ospedale, ed i singoli individui si son trovati soli a gestire la solo singola situazione.
In Italia le cose sono andate diversamente. IBM ha annunciato cinque ristrutturazioni nel corso di due anni, praticamente centellinando le notizie sulle pratiche tese a diminuire l’organico. Organi come il Comitato aziendale europeo IBM, che raccoglie molti dipendenti come sindacato focalizzato sull’azienda, ha promosso diverse richieste agli organi aziendali ma la ripetizione nel tempo ha evitato che la crisi IBM diventasse un qualcosa da prima pagina come invece è capitato per altre aziende. 
Dando credito a quanto dipendenti italiani lamentano pubblicamente o meno sui social media, si ha un immagine di clima aziendale teso ormai da molto tempo, dove per molti il prospetto di uscire sta passando da incubo a liberazione. Effettivamente pensare che le proprie performance siano valutate in modo non completamente obiettivo ed anzi influenzato dalle strategie di headcount del personale, non può che rendere nervosi individui che spesso devono gestire relazioni con clienti e farlo da uno stato di calma e perfetta conoscenza di quello che avviene attorno a loro.
La spiegazione di questa differenza nel comunicare cattive notizie a mio parere si trova nel lavoro di Geert Hofstede, che anni orsono ebbe modo di analizzare proprio i dipendenti di IBM delle diverse filiali nel mondo e definire le variabili della cultura nazionale e come questa impatta la gestione aziendale. Seguendo il modello di Hofstede la cultura di una nazione si misura su sei dimensioni:
<ol>
<li>Power Distance, ovvero quanto una società accetti l’inequalità tra chi comanda e chi no.</li>
<li>Individualismo vs. Collettivismo, che misura quanto una società punti sull’individuo piuttosto che sulla famiglia o sula società</li>
<li>Mascolinità vs. Femminilità, dove il primo indica una cultura che premia il successo e l’eroismo, mentre la seconda una società più centrata su solidarietà e qualità della vita</li>
<li>Paura dell’Incertezza, ovvero una misura di quanto la società tollera ambiguità ed incertezza.</li>
<li>Orizzonte temporale, dove alcune società guardano al proprio passato e sono più resistenti al cambiamento, mentre altre sono più pragmaticamente orientate a cambiare</li>
<li>Indulgence vs. Restraint, che misura quanto una società premi il desiderio naturale di qualità della vita rispetto al rispetto rigido delle norme sociali.</li>
</ol>
È sul timore dell’incertezza che USA ed Italia mostrano la più grande differenza negli assi culturali. Correttamente quindi ad un americano è meglio dare la cattiva notizia in modo deciso, tutto assieme, facendo seguito immediatamente alle conseguenze. Al contrario all’italiano è meglio spezzettare la cattiva notizia in tante piccole pillole amare, in modo che quasi se ne abitui prima di procedere con la pratica di ridimensionamento.

Come dare brutte notizie in azienda?

Se nei media prevalgono le cattive notizie, anche perché alla base vi è la convinzione che in questo modo i lettori siano più attirati, concetto non nuovo, riconducibile a ben prima dell&#8217;avvento della Rete e dei social, nella comunicazione d&#8217;impresa la positività dovrebbe essere d&#8217;obbligo. 
Che si tratti di comunicazione esterna, mirata alla gestione della reputazione dell&#8217;impresa, o di comunicazione interna, l&#8217;idea di positivizzare il messaggio è un principio di base. Principio che si scontra con pratiche tanto <a href="http://www.ilgazzettino.it/index.php?p=articolo&amp;sez=NORDEST&amp;ssez=TREVISO&amp;id=1131934" target="_blank" rel="noopener">inopportune quanto inadeguate</a> che in realtà sono molto più diffuse di quanto si sarebbe portati a immaginare.
Per quanto riguarda la comunicazione interna sono due i principi cardine dai quali partire. 
