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Dov&#8217;è andato e come si è mosso il turismo in Italia nell&#8217;anno del lockdown? La risposta di SenzaFiltro, luogo per luogo, attraverso un viaggio in camper.

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Dov&#8217;è andato e come si è mosso il turismo in Italia nell&#8217;anno del lockdown? La risposta di SenzaFiltro, luogo per luogo, attraverso un viaggio in camper.

Numero 95 - Il turismo invisibile

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Numero 48 &#8211; A che lavoro giochiamo?

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Numero 91 &#8211; Chi fermerà la musica

Numero 91 - Chi fermerà la musica

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<h2>Amazon: cercasi militari</h2>
La notizia è davvero curiosa: per rafforzare la sua potente logistica Amazon cerca militari o ex militari. Ce lo racconta Riccardo Luna sul quotidiano la Repubblica: “Quando si dice che dietro ogni pacco di Amazon che ti arriva a casa puntuale anche con la neve o gli scioperi, c’è una ‘organizzazione militare’, adesso sappiamo che non è una battuta. Anche il fatto che nei magazzini ci sia un ‘clima da caserma’ forse non lo è. Dietro, c’è un ex ufficiale delle forze armate che ha scelto di levarsi la divisa e mettersi al servizio della società di Jeff Bezos. Anche in Italia. Il 6 febbraio su LinkedIn, il social network dei professionisti, è apparso un annuncio per la ricerca di un manager responsabile di produzione e logistica. Forse si tratta di una posizione legata ai nuovi magazzini di Rovigo e Colleferro che saranno operativi entro il 2020 (1400 posti di lavoro, una buona notizia). Il testo dell’annuncio non lo dice. Dice soltanto – in inglese – che è rivolto ‘a militari o ex militari’; che saranno valutati da ‘un apposito team di valutatori fatto di militari’”.
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<h2>Lavoro: l’economia non cresce, le morti sì</h2>
In una celebre vignetta di Altan degli anni Settanta un operaio diceva al suo collega Cipputi: “Hai sentito, l’economia è a crescita zero!”. “Già – rispondeva Cipputi – perché non hanno visto quanto sta crescendo il nostro giramento di balle”.
La stessa amara vignetta potrebbe essere la chiave di lettura di una tragedia che ammorba il nostro Paese: la morte sul lavoro, sempre in crescita malgrado la fase recessiva. I dati peggiori in Lombardia. Le scarne cifre mortuarie ce le racconta l’Ansa: “Prosegue in Lombardia l&#8217;aumento degli infortuni mortali sul lavoro ed è solo minimale la diminuzione degli incidenti totali”.
Gli ultimi dati Inail delle denunce di infortunio al mese di novembre e per il periodo gennaio-novembre 2019, evidenzia la Cisl Lombardia, confermano la drammatica tendenza rispetto allo stesso periodo 2018: gli infortuni mortali passano da 150 a 154. Gli incidenti scendono di 526 eventi (-0,4%) passando da 110.678 tra gennaio-novembre 2018 a 110.152 nel pari periodo 2019. In rapporto a tutte le altre regioni del Nord, quindi, la Lombardia conferma il suo triste primato di regione con il più alto numero di infortuni mortali, peraltro in aumento.
“Crediamo che il risultato di infortuni mortali zero possa essere un obiettivo reale, anche se certamente non semplice. Ma non può essere perseguito solo da chi rappresenta i lavoratori”, afferma Pierluigi Rancati, segretario regionale Cisl Lombardia con delega alla salute e sicurezza. “I dati ci dicono inequivocabilmente che la stessa attenzione non c&#8217;è da parte di tutti. La prevenzione e la tutela della salute e sicurezza sono un investimento e non un costo”.
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<h2>Quando i posti di lavoro scompaiono</h2>
Nel mondo delle imprese avvengono strane cose. Soprattutto quando si tratta di lavoro. Prendiamo due notizie, una lanciata dalle agenzie, l’altra pubblicata dal Fatto Quotidiano. La prima storia è assai singolare: una multinazionale svizzera assai nota, il gruppo Abb, decide di cedere un ramo d&#8217;azienda a un&#8217;altra multinazionale, la saudita Arkad. Fin qui tutto regolare. Peccato che su quel ramo d’azienda siano appollaiati una ventina di lavoratori della sede genovese di Abb (ora Arkad), impiegati nell’assai florido settore Oil&amp;Gas, che hanno visto scomparire il loro posto di lavoro.
L&#8217;operazione, avvenuta grazie a un accordo separato non sottoscritto dalla Fiom del 28 dicembre 2017, è stata inoltre dichiarata illegittima dal Tribunale di Genova, con sentenza 24 gennaio 2020. Il Tribunale ha intimato ad Abb di ripristinare i rapporti di lavoro, ma la saudita Arkad ha annunciato la chiusura della sede genovese entro il primo aprile, confermando in pieno le preoccupazioni dei sindacati sulla cessione.
La seconda storia è ancora più strana. Si tratta di un episodio avvenuto nell’universo dell’indotto Fiat-Chrysler di Melfi in Basilicata. L’azienda in questione è la Sapa Plastiche Melfi. In questo caso non sono scomparsi soltanto i posti di lavoro, ma anche la fabbrica. Un lunedì mattina i lavoratori, reduci dal tanto desiderato weekend, sono rientrati nel loro capannone e hanno trovato una bella sorpresa: la fabbrica era vuota, senza macchinari e attrezzature. L’azienda fa parte di un gruppo presieduto da Rosanna Lucia, nominata a giugno 2019 Cavaliere del Lavoro dal Presidente della Repubblica Sergio Mattarella.
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<h2>Cerchi lavoro e trovi lo stalker</h2>
Nei guai un toscano di 40 anni. L’Adnkronos racconta che l’uomo, secondo le indagini, negli ultimi mesi aveva molestato un sostanzioso numero di donne residenti in Campania, Puglia, Lombardia, Lazio e Toscana. Singolare il modus operandi: per sfogare le proprie pulsioni ricercava su un noto sito di e-commerce, utilizzato anche per proposte lavorative, numeri di telefono e fotografie di aspiranti babysitter, cassiere e commesse. Poi si proponeva come datore di lavoro e stabiliva un contatto telefonico che già dalla prima circostanza sfociava in turpiloqui e proposte sessuali. A far scoprire il molestatore seriale, peraltro già condannato per reati specifici, è stata una delle ultime vittime, una piccola imprenditrice della provincia di Arezzo.
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<h2>L’economia italiana è ferma ma in Lombardia e Toscana gli investimenti crescono</h2>
Stando alle ultime notizie che arrivano dal mercato del lavoro non ci sarebbe da stare allegri. La Cig aumenta, la disoccupazione anche, e il Pil scende. Ma pare che in Lombardia e Toscana le prospettive siano più rosee. Vediamo come.
Balzo per la Cigs, gridano gli ultimi bollettini dei sindacati. La Cassa Integrazione Straordinaria nei 12 mesi passati ha toccato il 30% di incremento, e le previsioni non annunciano nulla di buono. Dati drammatici confermati dagli ultimi resoconti Istat sull’occupazione che tuttavia, almeno in prospettiva, contrastano con le notizie che arrivano dalla Toscana e dalla Lombardia.
Secondo il Sole 24 ore da Firenze ad Arezzo, da Prato a Lucca, da Pisa fino a Siena, si inaugurano capannoni con macchinari e software innovativi. “Investono soprattutto le aziende della pelletteria e della farmaceutica”. 20.000 metri quadrati per le borse di Yves Saint Laurent a Scandicci, 40 milioni investiti da Fendi a Bagno a Ripoli, 20 milioni da Celine per una fabbrica a Radda in Chianti. Nuovi stabilimenti di Loro Piana e Bulgari a Firenze. Aprono concerie e fabbriche di accessori ad Arezzo, Montemurlo, Pistoia, Montevarchi. Nel settore farmaceutico si segnalano sette nuovi stabilimenti. Nel Senese Menarini investe sulla produzione di vaccini, e un’altra multinazionale – Eli Lilly – stanzia 100 milioni a Sesto Fiorentino.
Anche dalla Lombardia buone notizie. In otto anni sono 1.298 le aziende nate con il sostegno dell&#8217;amministrazione comunale di Milano e dei 34 milioni di euro investiti per far sviluppare startup innovative, imprese di vicinato e servizi capaci di migliorare la qualità della vita e la socialità nei quartieri non centrali. Di queste, il 50% sono proprio realtà di vicinato (390) e imprese innovative (263). Il totale delle quasi 1300 imprese sostenute ha permesso la creazione di 8.899 posti di lavoro, capaci di generare complessivamente un fatturato di oltre 1.4 miliardi di euro, con una media di 400.000 euro per impresa.
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<h2>Benetton ai lavoratori Autogrill: “A Natale si lavora!”</h2>
Per il gruppo Benetton, azionista di controllo di Autostrade e quindi anche degli autogrill, non ci sono soltanto i grandi guai, come la minaccia di revoca della concessione Autostrade, ma anche alcune piccole rogne sindacali.
Si legge in un comunicato sindacale: “Grave e ingiustificata presa di posizione da parte di Autogrill nei confronti dei propri dipendenti”. Questa la denuncia della Filcams Cgil. Il sindacato che rappresenta i lavoratori dei servizi accusa la multinazionale italiana di avere contestato e sospeso “numerosi lavoratori, per la quasi totalità donne e diversi delegati sindacali, per aver esercitato un diritto”.
Il tutto sarebbe accaduto negli ultimi giorni alla Riviera Sud, Stura Ovest, Villoresi Est, dove alcuni lavoratori sono stati puniti disciplinarmente “per essersi astenuti dalla prestazione festiva, nel corso del periodo natalizio. L’astensione dal lavoro festivo, però, è un diritto confermato da sentenze della magistratura in diversi gradi di giudizio e il lavoratore non è obbligato a prestare servizio”. Paradossalmente, Autogrill vanta la certificazione SA8000 (certificazione internazionale di qualità tra i cui requisiti è richiesto “il rispetto dei diritti dei lavoratori”).
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<h2>“Thalassemia, ostacolo insormontabile per trovare un lavoro?”</h2>
È il titolo di un articolo che compare sulla versione online dell’Unione Sarda. Il racconto di una giovane cagliaritana, Cinzia, che da quando gli è venuta la “balzana idea” di denunciare la sua malattia non ha trovato più lavoro.
“Mi chiamo Cinzia e ho 28 anni, fra qualche giorno 29, e scrivo questa lettera perché non so più a chi rivolgermi. Parto col dire che sono una ragazza talassemica e vivo a Cagliari. Ciononostante vorrei lavorare, ho bisogno di lavorare, eppure pare che la malattia sia un limite insormontabile a trovare qualsiasi tipo di occupazione… Sino ad oggi sono riuscita a trovare qualche temporaneo lavoretto nei bar, la notte, dove nonostante la malattia mi presentavo puntualmente tutte le sere, talvolta senza dormire perché ogni 3/4 volte al mese dovevo presentarmi in ospedale per le trasfusioni di routine. Questo ‘tour de force’ a cui mi sono sottoposta ha però poi iniziato a darmi pesanti problemi di salute perché non riuscivo, col tempo, a effettuare tutte le terapie a casa, ovvero attaccare una macchinetta che rilascia un farmaco gradualmente in 12 ore, quindi sono stata costretta a lasciarlo. E per maggiore correttezza ho poi deciso che avrei dovuto dichiarare, a ogni colloquio, la mia malattia. Il risultato? Solo porte in faccia. Mi chiedo: noi talassemici chiediamo solo mezza giornata di permesso, tre volte al mese, per curarci senza doverci più nascondere. È davvero troppo?”.

Amazon cerca militari da assumere, altro che droni

Le chiamano stabili ma di stabile le orchestre italiane hanno pochissimo; forse nemmeno i nervi, se l’Italia continua a trattarle così.
Sanremo è tra queste, in bilico tra la fatica del rinunciare a una portata di notorietà grossa come il Festival gestito con la Rai e la faccia di bronzo con cui ogni anno deve convincere i musicisti a suonare per la manifestazione canora dato che i suoi &#8211; quelli che suonano tutto l’anno nell’Orchestra sinfonica di Sanremo &#8211; sempre più se la danno a gambe viste le condizioni di sfruttamento. Per l’edizione 2020, dei 30 musicisti sul palco, solo un quinto fa parte degli &#8220;stabili&#8221; e ha accettato di andare al Festival.
Tra contatti e tentativi, siamo riusciti a raggiungere tre degli orchestrali che suoneranno a Sanremo 2020, parlare con loro è stato difficile su più piani. 
Intanto il tempo da rubare loro tra le prove, visto che sono quasi in ostaggio per più di quaranta giorni dalla mattina alla sera. Ma il vero ostacolo resta la riservatezza della fonte: a tutti ho chiesto se potessi rivelare i loro nomi, mi sono arrivati all’orecchio due no gentili e carichi di buoni motivi, tutti me lo hanno chiesto con quell’educazione che evidentemente la musica insegna e che non si può tradire. Di cose gravi da denunciare, però, in esclusiva a Senza Filtro ne hanno dette.
Franco Invidia è l’unico che parla con una bella libertà e fornisce un quadro molto utile e pulito dei meccanismi.
Lui è il primo violino della compagine musicale che vedremo in televisione. Lavora stabilmente nell’Orchestra sinfonica di Sanremo e ci tiene a sottolineare subito cosa voglia dire suonare invece per il Festival. Ha 53 anni e suona a Sanremo dal 1997, alle spalle aveva già il Teatro dell’Opera di Roma, Santa Cecilia e molto altro. Dal 2001 vive da sanremese ogni giorno dell’anno. “Ovviamente il nostro mestiere di musicisti dentro un’orchestra stabile è un lavoro totalmente diverso, concentrato solo in un paio di giorni di prove prima del concerto. Per il Festival iniziamo a Roma intorno al 3 gennaio con le prime prove che durano dieci, dodici giorni da circa 8-10 ore di lavoro al giorno: facciamo le prime letture dei brani e i cantanti iniziano per la prima volta a vedere i pezzi insieme a noi.
Ogni anno cambiamo la sede degli studi per esigenze Rai. Proviamo coi cantanti, proviamo gli attacchi, le sigle, le entrate degli ospiti. Per Sanremo entriamo dentro una macchina organizzativa mostruosa in cui non decidiamo nulla e nel lungo periodo di prove lavoriamo dalle 10 alle 21. Ogni due ore circa c’è un quarto d’ora di pausa e poi c’è la pausa pranzo di un’ora e mezza ma qui dentro si perde completamente la cognizione del tempo. Si entra di giorno con la luce e si esce di notte col buio, dopo aver passato un giorno con le cuffie e la musica nelle orecchie che vuol dire portarselo dietro anche di notte durante il sonno. Certo l’altro lato della medaglia è la particolarità dell’evento e anche la bellezza di farne parte di cui vado orgoglioso. Va poi spiegato che esistono due binari al Festival: quello dell’orchestra sinfonica che dipende direttamente dalla Fondazione Orchestra Sinfonica di Sanremo e quello dell’orchestra ritmica che viene chiamata direttamente dalla Rai (n.d.r.: ritmica vuol dire chitarre tastiere, bassi, pianoforte, percussioni)”.
Fondazione Orchestra Sinfonica di Sanremo, dietro cui c’è il Comune, tiene i fili di tutto: per capirci è il datore di lavoro degli orchestrali stabili. Le sovvenzioni arrivano da Stato, Regione (in piccola quota) e Comune di Sanremo: è quest’ultimo a investire di più in veste di socio fondatore ma è un più che negli anni ha virato progressivamente al meno. Anche la Rai per questa edizione ha ridotto la sue disponibilità e alla fine è il valore dato alla musica come mestiere che ne risente.
Quindi i vostri stipendi derivano da lì?
Sì, le sovvenzioni statali variano in base a ciò che produciamo durante l’anno, a come lavoriamo, alla qualità dei concerti. Possono scendere o salire.
Una sorta di premio produzione.
Esatto. Quest’anno ci hanno riconosciuto dei miglioramenti ed è aumentata la sovvenzione. Il Comune ogni tre o quattro anni fa una sorta di accordo per riallineare. Il nostro fisso resta comunque lo stipendio anche se è vero che negli ultimi sei anni la situazione non è stata semplice: siamo prima andati in contratti di solidarietà e ci siamo anche abbassati lo stipendio. 
Facendo un part time?
No, ci fu semplicemente una riduzione delle ore di lavoro e, di conseguenza, anche dello stipendio. Minor lavoro, minor guadagno.
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<h2 class="p3">Festival di Sanremo: vado o non vado?</h2>
La nota dolente tocca la questione degli “aggiunti”, sia perché la formazione stabile non avrebbe tutti gli strumentisti necessari per Sanremo, sia perché molti preferiscono non andare viste le retribuzioni. Gli aggiunti sono musicisti che conoscono già la dimensione del sinfonico perché a giro frequentano l’Orchestra di Sanremo durante l’anno per il repertorio dei classici.
Il nodo della questione è tutto qui: nel periodo del festival, l’attività dell’Orchestra stabile di Sanremo non viene interrotta, prosegue. I musicisti, però, possono scegliere se sospendere i lavoro annuale e “darsi alla televisione” o restare nell’ombra. Anche i riflettori di Sanremo hanno le loro ombre.
“Sì, alla fine ho deciso di venire per capire da dentro questa macchina&#8221;
Di età è tra i quaranta e i cinquanta e di musica tra le mani gliene è passata.
Che contratto viene fatto per il periodo di Sanremo?
Dipende se si ha già un contratto stabile o meno. Io, che ho una partita iva, prendo un forfettario e confesso che non è affatto entusiasmante quello che viene riconosciuto come retribuzione. Sono condizioni economiche assurde per la professionalità e la formazione che abbiamo alle spalle; credo vengano pagati meglio &#8211; con tutto il rispetto per il loro lavoro &#8211; gli addetti alle pulizie di Sanremo.
Avete un sindacato?
Dovrebbe essere l’Orchestra a farsi tutelare ma non è così, è evidente che non ha interesse a farlo. Quello che bisogna dire è che i titolari stabili che vanno anche a Sanremo non hanno lo stesso trattamento di noi aggiunti: nel loro caso c’è lo stipendio stabile e il cachet per il Festival ma non so davvero a quanto ammonti.
Anche per gli aggiunti è variabile?
No. Quello che varia, però, è la cassa da cui escono i soldi: l’orchestra classica del festival è pagata dalla Fondazione mentre l’orchestra ritmica è nel “libro paga “della Rai. Non ho mai capito fino in fondo il meccanismo con cui viene gestito il tutto. Anche per i musicisti della ritmica, pagati dalla Rai, ci sono quotazioni diverse.
Arriviamo al sodo: quanto prendete?
Circa 50 euro al giorno, 1930 euro lordi per i circa 40 giorni di lavoro, 180 euro di rimborso.
Si tratta di un rimborso settimanale?
Magari. Sono 180 euro per tutto il periodo, assurdo. 
Per gli aggiunti c’è la possibilità di scegliere se accettare vitto e alloggio a Roma o a Sanremo e ovviamente tutti scelgono la seconda opzione perché ci sono molti più giorni da coprire. Io fortunatamente ho il contatto con una signora che mi ospita sempre da quando faccio concerti anche a Roma quindi contengo i costi nella Capitale ma per molti vuol dire spendere buona parte del misero compenso. 
Altre brutte sorprese?