L’idea di respon­sa­bi­lità, sor­pas­sando il con­cetto di colpa – per­dono che spesso inne­sta una spi­rale viziosa, implica sia la facoltà di ope­rare che la volontà di ren­dersi garante dell’azione. Come ricorda Strawson, filosofo inglese, tra i massimi esponenti della filosofia analitica, il concetto di responsabilità deve essere spiegato in termini di atteggiamenti morali diretti alla volontà dell’agente. La responsabilità non dipende dalla metafisica dell’azione, ma è spiegata in riferimento al fatto che siamo soggetti dotati di razionalità, sensibilità e interessati a come gli altri sono disposti nei nostri confronti, perché siamo animali sociali, reciprocamente vulnerabili e interdipendenti.
Il con­cetto di Response Abi­lity è ideal­mente supe­riore a quello, già impor­tante, di responsabilità. Implica, infatti, oltre ai con­cetti pro­pri della respon­sa­bi­lità, da un lato, l’idea di non river­sare i fatti col­pe­vo­liz­zando qualcun’altro, e, dall’altro, l’idea di essere in prima per­sona proat­tivi, con volontà e capa­cità risolutiva. Ipotesi di lavoro che dovrebbe essere alla base di qualunque relazione, e dunque comunicazione, all&#8217;interno dell&#8217;impresa. 
A questo si affianca, quando del caso, il concetto di biasimo motivante. Idea apparentemente no-sense che invece se applicata è di assoluta efficacia. In base a tale principio infatti il biasimo, il rimprovero, se necessario, al dipendente, al collaboratore, non deve essere effettuato colpevolizzandolo bensì invitandolo a darsi la risposta giusta da solo. Se, ad esempio, una persona con la quale collaboriamo ha avuto un comportamento scorretto o inopportuno potremmo chiedergli cosa ne pensi di una persona che ha avuto il medesimo comportamento [&#8220;lei cosa ne penserebbe se una persona facesse xyz?&#8221;] affinché in tal modo sia egli stesso a biasimare il proprio comportamento e dunque, a parità di condizione, sia maggiormente motivato a non ripeterlo, a correggerlo.
In quest’ottica il biasimo può essere il punto di partenza di complessi processi riparativi e compensativi. Nella misura in cui è inteso come uno strumento per riparare una relazione morale può avere risultati di trasformazione. Questo succede normalmente, ad esempio, nell’esperienza genitoriale, nella quale la funzione chiave del biasimo è principalmente educativa e inclusiva, piuttosto che punitiva e correttiva. 
Nella comunicazione esterna da sempre la gestione dell&#8217;immagine positiva dell&#8217;impresa e della sua reputazione sono aspetti fondamentali. Elementi che, se possibile, hanno accresciuto la loro rilevanza con l&#8217;avvento della Rete prima e, soprattutto, dei social poi.
Si tratta di aspetti che vanno oltre la comunicazione pubblicitaria tradizionale per sconfinare nel <a href="http://www.ferpi.it/lufficio-stampa-e-morto-viva-lufficio-stampa/" target="_blank" rel="noopener">lavoro</a> degli addetti ufficio stampa e delle PR la cui complessità si è decisamente incrementata poiché, come noto, oggi non è più sufficiente controllare ed avere buone relazioni con pochi giornalisti ma è necessario mantenere un <a href="http://www.datamediahub.it/2015/05/25/social-search/#axzz3b27yYZGM" target="_blank" rel="noopener">monitoraggio della Rete</a>, identificare nodi e snodi, influencers e, soprattutto, costruire da un lato una strategia di comunicazione di crisi e, dall&#8217;altro lato, gestire quotidianamente la reputazione. 
La repu­ta­zione, di una per­sona, un’azienda o un brand, è tutto, è l’essenza ultima del valore, del cre­dito di cui gode e dun­que di ciò che è possibile. La repu­ta­zione di un sog­getto è la con­si­de­ra­zione o la stima di cui que­sto sog­getto gode nella società.  Esi­ste un pro­cesso pas­sivo nel quale ognuno si crea un’immagine, un’opinione di qual­cosa o di qualcuno. Esi­ste poi un pro­cesso attivo che è ciò che si è dispo­sti a testi­mo­niare pub­bli­ca­mente di qual­cosa e/o di qual­cuno. In ultima ana­lisi, la repu­ta­zione è la cre­di­bi­lità provata.