Nessuno mi aveva avvertito che il compenso viene pagato dopo un anno: ecco se avessi saputo questo non avrei mai accettato. A dire il vero anche l’orario eccede rispetto agli accordi che comunque restano sempre parecchio vaghi perché tanto chi accetta lo fa anche perché è Sanremo ed esserci diventa un vanto: suoniamo e proviamo dalle 10 del mattino fino alle 21 di sera e nei giorni di diretta iniziamo sempre alle 10 di mattinata tiriamo fino a notte. Sì, ci sono molti punti morti ma resti comunque a loro disposizione.
<h2 class="p3">La discrezionalità (tutta all’italiana) del Festival di Sanremo</h2>
A Sanremo succede spesso che a decidere non sia la misura uguale per tutti. Innegabile che lì dentro il lavoro assuma mille forme e si porti dietro percorsi di formazione e notorietà distinte, ma poco ha a che vedere con l’arbitrio sospetto con cui vengono gestiti alcuni anelli della catena.
L’Ufficio Stampa del Festival, gestito dalla Rai, è il primo.
Con la redazione di Senza Filtro possiamo testimoniarlo tramite il testo della loro mail in risposta alla nostra richiesta di accredito stampa 2020 dello scorso autunno.
“Quest’anno per accreditarsi sarà necessario ricevere prima “l’invito di accreditamento” che sarà recapitato in base alle certificazioni Audipress, Audiradio, Audiweb e anche alla disponibilità di capienza certificata delle sale stampa”. Quando riporto al terzo dei miei interlocutori le parole della mail firmata Rai, si mette a ridere e risponde: “Se vedeste che giro c’è a Sanremo, impallidireste. Entrano persone che non hanno niente a che vedere coi dati di ascolto e di lettura ma soprattutto si è arrivati a lasciare fuori dalle sale stampa o dal festival persone che ne avevano pieno diritto o professionisti attinenti alla manifestazione pur di far entrare chi si aveva interesse a mettere tra il pubblico”.
Anche gli studi Rai che vengono scelti a Roma per una parte delle giornate di prove iniziali destano qualche sospetto ai musicisti ormai veterani del Festival.
“Ormai conosco Sanremo da troppi anni per non essermi fatto un’idea coi miei colleghi. In media ogni anno la Rai ci porta in studi diversi, in zone diverse, e ogni anno ci sembra di aver scoperto finalmente l’ultimo studio ma puntualmente l’anno dopo ne arriva uno nuovo convenzionato con loro. Che poi, dei 10 giorni romani iniziali, 2 vengono dedicati a questi studi privati dove di fatto facciamo un lavoro che potremmo gestire direttamente a Sanremo e con strumentazioni e metodi ben più avanzati per garantire un risultato musicale eccellente visto il livello tecnologico avanzatissimo del Festival. In pratica non solo soldi persi ma anche tempo, e tutto per fare evidentemente favori a qualcuno. Non parliamo poi della disorganizzazione interna e dei 12 direttori che quest’anno gestiscono Sanremo: se fossero coordinati avrebbero anche senso di esistere ma, per come lavorano e ci fanno lavorare, sono davvero soldi buttati”.
Anche nei pagamenti la discrezionalità è di casa.
“C’è una differenza abissale tra certe paghe esorbitanti e noi. Non mi riferisco ai cachet dei personaggi famosi o degli ospiti, mi riferisco proprio ai compensi per i musicisti. Ci sono chitarristi che chiedono dai 350 euro ai 500 euro al giorno, da liberi professionisti prezzano liberamente la propria prestazione. Nel mondo della musica, noi della classica non siamo proprio considerati rispetto alla leggera. 
Qual è il contributo di strumenti classici dentro Sanremo?
Puramente scenico, come del resto buona parte del Festival dove c’è tanta finzione. Vogliono loro così, ci sono arrangiatori incompetenti, i direttori &#8211; che non sono direttori veri &#8211; fanno arrangiamenti col computer e non sfruttano minimamente le potenzialità di un’orchestra sinfonica e attribuiscono agli strumenti delle note che non hanno niente a che vedere con quello strumento. Per incompetenza non lo sanno valorizzare, vale per molti componenti dell’orchestra. Chitarra, chitarra elettrica, batteria e ottoni: ecco chi fanno muovere, e non ha senso per la musica.
Quanta competenza c’è tra chi fa girare la musica a Sanremo?
Pochissima. Spesso durante le prove ci guardiamo tra di noi perché ci troviamo davanti direttori che si perdono, che non riescono a fare una battuta in quattro. Essendo professionisti andiamo per conto nostro perché, se dovessimo seguire loro, andremmo fuori ad ogni battuta. Il pubblico non sa mica che a Sanremo abbiamo un clic nelle cuffie, un metronomo che ci dà il tempo battendo nelle orecchie. Anche i cantanti ce l’hanno. I direttori sono solo scenografici, credimi, perché sono arrangiatori prestati a coprire quel ruolo. Ce ne sono anche di validi, ovviamente, ma pochissimi.
Qui da musicista ho visto cose che mi fanno vergognare per un programma in visione mondiale.
Ma tu solitamente guardavi Sanremo?
Mai visto, non amo questo mondo. Diciamo che per una volta ho voluto vederlo da dentro, avendone la possibilità. Cerco almeno di prendere il buono dei rapporti e dell’esperienza fatta. La nostra politica ha svuotato di senso la musica in Italia, orchestre che chiudono e interi patrimoni culturali che rischiamo di perdere per sempre. Credo che il meccanismo malato dipenda anche da noi che conteniamo a dire sì e alimentiamo il sistema. Ora però scusami, devo chiudere perché devo rientrare dalla pausa, riprendiamo con la seconda parte di Nigiotti dopo Le Vibrazioni.
Chiudo il mio giro di telefonate con uno degli orchestrali raggiunto a singhiozzo durante le prove.
“Quando iniziai a suonare, il compenso per tutto il periodo di Sanremo era intorno ai 3.500 €, poi ci fu un primo brusco crollo ed eravamo nei primi anni Duemila. Ci mettemmo d’accordo tra tutti noi musicisti dell’Orchestra di Sanremo per non andare al Festival, insomma “fare cartello” in nome della musica ma fu una brutta esperienza perché ci dicevamo uniti a parole, nei fatti non fu così. Oggi il compenso è ridicolo eppure continuiamo ad accettare e chi non accetta suggerisce i nomi degli aggiunti al posto suo anche se poi è l’Orchestra che cerca e chiama i rimpiazzi. Ogni settore lavorativo ha bisogno di fortissima coesione dal basso se vuole progredire e farsi rispettare, evidentemente a Sanremo non è così. Anche per mangiare o andare in bagno abbiamo pause vergognose. Nessuno vede davvero la musica a Sanremo per quello che dovrebbe essere, così come non si ha interesse a vedere chi la vive e la costruisce ogni giorno in Italia con la fatica e lo sforzo di tenere in piedi un sistema come facciamo noi orchestrali. Tanti anni fa, in un’edizione condotta da Pippo Baudo, il Tg1 chiese la diretta per un saluto a venti minuti dal via della prima serata. Noi dovevamo ancora finire le prove e cambiarci e nessuno aveva avuto nemmeno il tempo di mangiare dalla mattina, il direttore era Pippo Caruso. Me lo ricorderò sempre a testimonianza non tanto di quanto ci fanno lavorare ma di quello che ci pagano per lavorare in questo modo”.
Sanremo non è quello che ci fanno vedere ma le polemiche interessano solo se toccano questioni inutili, buone per durare una settimana sui giornali e sui social e poi chi se le ricorda più fino all’anno dopo. C’è un lavoro che viene umiliato tutti gli anni, vestito in abito elegante dagli orchestrali di Sanremo. Li fanno sorridere a favore di telecamera, li fanno sembrare radiosi, qualcuno li invidia di suonare così attaccati al palco che sfavilla, i grandi artisti uno dopo l’altro in mano loro. Quante stonature, invece. Quante stecche, l’Italia.
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Foto di copertina: Larisa Birta

Sanremo pagati? Umiliato al Festival il lavoro degli orchestrali

Ascoltare musica è anche un gesto politico; lo è sempre stato, forse con altre sfumature.
Di questi tempi ce lo ricordano i mezzi di informazione e le strumentalizzazioni a seguire; negli ultimi anni lo incalzano anche i social network e le bolle in cui viviamo e ci informiamo. Oramai ci si schiera su tutto, figuriamoci sui pentagrammi che hanno già le file pronte.
Politica sarebbe una bella parola se non invadesse i campi e non spostasse interessi solo privati; anche la musica sarebbe una bella parola se dietro non nascondesse ombre cupe che ne oscurano la cultura del lavoro. 
Il Festival di Sanremo ne è una prova ma non lo fa vedere dal palco, bisogna andare a grattare sotto.
Sì, le luci e le scale, le paillettes e i clamori.
Sì, le sigle e gli stacchetti, i riti e i ricordi.
Quanta poca serietà ci sia dietro, e quanto scarso rispetto del lavoro, è un capitolo a parte.
Questo numero di Senza Filtro è stato lanciato in anteprima con <a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/sanremo-pagati-umiliato-al-festival-il-lavoro-degli-orchestrali/">l’intervista in esclusiva a tre degli orchestrali che saliranno sul palco dell’edizione 2020</a>: è stato difficile parlare con loro perché inglobati dalle prove, perché restii a raccontare, perché amareggiati dal modo con cui l’Italia strapazza la musica.
Sottopagati.
Pagati l’anno dopo.
Mal gestiti a livello organizzativo.
Supportati dalla tecnologia per bilanciare l’incompetenza dei direttori.
Testimoni degli sprechi e della discrezionalità che regna sovrana.
Non tutelati come si dovrebbe.
Non coesi al loro interno perché tutti si lamentano di Sanremo ma tutti hanno paura di parlarne.
Quest’anno il Festival compie settant’anni che per uno di noi dovrebbero già essere ben oltre l’età della saggezza e della responsabilità, a settant&#8217;anni si perdona ciò che si mette in conto a un ventenne: il problema è che il Festival ne combina da quando era ragazzo, e poi adulto. 
Nel libro di Filippo Ceccarelli pubblicato nel 2019 da Feltrinelli &#8211; Invano. Il potere in Italia da De Gasperi a questi qua, un capolavoro di cronaca e costume oltre che di memoria nazionale &#8211; mentre si raccontano gli anni Ottanta sbuca una pagina di illuminante supporto.
“Incalzata dalla neotelevisione commerciale berlusconiana, anche la vecchia Rai perse la sua vocazione materna, pedagogica e didascalica. Di veramente democristiano in pratica restò solo il Festival di Sanremo. Ma anche qui, se si esclude l’invenzione di quel modulo nazional-popolare di cui Pippo Baudo fu il massimo interprete, prevalse sempre l’aspetto di potere. Così Andreotti e il centrodestra sostennero fin quando fu possibile il patron Ezio Radaelli, mentre il suo rivale &#8211; Adriano Aragozzini, amico e compagno di scopetta del direttore generale Biagione Agnes &#8211; riuscì per qualche tempo a incarnare il trionfo televisivo demitiano. Nel frattempo ogni cantante veniva rigorosamente assimilato ai suoi referenti. Mino Reitano lo “portava&#8221; Gava, Flavia Fortunato era di Mastella (e un po’, per via dell’origine calabrese, pure di Misasi), Drupi passava per forlaniano, Casini sponsorizzava Mengoli, Pupo stava con Azione Popolare. E vai a sapere se era vero ma intanto le varie scuderie canore procedevano lungo quel diffuso mondo di feste che i maggiorenti avevano preso a organizzare a mo’ di patroni nei loro collegi elettorali, nei natii borghi selvaggi disseminati per l’umile Italia, spesso meridionale e non di rado terremotata. Oltretutto i democristiani seguitavano a mantenere la più salda presa su interi settori della società dello spettacolo da cui i craxiani erano esclusi, così come il mondo dello sport. Tutta gente abbastanza scafata rispetto ai modelli dell’austera età degasperiana. Andreotti mediò persino per il contratto di Falcao e Paolo Cirino Pomicino fece aprire i cancelli della Rai di Napoli per far assistere alle partite in bassa frequenza”.
Sanremo è innegabilmente una scacchiera politica, mediatica, sociale: c’è poco da perdonare, c’è molto da vergognarsi, c’è tutto da giocarsi tranne che la qualità che interessa a pochi. Irrilevante anche tutelare il lavoro, le competenze, il rispetto, i compensi, le pause, i tempi dei pagamenti, l’esperienza.
Il pubblico televisivo rinuncia sempre meno a Sanremo che, tutti lo sanno, insieme ai Mondiali di calcio è l’ultimo appello rimasto all’unità d’Italia: siamo messi malissimo. Della musica il Festival non incarna nulla ed è il motivo per cui in questo numero abbiamo solo preso ispirazione da lì per tracciare lo stato di salute del settore da capo a piedi.
La musica è piena di mestieri che vengono ingoiati dentro un disco. 
La distanza tra chi fa il musicista e chi il musicista lo ascolta è abissale.
Le orchestre italiane sono poche e hanno il fiato corto, i finanziamenti stanno all’osso, i ragazzi per fortuna si attaccano ancora alle scuole di musica perché ci specchiano il proprio domani e guai a chi osa toccarle o chiuderle: lo abbiamo registrato nelle piccole città di provincia come nelle metropoli di casa nostra e il segnale è forte.
Nessuno pretende che si faccia serio il gesto dell’ascoltare musica &#8211; uno dei momenti più personali, intimi, rappacificanti &#8211; ma nemmeno si può più far finta di niente davanti ad un’industria musicale italiana morta, pressata, monopolizzata dalle major internazionali.
Un decennio dopo l’altro anche la musica ha perso peso fino a farsi sparire il corpo e la fisicità, ha fatto la stessa strada dei soldi e dei rapporti umani in corsa verso la dematerializzazione come se l’essere tangibili potesse lasciare scomode tracce.
I pochi che restano seduti al cinema per leggere i titoli di coda forse sono gli stessi che vanno a cercare i nomi dell’arrangiatore, dello studio di produzione, del fotografo, dei musicisti uno ad uno che hanno dato forma e un ricordo alle note. 
Mara Maionchi, intervistata per l’occasione, fa una delle sue sintesi supreme: “Potrei dire che la musica è cambiata gerarchicamente ma la canzone per fortuna è rimasta”.
Chi ci aveva mai pensato alla gerarchia?
Le forme con cui il lavoro si organizza incidono pesantemente sui risultati.
Il Festival della canzone italiana sarà salvo finché troveranno un seppur minimo punto di contatto la Rai, la Fondazione Orchestra di Sanremo, i musicisti sfruttati, il Comune dei fiori, l’indifferenza del pubblico, il menefreghismo della politica, l’incompetenza dei dirigenti, la smania del solo gossip. 
Chi fermerà la musica.
Quelli che non si sbagliano.
Quelli che non si svegliano.

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Zolotti

Stefania Zolotti

Direttrice responsabile di SenzaFiltro e giornalista con il debole per le relazioni e le persone. Studiosa e appassionata di geografie umane e di paesi. Con la laurea in giurisprudenza non ha mai intrapreso le classiche strade: l&#8217;unico ufficio legale in cui ha lavorato è stato quello di Altroconsumo a Milano dal 2001 al 2003, con una parentesi nella sede di Bolzano grazie al patentino di bilinguismo tedesco. Dal 2002 Collabora come freelance con la rivista Business People e dal 2023 con Artribune dove racconta storie italiane di teatri di periferia. &#8220;Sentimenti precisi&#8221; è il nome del progetto con cui dal 2021 gira l&#8217;Italia tenendo laboratori contro i blocchi della scrittura: lo fa per aziende, associazioni, scuole, singole persone e gruppi. Dal 2008 al 2017 Responsabile Comunicazione e Segretaria di direzione per una grande azienda pubblica del settore ambiente dove ha sviluppato progetti di green marketing e di educazione sostenibile. Dal 2012 contribuisce a creare e coordinare progetti per la business community FiordiRisorse, che è anche l&#8217;Associazione editrice di SenzaFiltro. Autrice del libro &#8220;Ti fai male&#8221; (2020), romanzo generazionale scritto inizialmente come ghostwriter. Ha lavorato per 20 anni come giornalista nel campo del vino e del cibo collaborando con le principali testate nazionali e pubblicando due libri: &#8220;Vino a doppio senso. Guida ironica per uomini e donne&#8221; (Gabrio Marinelli Editore, 2006) e &#8220;Il Bicchiere mezzo pieno. Liberarsi dagli esperti è il primo passo per bere bene&#8221; (Le Lettere, 2020). L&#8217;ultimo libro, di cui è curatrice, è &#8220;Coaching, maneggiare con cura&#8221; di Carlo Bisi (Edizioni FiordiRisorse, 2023). &nbsp; E-mail: stefania.z@fiordirisorse.eu

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Editoriale 91. Chi fermerà la musica

Ascoltare musica è anche un gesto politico; lo è sempre stato, forse con altre sfumature. Di questi tempi ce lo ricordano i mezzi di informazione e le strumentalizzazioni a seguire; negli ultimi anni lo incalzano anche i social network e le bolle in cui viviamo e ci informiamo. Oramai ci si schiera su tutto, figuriamoci [&hellip;]