Esistono inoltre momenti di vita aziendale nei quali può essere necessario, o comunque &#8220;obbligatorio&#8221; comunicare cattive notizie relativamente all&#8217;impresa, si tratti di risultati economici non positivi o di eventi eccezionali che, ahimè, possono verificarsi. 
È in questi casi che l&#8217;implementazione di una buona strategia di employees engagement sui dipendenti dell&#8217;impresa diviene fondamentale. Infatti se il personale dell&#8217;impresa è coinvolto e soddisfatto assumerà un ruolo determinante nella difesa della reputazione in Rete con il proprio contributo che avrà, comunque sia, una credibilità di gran lunga superiore a quella ufficiale aziendale. Non è un caso se l&#8217;employees engagement viene definito come &#8220;top challenge&#8221;, come la sfida più importante da vincere secondo <a href="http://www.nationmultimedia.com/business/Employee-engagement-the-top-challenge-30260833.html" target="_blank" rel="noopener">i risultati</a> di un sondaggio condotto da Deloitte in 106 nazioni, Italia inclusa. 
La vera cattiva notizia sulle cattive notizie è che nel 2015 in Italia sono davvero una rarità le aziende, le organizzazioni, che sviluppano queste strategie e questi comportamenti virtuosi, il resto è possibile gestirlo adeguatamente.

La Cattiva Notizia sulle Notizie Cattive

Se raccogliessimo tutti i testi delle canzoni italiane che parlano di lavoro scopriremmo che c’è solo un mestiere che viene raccontato con empatia, calandosi del tutto nella parte e parlandone senza reticenze. Gran parte degli autori delle canzoni, così spesso deficitari e parziali quando si tratta di descrivere il mondo che li circonda dimostrano al contrario una forte capacità di analisi davanti allo specchio: quello che più volentieri cantano, quello per il quale si sfogano, è il loro: il mestiere di cantante.
Non sono pochi quelli che sottolineano l’epica della tournée: tra loro segnaliamo i Pooh di «Pronto, buongiorno, è la sveglia» (1978), che racconta una giornata di viaggio attraverso l’Italia cominciata in un albergo e terminata davanti al pubblico, e «Una città per cantare» di Ron, cover di «The Road», scritta ed incisa nel 1972 dal cantautore statunitense Danny O&#8217; Keefe, poi resa nota cinque anni più tardi da Jackson Browne, e infine tradotta da Lucio Dalla e incisa in italiano nel 1980.
<blockquote>
si parlerà del tempo se c&#8217;è pioggia non suonerai 
quante interurbane per dire “come stai?” 
raccontare dei successi e dei fischi non parlarne mai
</blockquote>
Come ogni lavoro, anche quello del cantante non è infatti esente da frustrazioni. C’è chi si sfoga come Alberto Fortis, che si permette di dileggiare il discografico romano Vincenzo Micocci in «Milano e Vincenzo» (1979)
<blockquote>
Vincenzo io t’ammazzerò, sei troppo stupido per vivere
</blockquote>
E c’è chi, come Edoardo Bennato, regala al pubblico un ritratto degli impresari lestofanti nell’immortale evergreen «Il gatto e la volpe» (1978), contenuta all’interno del concept album «Burattino Senza Fili». Le negoziazioni con gli organizzatori di importanti kermesse politiche sono invece al centro di «Sono solo canzonette» (1980):
<blockquote>
Gli impresari di partito mi hanno fatto un altro invito 
E hanno detto che finisce male 
se non vado pure io al raduno generale della grande festa nazionale! 
Hanno detto che non posso rifiutarmi proprio adesso 
che anche a loro devo il mio successo, 
che son pazzo e incosciente sono un irriconoscente 
un sovversivo, un mezzo criminale!