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seven

La conferma per l’intervista a Mara Maionchi mi raggiunge in macchina mentre vado a Bologna.
“Puoi chiamarla oggi alle quattro, ti aspetta. Tanto il numero ce l’hai già”.
Oggi alle quattro. 
Con la sua assistente &#8211; intrepida e di parola &#8211; ci eravamo scritte due anni fa, poi avevo chiamato Mara al cellulare senza sapere che fosse diventata nonna da pochi giorni e mi fece sentire di casa, seppure fossi una sconosciuta, raccontandomi sentimenti e dettagli. Avevo riprovato a sentirla l’anno scorso per un invito e avevo infine ritentato l’intervista poche settimane fa mandando una mail.
Oggi alle quattro era piombato come un regalo senza preavviso: non sai come sarà ma corri a prenderlo.
La parola talento non l’ho nemmeno sfiorata.
&#8220;Devo dirti che è difficile parlare oggi di cultura del lavoro perché il lavoro nel mondo musicale è completamente cambiato. Una volta c’erano le grandi case discografiche in cui si entrava a lavorare e ognuno faceva la sua parte, non mancavano rapporti con persone esterne che potevano essere arrangiatori, tecnici delle sale discografiche, produttori. Oggi i gruppi di lavoro si sono trasformati perché adesso trovi il produttore che lavora in proprio, coi suoi artisti in proprio i quali a loro volta rischiano anche in proprio. Il lavoro viene condotto secondo logiche completamente diverse: se la guardavi dal lato dei mestieri, prima la musica veniva sezionata e ognuno faceva la sua piccola parte. Sono cambiati proprio i rapporti: c’era la casa discografica, sotto c’era il direttore artistico e a cascata tante professioni anche libere e autonome ma spesso sganciate dagli altri&#8221;. 
Alcuni mestieri musicali sono scomparsi o sono stati assorbiti da altri?
Scomparsi no, assorbiti nemmeno. Sono cambiati.
Te lo spiego descrivendo il lavoro del produttore: era una figura che produceva per un grande gruppo, adesso produce per se stesso o direttamente per l’artista o per piccoli gruppi di lavoro che, insieme, coprono tutte le attività che vanno dal disco alla promozione alle serate nei locali.
Chiamiamoli anche manager; comunque sono un po’ i proprietari dell’artista che oggi può essere molto più autonomo rispetto al passato se pensiamo alla tecnologia, al digitale, alla fruizione.
Quando hai visto cambiare pelle alla musica?
Tutto si è accelerato una decina di anni fa, prima si riusciva ancora a riconoscere una fisionomia del passato.
Il cambio di passo sui metodi di lavoro ha inciso sui contenuti e sulla qualità della musica?
Direi di no, lo spero.
Qualche anello della filiera musicale avrà sofferto più di altri.
Senza dubbio le multinazionali rispetto ai piccoli gruppi.
Il disco in sé è svanito, è difficile vendere la parte registrata, si scarica tutto dal web. La musica si è fatta liquida, fisicamente non la maneggiamo più e per i prossimi anni credo continuerà ad essere immateriale.
Guardiamo a chi lavora, invisibile, dentro il sistema musicale. Esiste la parola carriera? Partiamo da te.
Io ho iniziato a lavorare nel ’59 per un’azienda di spedizioni internazionali, figuriamoci. Nella musica sono arrivata nel ’67 ma facendo tutt’altro, entrai nella segreteria di un ufficio stampa e lavoravo sugli artisti come sul prodotto disco come su qualsiasi altro tassello della filiera. Oggi sarebbe impensabile quello che facevo se non immaginandolo al seguito di un solo artista o di un solo genere che fa capo ad un gruppo di produzione. Dovessi iniziare oggi a lavorare nella musica, non saprei cosa fare.
Come ti hanno assunta?
Avevo risposto ad un annuncio sul Corriere della Sera, cercavano appunto una segretaria per l’ufficio stampa della Ariston, casa discografica nata a metà anni ’60 che gestiva nomi famosi come la Vanoni e Mino Reitano.
Incontrai il proprietario che mi fece qualche domanda, mi chiese se avessi esperienza e onestamente gli risposi che venivo da tutt’altro settore ma che avrei imparato in fretta. Ammetto che l’intraprendenza non mi è mai mancata, di attitudini ne avevo meno ma la curiosità mi ha salvata sempre. Carpivo ogni giorno il mestiere da chi lo faceva da tempo e lo faceva bene, sono cresciuta con quelli che facevano il mio lavoro prima di me.
A cavallo degli anni ’70 avrai vissuto trasformazioni epocali, anche nella musica.
Di sicuro. In quegli anni iniziava a cambiare tutto, ad ottobre del ’69 andai alla Numero Uno, per capirci era la casa di Battisti e Mogol e stava segnando il passo non solo per il modo di produrre ma proprio di cantare. Lucio aprì indubbiamente una porta nuova nel linguaggio musicale.
Fu il mio inizio nel mondo delle edizioni, secondo me la parte primaria nella vita degli artisti perché edizioni vuol dire canzoni, ricerca del testo, parole. Spesso si trattava di ascoltare l’artista e dare le tue impressioni, costruire insieme il valore del brano e il suo possibile mercato. Io non ho mai fatto arrangiamenti ma di certo quando arrivai da Battisti e Mogol avevo già iniziato ad affinare il gusto e l’intuizione verso ciò che un disco sarebbero potuto diventare; non a caso mi presero con loro perché avevo già portato a casa buoni risultati con la casa discografica di prima.
E poi ai miei tempi una casa discografica lavorava con artisti eterogenei e faceva uscire anche generi diversissimi tra loro, il produttore moderno lavora invece su un gusto e determina un genere, uno stile. Molto più complicato.
La sensazione è che la musica vada ormai di fretta, a caccia di successi veloci, bruciando.
Questa sì che è una grande differenza col passato: una volta si insisteva sull’artista; adesso, se ti bruci la prima possibilità, difficilmente ne avrai una seconda. 
Il mercato ha meno pazienza &#8211; che peccato &#8211; e non si può ritentare un disco. In questo Ennio Melis alla RCA fece scuola, grandi successi arrivati dopo il secondo o persino terzo disco. Lo stesso Battisti era partito come autore e finì per diventare un cantautore con Mogol che gli curava i testi.
C’erano più mezzi o meno paura di rischiare?
Indubbiamente più mezzi economici, fai conto che quando Melis partì coi cantautori aveva già avuto Morandi, la Pavone e tutti i cantanti della scuola romana di successo. Insomma poteva reinvestire, poteva permettersi di aspettare.
La musica data in pasto alla televisione ha ancora meno pazienza.
Nei programmi televisivi è quasi impossibile aspettare che il potenziale artista si esprima, sei tu a dover tener la barra dritta ogni tre o quattro giorni per portarlo ad esprimersi nella sua totalità. Difficilissimo stare dietro ai ritmi dello spettacolo senza sacrificare qualcosa o qualcuno.
A te comunque l’istinto non è mai mancato e professionalmente ci sei saputa crescere.
Giovani o meno giovani, classici o contemporanei, io mi diverto sempre quando c’è da tirar fuori un artista. Mi fa piacere che quest’anno vadano a Sanremo due ragazzi così diversi che ho tirato su io: Anastasio, rapper particolarissimo dalla grande raffinatezza nei testi, ed Enrico Nigiotti, più tradizionale ma dal grande spessore. Mi piace anche non perdere i contatti coi ragazzi che incrocio senza però interferire nel loro percorso musicale dato che sono seguiti da altri. Loro mi fanno sentire quello che realizzano, io rompo un po’ le scatole da lontano ma soprattutto li ascolto: ascoltare è la cosa che so fare meglio di questo mestiere da quando ho iniziato.
Impari certamente anche da loro.
Io ho continuamente bisogno di imparare, mi incuriosisce il modo di fare musica di oggi. Pensa che tempo fa feci un programma per Sky che si chiamava Mara impara, proprio perché c’era da prendere. Il prodotto musicale alla fine è uno solo, come ci si arriva non è più importante; il prodotto disco si è svuotato ma la canzone è tuttora la parte centrale del nostro mondo.
Potrei dire che la musica è cambiata gerarchicamente ma la canzone per fortuna è rimasta.
Quanto è cambiata la vendita di un disco?
Una volta ti bastava produrre, vendere un disco e potevi quasi stare a casa. Adesso la musica viene dall’aria, non la tocchi più, e ha bisogno di essere supportata dai concerti, dai contatti.
Scaricare con tanta facilità la musica, la svaluta?
No, lo dico con convinzione.
Il mestiere più sottovalutato e meno conosciuto.
Quello dell’autore, assolutamente. Un mestiere oscuro, messo poco in evidenza, anche perché chi canta finisce per impossessarsi del brano e farlo suo. A meno che non si tratti di un cantautore, l’interprete finisce per coprire l’autore ma anche questo fa parte del gioco della musica. Solo in un caso c’è da diffidare: quando l’artista copre l’autore ed espone se stesso magari coi gesti o con un certo modo di vestire o con uno stile. La canzone è tutto e lo sarà sempre, la canzone chiede coerenza e la chiederà sempre.

Mara Maionchi: &#8220;Dovessi iniziare oggi a lavorare nella musica, non saprei cosa fare&#8221;

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Le chiamano stabili ma di stabile le orchestre italiane hanno pochissimo; forse nemmeno i nervi, se l’Italia continua a trattarle così. Sanremo è tra queste, in bilico tra la fatica del rinunciare a una portata di notorietà grossa come il Festival gestito con la Rai e la faccia di bronzo con cui ogni anno deve [&hellip;]

Sanremo pagati? Umiliato al Festival il lavoro degli orchestrali - Informazione senza filtro

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“Ciao Claudia. Ti ho chiamato perché volevo proporti una conversazione per il quindicinale online Senza Filtro sull’industria discografica italiana, su come si muove un’etichetta indipendente come il Clan Celentano in un mondo ancora dominato dalle grandi multinazionali. Che ne dici?”
“Vuoi intervistare me o Adriano?”, mi chiede a bruciapelo Claudia.
“Voglio intervistare te, visto che come amministratore delegato del Clan hai una lunga esperienza del mondo discografico che mi pare risalga a circa 25 anni fa, quando ne prendesti le redini.”
La nostra conversazione è andata più o meno così. Anno di nascita 1944, romana, moglie di zio Adriano da oltre cinquant’anni, attrice, cantante, ideatrice e produttrice di fiction televisive tra cui, ad esempio, la vita di De Gasperi e di Einstein, amministratrice della casa discografica che Celentano fondò nei primi anni Sessanta: Claudia Mori conosce bene il mondo della musica e dello spettacolo, e ne conosce da vicino anche tutte le criticità. Dunque accetta volentieri di parlarne, come di consueto con una certa schiettezza.
“Oh, non chiamarmi zia, mi raccomando! Preferisco Claudia.”
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<a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/mori_celentano.png"><img class="size-full wp-image-35225 aligncenter" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/mori_celentano.png" alt="Claudia Mori e Adriano Celentano" width="716" height="685" /></a>
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Va bene, sarà fatto. E allora, Claudia, proviamo a partire dalla tua lunga esperienza alla direzione del Clan. Come si naviga tra Internet e le major? 
Tieni conto che l’esperienza del Clan è del tutto atipica rispetto al panorama discografico italiano. Intanto perché a capo di questa etichetta c’è un artista come Adriano, che da sessant’anni domina le scene della musica del nostro Paese; e poi, lo diciamo con orgoglio, il Clan resta l’unica etichetta totalmente italiana. Per dirla in altro modo siamo gli unici che hanno resistito alle grandi fusioni societarie operate dalle major negli anni passati. È rimasto, questo vorrei sottolineare, lo spirito e la volontà di indipendenza che ispirò Adriano nel 1962 quando dal nulla fondò il Clan. Quella stessa indipendenza, condita di imprevedibilità, che ha ispirato tutta la sua carriera artistica. E dato che credo che la musica sia una forma di cultura, io e Adriano siamo felici di aver contribuito per parte nostra alla ricchezza culturale e musicale del nostro Paese.
Mi stai dicendo però che il sistema oligopolistico delle major limita l’indipendenza. È davvero così? 
Sia chiaro, io non voglio demonizzare le grandi multinazionali. Anzi, credo che per un certo periodo abbiano avuto un ruolo positivo, hanno consentito a grandi artisti di emergere; ma è certo che il sistema di regole che viene instaurato da questo tipo di mercato così ristretto, così concentrato in poche grandi aziende straniere, pesa molto sia sul piano artistico e economico per chi vuole essere totalmente indipendente.
Fammi un esempio di un vincolo invalicabile. 
La prima cosa che mi viene in mente è che, per quanto tu possa essere indipendente, se vuoi mettere sul mercato il tuo prodotto devi passare dalla catena della distribuzione che è interamente nelle mani delle major.
C’è un’altra particolarità che vi caratterizza: il Clan è l’unica casa discografica ad avere soltanto un artista. Non avete mai pensato di promuovere la musica e cercare talenti tra le giovani generazioni? 
In passato lo abbiamo fatto, ma poi abbiamo deciso che non eravamo completamente liberi nelle nostre scelte e abbiamo rinunciato. D’altronde Adriano da solo è come una multinazionale, nella sua lunga carriera ha venduto qualcosa come 250 milioni di dischi. E poi, insisto, Adriano ci ha garantito comunque la massima indipendenza. Le sue scelte artistiche hanno sempre come faro l’indipendenza. Lo sanno molto bene in Rai quando è stato chiamato a fare show o interventi televisivi.
Tu però hai avuto un’esperienza di talent: sei stata giudice di X Factor e hai lanciato un artista come Marco Mengoni. 
Sì ricordo quella bella esperienza. Tra i giudici c’era anche Morgan, un artista che io amo molto. In quel caso lui rinunciò a Marco Mengoni. Io avevo un mio candidato che ho scartato per consentire a Mengoni di salvarsi e di emergere, avevo capito che lui aveva una marcia in più.
Stefano Senardi, in una conversazione che comparirà su questo numero di Senza Filtro, sostiene che il futuro della musica è tutto nella rete Internet. E che le major non hanno capito la dimensione di questa grande rivoluzione tecnologica. Tu sei d’accordo? 
Sì, credo anch’io che il futuro sia lì a portata di mano, in Internet, e che le major non abbiano capito la portata di questa tecnologia. Avvenne lo stesso per le radio libere. Però attenzione: all’inizio era tutto molto spontaneo nella rete internet, si lasciava molto spazio alla creatività. Se però Internet si struttura con regole troppo rigide e con vincoli di ogni genere si ritorna alla logica delle multinazionali. Detto questo credo che Senardi abbia ragione quando dice che i direttori artistici non esistono più. Con la nascita della rete Internet è cambiato radicalmente il rapporto tra pubblico e artisti. È il pubblico che decide chi ascoltare o guardare su YouTube.
Se tu dovessi dare un consiglio a un giovane che vuole fare il mestiere del cantante che cosa gli diresti?
Io in genere sono molto restia a dare consigli. Intanto per cantare bisogna essere intonati. Il tipo di voce non è la cosa più importante. Se proprio dovessi dare un consiglio a un giovane che vuole fare il cantante gli direi di mettersi davanti a un telefonino con i suoi strumenti e la sua voce e dare libero sfogo alla sua creatività e passione. Però anche qui attenzione: non è sempre un bene che non esistano più direttori artistici. Se un giovane artista riceve due milioni di like non è arrivato, è appena partito, e a quel punto ha bisogno di qualcuno che lo gestisca per consolidare il suo successo sulla rete.
Un’ultima riflessione: non mi pare che Adriano abbia utilizzato le grandi potenzialità della rete. Finora i suoi grandi successi si sono celebrati in tv. Come mai? 
Adriano ha un blog con moltissime visualizzazioni. Abbiamo provato a essere presenti su Facebook, ma poi ci siamo resi conto che era ingovernabile. Tuttavia possiamo dire che Adriano sta pensando seriamente a utilizzare la rete, e non escludo affatto che in un futuro vicino ci possano essere delle novità importanti.
Foto: Archivio privato Claudia Mori-Adriano Celentano

Claudia Mori, Clan Celentano: &#8220;Le multinazionali della musica? Pesano troppo sulla libertà&#8221;

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La conferma per l’intervista a Mara Maionchi mi raggiunge in macchina mentre vado a Bologna. “Puoi chiamarla oggi alle quattro, ti aspetta. Tanto il numero ce l’hai già”. Oggi alle quattro. Con la sua assistente &#8211; intrepida e di parola &#8211; ci eravamo scritte due anni fa, poi avevo chiamato Mara al cellulare senza sapere [&hellip;]

Mara Maionchi: &#8220;Dovessi iniziare oggi a lavorare nella musica, non saprei cosa fare&#8221; - Informazione senza filtro