</blockquote>
Bennato sottolinea come cantare sia un’arte, non un mestiere, e quello del cantautore sia un mestiere che finisca per donargli una libertà ulteriore, quello di potersi esprimere senza mediazioni, pur a costo di rinunciare a carriere ben più prestigiose e remumerative, nonostante le aspettative del pubblico siano elevatissime, e da lui pretendano un comportamento infaticabile ed esemplare, come in «Cantautore» (1976)
<blockquote>
Tu sei saggio 
tu porti la verità 
tu non sei un comune mortale 
a te non è concesso barare 
tu sei un cantautore
</blockquote>
Francesco Guccini, Roberto Vecchioni e Marco Masini puntano violentemente il dito contro le esigenze dei discografici e dei critici, non lesinando di utilizzare un gergo volontariamente sopra le righe. Il cantautore di Pavana, nella sua «L’avvelenata» (1975) de la prende con le pretese dei critici, iniziando con una inaspettata dichiarazione di scoramento:
<blockquote>
Ma se io avessi previsto tutto questo, 
(dati cause e pretesto) le attuali conclusioni, 
credete che per questi quattro soldi, 
questa gloria da str***i, avrei scritto canzoni?
</blockquote>
In «Luci a San Siro» (1971) Vecchioni è mortificato dalle pretese dei discografici, che vorrebbero racconti di «sesso e prostituzione» (così la prima versione, poi modificata in «donne e buoncostume»), rivelandosi insensibili alle reali esigenze poetiche degli artisti. Marco Masini, nella sua «Vaffan***o» (1993) racconta il lato oscuro di di un mondo a cui si arriva con estrema difficoltà, e nel quale, una volta raggiunto il successo, occorre fare i conti con l’ipocrisia e l’invidia dei critici.
<blockquote>
… per uno che ci arriva quanti sono i fallimenti 
mi diceva quella gente che s&#8217;intende di canzoni 
«hai la faccia da perdente, mi dispiace non funzioni: 
«Masini, vaffan***o»
</blockquote>
L’incontro e le incomprensioni tra il mestiere del cantante e le diverse professionalità della discografia sono narrate in modo disincantato ed esaustivo da Claudio Lolli: nel 1972, appena ventiduenne, Lolli era stato presentato da Francesco Guccini all’attenzione della EMI. Cinque anni e quattro Long Playing dopo aveva abbandonato la sua prima casa discografica: nel primo e unico disco uscito per i tipi dell’etichetta indipendente Ultima Spiaggia racconta, nei versi dell’amara e disillusa «Autobiografia industriale», di quel primo giorno in cui il giovane bolognese che proponeva il suo repertorio nelle osterie cittadine aveva «messo piede alla EMI».
Il senso di straniamento del giovane verso l’ambiente umano della discografia milanese appare totale, dal direttore generale che si presenta con una captatio benevolentiae non richiesta e tesse paralleli tra il dissenso di Lolli e l’Arcipelago Gulag del dissidente sovietico Solzhenitsyn, all’ arrangiatore che ragiona secondo categorie commerciali ed etichetta le sue composizioni come «simpatici valzerini», al tecnico del suono, sprezzante al sentire «una voce da regno dei più, o da festival sotto suolo», fino al fotografo, che giudica la sua una «faccia da fesso».
«Sembravano tutti un po’ scemi», sentenzia Lolli, scambiato per il «garzone del bar», ma l’esperienza gli suggerirà che forse era proprio lui, «l’unico che si prendeva sul serio e restava anche male», a non avere compreso i meccanismi dell’industria culturale, nella quale gli intellettuali sono un prodotto di consumo come un qualsiasi superalcolico.
Playlist
<ol>
<li>Pooh &#8211; Pronto, buongiorno, è la sveglia (1978)</li>
<li>Ron &#8211; Una città per cantare (1980)</li>
<li>Alberto Fortis &#8211; Milano e Vincenzo (1979)</li>
<li>Edoardo Bennato &#8211; Sono solo canzonette (1980)</li>
<li>Edoardo Bennato &#8211; Cantautore (1976)</li>
<li>Francesco Guccini &#8211; L&#8217;avvelenata (1975)</li>
<li>Roberto Vecchioni &#8211; Luci a San Siro (1971)</li>
<li>Marco Masini &#8211; Vaffanc***o (1993)</li>
<li>Claudio Lolli &#8211; Autobiografia industriale (1977)</li>
</ol>

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Il mestiere dei cantanti

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