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Tra pochi giorni avrà inizio la kermesse musicale più nota e seguita in Italia, con la sua coreografia di attese, dichiarazioni e scandali. Il Festival di Sanremo è materia di studio per la storia della televisione e della musica, e pochi lo conoscono bene come Edmondo “Eddy” Anselmi, uno dei più grandi esperti sul tema, con all&#8217;attivo tre libri sull’argomento. Eddy ricorda come nessun altro date, aneddoti, statistiche e partecipanti di ogni edizione, tanto da essersi guadagnato nell&#8217;ambiente giornalistico l&#8217;azzeccatissimo soprannome di “Wikipeddy”. L’ho incontrato per parlare del brand Sanremo e del lato B della manifestazione, giunta quest&#8217;anno alla settantesima edizione.
<figure id="attachment_35294" aria-describedby="caption-attachment-35294" style="width: 823px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/anselmi.jpg"><img class="wp-image-35294 size-large" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/anselmi-823x1024.jpg" alt="" width="823" height="1024" /></a><figcaption id="caption-attachment-35294" class="wp-caption-text">Edmondo &#8220;Eddy&#8221; Anselmi</figcaption></figure>
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Eddy, due parole su chi ha – e ha avuto – la responsabilità di organizzare questo evento annuale.
Il Festival vide la sua prima edizione nel 1951 ed ebbe luogo nel salone delle feste del Casinò di Sanremo. Nacque con l&#8217;obiettivo di rilanciare il turismo invernale della riviera e riempire il cartellone del Casinò nelle serate a bassa frequentazione. Le prime serate si svolsero dopo cena, con un palco posto di fronte a tavoli in cui gli spettatori bevevano liquori e cocktail, ma ci si dovette adoperare per riempire diversi tavoli rimasti vuoti reclutando spettatori tra gli avventori delle vicine sale da gioco. Il primo motore di questo evento fu Pier Busseti, titolare della società ATA che aveva in gestione il Casinò. Per l&#8217;organizzazione delle serate si susseguirono nei primi anni la RAI (d&#8217;accordo con il Casinò di Sanremo) e poi lo stesso Casinò di Sanremo; seguì la stagione degli anni Sessanta, con i grandi impresari di eventi dell&#8217;epoca (vedi ad esempio Gianni Ravera), mentre negli anni Settanta l&#8217;organizzazione passò prima sotto il Comune di Sanremo, e poi, dalla metà del decennio fino al 1993, ai c.d. “patron” (di nuovo Ravera, Salvetti, Aragozzini). Infine – dal 1994 – la RAI diventa protagonista a tutto tondo. Diversi sono stati i luoghi che hanno ospitato la manifestazione: il più popolare è stato certamente il teatro Ariston (che prende il nome dal suo primo proprietario Aristide Vacchino).
Come si “comunica” il Festival di Sanremo?
Il Festival di Sanremo – sembrerà incredibile – non ha un proprio logo. Diversamente da eventi come il Festival del Cinema di Cannes o l&#8217;Eurovision Song Contest, Sanremo non ha un proprio marchio depositato: ogni anno il logo viene ricreato per la manifestazione e ciò rappresenta indiscutibilmente un limite per la diffusione, la riconoscibilità e anche la promozione dell&#8217;evento. Spesso è mancata anche un’immagine coordinata tra le iniziative di comunicazione: la RAI agisce con una propria comunicazione che talvolta è risultata difforme da quella del Comune di Sanremo, titolare della manifestazione. È curioso notare che a oggi il Festival di Sanremo non gestisce il dominio festivaldisanremo.it e neppure il festivaldisanremo.com: la RAI gestisce sul proprio dominio rai.it uno spazio dedicato alla manifestazione. La RAI ha preso in considerazione internet solo nel 2003; i due domini sopra citati li avevo acquistati io nel 1998, trovandoli incredibilmente disponibili. Lo spazio sul sito RAI dedicato alla manifestazione si anima in prossimità del Festival, ma si cristallizza con la sua fine fino all&#8217;anno successivo. Stessa cosa per i social network gestiti dalla concessionaria RAI.
La maggior parte delle manifestazioni straniere gestiscono i loro siti e social network anche in inglese, dando un respiro internazionale agli eventi. Perché questa cosa non accade anche per Sanremo?
La fama internazionale del Festival è cambiata: un tempo la canzone italiana era conosciuta in tutto il mondo, i partecipanti venivano invitati a esibirsi in Giappone, in Sud America e in altri Paesi, incidendo anche i brani nella lingua locale. Sanremo dagli anni Novanta non è più un “mero” festival della canzone, anzi le canzoni sono forse il pretesto per costruire un grande evento televisivo e mediatico che si è arricchito sempre più di contenuti, oggi prevalenti sulla parte strettamente musicale. Riprodurre in diretta i contenuti del Festival – ad esempio in lingua inglese – sarebbe difficile: molte volte ci sono riferimenti a cronaca e costume locale che risulterebbero poco comprensibili per un pubblico straniero. Oggi il Festival è accessibile in streaming e attraverso il canale eurovisivo, ma esiste un vincolo per il quale non è possibile trasmettere sintesi della manifestazione: se un canale vuole trasmetterlo deve farlo per intero (indicativamente cinque ore per cinque serate). Non sarebbe quindi possibile estrapolare solo le canzoni e sintetizzare l&#8217;evento condividendone la sola parte musicale. Su YouTube la RAI può – per ragioni contrattuali con le case discografiche – trasmettere i video delle canzoni solo durante la manifestazione: terminato l&#8217;evento, i video delle esibizioni spariscono dal canale RAI di YouTube. Certamente questo canale potrebbe essere gestito sia in lingua italiana che in lingua inglese; ad oggi però nessuno se ne occupa. Analogamente gli altri social network ufficiali (ad esempio Twitter, Instagram, Facebook) non condividono contenuti se non in lingua italiana. Direi che manca un interesse economico degli organizzatori, essendo le performance misurate prevalentemente in termini di audience televisiva italiana.
Come si misurava e come si misura oggi il successo del Festival?
In passato il numero di dischi venduti delle canzoni del Festival era il principale termometro, e quindi il potere delle case discografiche era particolarmente rilevante. La trasformazione progressiva del Festival e del mercato discografico ha spostato il baricentro verso l&#8217;indicatore audience, che di fatto dal 2007 è diventato il principale metro di valutazione del successo del Festival. Certamente la manifestazione rappresenta ancora un grande business per la RAI, per l&#8217;intera città di Sanremo, per i tanti professionisti impegnati nella kermesse. Per gli artisti e le case discografiche il guadagno generato dal passaggio al Festival è decisamente ridimensionato rispetto al passato, ma resta certamente un&#8217;occasione di visibilità straordinaria.
Negli ultimi anni abbiamo assistito alla migrazione di eventi di indiscutibile rilevanza televisiva dalla RAI a piattaforme concorrenti, come per esempio la maggioranza delle manifestazioni sportive. Potrebbe succedere anche al Festival?
Titolare del Festival è oggi il Comune di Sanremo. Il Festival è gestito e trasmesso dalla RAI sulla base di una convenzione che scadrà nel 2021. Tale concessione prevede che la RAI riconosca al Comune tra i 3 e i 5 milioni di euro per ciascuna edizione. Se il Comune nei prossimi anni aprisse una gara, potrebbe virtualmente accadere che concorrenti della RAI possano subentrare nella concessione e magari rivoluzionare il format.
<figure id="attachment_35295" aria-describedby="caption-attachment-35295" style="width: 384px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/libro.jpg"><img class="wp-image-35295 size-full" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/libro.jpg" alt="" width="384" height="512" /></a><figcaption id="caption-attachment-35295" class="wp-caption-text">La copertina del libro &#8220;Il Festival di Sanremo&#8221;, di Edmondo &#8220;Eddy&#8221; Anselmi. De Agostini, 2020.</figcaption></figure>

Sanremo come brand

“Ciao Claudia. Ti ho chiamato perché volevo proporti una conversazione per il quindicinale online Senza Filtro sull’industria discografica italiana, su come si muove un’etichetta indipendente come il Clan Celentano in un mondo ancora dominato dalle grandi multinazionali. Che ne dici?”
“Vuoi intervistare me o Adriano?”, mi chiede a bruciapelo Claudia.
“Voglio intervistare te, visto che come amministratore delegato del Clan hai una lunga esperienza del mondo discografico che mi pare risalga a circa 25 anni fa, quando ne prendesti le redini.”
La nostra conversazione è andata più o meno così. Anno di nascita 1944, romana, moglie di zio Adriano da oltre cinquant’anni, attrice, cantante, ideatrice e produttrice di fiction televisive tra cui, ad esempio, la vita di De Gasperi e di Einstein, amministratrice della casa discografica che Celentano fondò nei primi anni Sessanta: Claudia Mori conosce bene il mondo della musica e dello spettacolo, e ne conosce da vicino anche tutte le criticità. Dunque accetta volentieri di parlarne, come di consueto con una certa schiettezza.
“Oh, non chiamarmi zia, mi raccomando! Preferisco Claudia.”
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<a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/mori_celentano.png"><img loading="lazy" decoding="async" class="size-full wp-image-35225 aligncenter" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/mori_celentano.png" alt="Claudia Mori e Adriano Celentano" width="716" height="685" /></a>
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Va bene, sarà fatto. E allora, Claudia, proviamo a partire dalla tua lunga esperienza alla direzione del Clan. Come si naviga tra Internet e le major? 
Tieni conto che l’esperienza del Clan è del tutto atipica rispetto al panorama discografico italiano. Intanto perché a capo di questa etichetta c’è un artista come Adriano, che da sessant’anni domina le scene della musica del nostro Paese; e poi, lo diciamo con orgoglio, il Clan resta l’unica etichetta totalmente italiana. Per dirla in altro modo siamo gli unici che hanno resistito alle grandi fusioni societarie operate dalle major negli anni passati. È rimasto, questo vorrei sottolineare, lo spirito e la volontà di indipendenza che ispirò Adriano nel 1962 quando dal nulla fondò il Clan. Quella stessa indipendenza, condita di imprevedibilità, che ha ispirato tutta la sua carriera artistica. E dato che credo che la musica sia una forma di cultura, io e Adriano siamo felici di aver contribuito per parte nostra alla ricchezza culturale e musicale del nostro Paese.
Mi stai dicendo però che il sistema oligopolistico delle major limita l’indipendenza. È davvero così? 
Sia chiaro, io non voglio demonizzare le grandi multinazionali. Anzi, credo che per un certo periodo abbiano avuto un ruolo positivo, hanno consentito a grandi artisti di emergere; ma è certo che il sistema di regole che viene instaurato da questo tipo di mercato così ristretto, così concentrato in poche grandi aziende straniere, pesa molto sia sul piano artistico e economico per chi vuole essere totalmente indipendente.
Fammi un esempio di un vincolo invalicabile. 
La prima cosa che mi viene in mente è che, per quanto tu possa essere indipendente, se vuoi mettere sul mercato il tuo prodotto devi passare dalla catena della distribuzione che è interamente nelle mani delle major.
C’è un’altra particolarità che vi caratterizza: il Clan è l’unica casa discografica ad avere soltanto un artista. Non avete mai pensato di promuovere la musica e cercare talenti tra le giovani generazioni? 
In passato lo abbiamo fatto, ma poi abbiamo deciso che non eravamo completamente liberi nelle nostre scelte e abbiamo rinunciato. D’altronde Adriano da solo è come una multinazionale, nella sua lunga carriera ha venduto qualcosa come 250 milioni di dischi. E poi, insisto, Adriano ci ha garantito comunque la massima indipendenza. Le sue scelte artistiche hanno sempre come faro l’indipendenza. Lo sanno molto bene in Rai quando è stato chiamato a fare show o interventi televisivi.
Tu però hai avuto un’esperienza di talent: sei stata giudice di X Factor e hai lanciato un artista come Marco Mengoni. 
Sì ricordo quella bella esperienza. Tra i giudici c’era anche Morgan, un artista che io amo molto. In quel caso lui rinunciò a Marco Mengoni. Io avevo un mio candidato che ho scartato per consentire a Mengoni di salvarsi e di emergere, avevo capito che lui aveva una marcia in più.
Stefano Senardi, in una conversazione che comparirà su questo numero di Senza Filtro, sostiene che il futuro della musica è tutto nella rete Internet. E che le major non hanno capito la dimensione di questa grande rivoluzione tecnologica. Tu sei d’accordo? 
Sì, credo anch’io che il futuro sia lì a portata di mano, in Internet, e che le major non abbiano capito la portata di questa tecnologia. Avvenne lo stesso per le radio libere. Però attenzione: all’inizio era tutto molto spontaneo nella rete internet, si lasciava molto spazio alla creatività. Se però Internet si struttura con regole troppo rigide e con vincoli di ogni genere si ritorna alla logica delle multinazionali. Detto questo credo che Senardi abbia ragione quando dice che i direttori artistici non esistono più. Con la nascita della rete Internet è cambiato radicalmente il rapporto tra pubblico e artisti. È il pubblico che decide chi ascoltare o guardare su YouTube.
Se tu dovessi dare un consiglio a un giovane che vuole fare il mestiere del cantante che cosa gli diresti?
Io in genere sono molto restia a dare consigli. Intanto per cantare bisogna essere intonati. Il tipo di voce non è la cosa più importante. Se proprio dovessi dare un consiglio a un giovane che vuole fare il cantante gli direi di mettersi davanti a un telefonino con i suoi strumenti e la sua voce e dare libero sfogo alla sua creatività e passione. Però anche qui attenzione: non è sempre un bene che non esistano più direttori artistici. Se un giovane artista riceve due milioni di like non è arrivato, è appena partito, e a quel punto ha bisogno di qualcuno che lo gestisca per consolidare il suo successo sulla rete.
Un’ultima riflessione: non mi pare che Adriano abbia utilizzato le grandi potenzialità della rete. Finora i suoi grandi successi si sono celebrati in tv. Come mai? 
Adriano ha un blog con moltissime visualizzazioni. Abbiamo provato a essere presenti su Facebook, ma poi ci siamo resi conto che era ingovernabile. Tuttavia possiamo dire che Adriano sta pensando seriamente a utilizzare la rete, e non escludo affatto che in un futuro vicino ci possano essere delle novità importanti.
Foto: Archivio privato Claudia Mori-Adriano Celentano

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Perini

Bruno Perini

E&#8217; nato a Milano il 21 novembre del 1950. Laureato in Lettere e Filosofia nel 1977 all’Università Statale di Milano con una tesi su Marx e l’economia volgare è diventato giornalista professionista nel 1987. Giornalista economico finanziario e politico giudiziario, ha lavorato per circa trent’anni al quotidiano il manifesto dove ha curato la cronaca finanziaria e dal 1992 al 2000 la cronaca giudiziaria durante l’inchiesta Mani Pulite. Per 6 anni ha lavorato all’agenzia di Stampa Asca come cronista giudiziario e per due anni ha lavorato al settimanale della Rcs Il Mondo. Ha lavorato per circa 6 anni al mensile Prima Comunicazione e per due anni ha lavorato nel gruppo Sole 24 ore dove scriveva articoli sul quotidiano e contemporaneamente conduceva la rassegna stampa di Radio 24 e una trasmissione con gli ascoltatori sui temi di attualità. Per due anni ha lavorato in un’agenzia di ufficio stampa dove teneva corsi di giornalismo per coloro che tenevano i rapporti con i clienti. Da circa 5 anni collabora con Senza Filtro sui temi del lavoro e cura la rubrica &#8220;8000 battute sul lavoro&#8221;. E’ appassionato di musica rock, di letteratura, di gialli e del gioco del biliardo. Nel 2004 ha scritto un giallo dal titolo “Richiamo di sangue”, nel 2010 una biografia di Adriano Celentano “Memorie di zio Adriano” e nel 2013 un Giallo dal titolo “le figlie del diavolo”.

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“Ciao Claudia. Ti ho chiamato perché volevo proporti una conversazione per il quindicinale online Senza Filtro sull’industria discografica italiana, su come si muove un’etichetta indipendente come il Clan Celentano in un mondo ancora dominato dalle grandi multinazionali. Che ne dici?” “Vuoi intervistare me o Adriano?”, mi chiede a bruciapelo Claudia. “Voglio intervistare te, visto che [&hellip;]

Claudia Mori, Clan Celentano: &#8220;Le multinazionali della musica? Pesano troppo sulla libertà&#8221; - Informazione senza filtro

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Adam Smith, padre fondatore del liberismo e teorico del libero mercato come toccasana dell’economia, si rivolterebbe nella tomba se soltanto potesse dare un’occhiata alla struttura proprietaria e gestionale dell’industria discografica italiana.
D’altronde, forse non c’è bisogno di scomodare il grande economista scozzese per scoprire nelle pieghe del mercato discografico italiano due gigantesche anomalie: un settore industriale dominato fin dalla sua nascita da un oligopolio sempre più ristretto e, cosa ancor più singolare, da un oligopolio di major multinazionali che hanno il loro quartier generale a Parigi, Tokio e New York. Verrebbe da dire, capovolgendo una frase piuttosto usurata di un ex ministro degli interni: prima gli stranieri.
Certo la FIMI, la Federazione dell’Industria Musicale Italiana associata alla Confindustria, è guidata dall’italiano Enzo Mazza, CEO della federazione, ma come è ovvio lo strapotere dei giganti stranieri resta determinante e influenza da decenni il mercato discografico italiano e internazionale.
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<h2>I tre giganti stranieri che dominano l’industria discografica italiana</h2>
Chi sono le “tre sorelle” della discografia? I colossi stranieri di cui stiamo parlando sono la Universal Music Group, statunitense ma attualmente controllata dal potente gruppo finanziario francese Vivendi, la giapponese Sony Music Entertainment e la statunitense Warner Music Group. Fino alla seconda metà del 2000 l’oligopolio era più allargato, comprendeva anche la tedesca Bmg e l’inglese Emi. Poi qualche anno fa la Sony si è mangiata la Bmg e la Warner ha conglobato la Emi.
Basta una percentuale per dare l’idea dell’influenza dei tre giganti: Sony, Universal e Warner controllano il 70% del mercato globale. Quando la rete internet ha stretto le sue potenti maglie attorno alla musica quella percentuale è diminuita circa del 2%, ma le multinazionali si sono rapidamente adeguate, anche se è cominciata una lenta liberalizzazione dovuta alla nascita di piccole realtà che si muovono nelle pieghe della rete.
Le corporation si occupano di produzione di contenuti musicali, attraverso accordi con musicisti e singoli gruppi, ma la loro vera forza sta nel monopolio della distribuzione; per cui anche gli artisti di alcune case indipendenti devono passare dalle multinazionali per quanto riguarda la distribuzione dei prodotti.
La struttura proprietaria e produttiva dei tre colossi è più articolata di quanto sembri: la produzione è suddivisa per tutte le compagnie in una rete di etichette (labels) di proprietà delle compagnie, che a loro volta possono essere articolate anch&#8217;esse in gruppi con altre sotto-etichette, e possono essere inoltre organizzate a livello mondiale con filiali nazionali.
Nelle aree sottostanti la geografia oligopolista spuntano poi le indies, compagnie indipendenti non legate dunque ai grandi gruppi. Due esempi tra le più note: il Clan Celentano guidato da Claudia Mori, che produce soltanto un artista ma del peso di Adriano Celentano, e la Sugar Music di Caterina Caselli, che produce invece artisti come Andrea Bocelli, Elisa, Negramaro, e altri artisti. Accanto a queste realtà indipendenti di media grandezza ce ne sono poi una miriade di più piccole che hanno prodotto magari un solo artista in un evento musicale.
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<h2>L’evoluzione del mercato musicale dal vinile allo streaming. E di nuovo al vinile</h2>
Ma come si è evoluto negli ultimi decenni il mercato della musica? Chi erano i protagonisti industriali? Ci vorrebbe una monografia soltanto per rispondere a questa domanda. Per grandi linee possiamo dire che se negli anni Sessanta dominavano i 45 giri divorati da quei mangiadischi di plastica che comparivano spesso nelle chiassose spiagge dell’Emilia-Romagna e permettevano una prima, rozza condivisione della musica, negli anni Settanta la condivisione avveniva attraverso le musicassette. Negli anni Ottanta e Novanta si assiste invece alla nascita e allo sviluppo dei cd, che aprono la strada alla tecnologia digitale e segnano l’addio al vinile.
I protagonisti industriali di questa epoca sono la Philips con le musicassette e la Sony con il walkman. Ma il vero mutamento, quella che assieme alla più grande trasformazione dell’industria discografica porterà con sé il crollo verticale della vendita di dischi e successivamente dei cd, è rappresentata dall’avvento della rete. Gli antesignani sono l’ingegnere italiano Leonardo Chiariglione, creatore dello standard video mp3, e Shawn Fenning, l’inventore del sistema Napster, che consentirà da quel momento la distribuzione semigratuita della musica su scala planetaria. Se quello fu un primo cambiamento radicale, la rivoluzione ancora in corso dell’industria della musica ha due padrini assai noti: Apple e Google, che assieme a YouTube aprono la strada allo streaming, considerato dagli esperti l’apice di questa rivoluzione tecnologica nel pianeta musica.
Per capire quanto sia radicale questa rivoluzione basta andare a spulciare qualche dato fornito dalla Federazione Industria Musicale Italiana per i primi sei mesi del 2019. Il mercato dello streaming musicale è letteralmente esploso negli ultimi anni. Soltanto lo streaming musicale rappresenta il 63% di tutti i ricavi dell’industria discografica italiana. In euro equivale a 54 milioni nel primo semestre dell’anno. Fimi ha registrato inoltre una crescita del 67% dei ricavi di tutta la musica che si avvale di spot pubblicitari per la sua diffusione, che hanno superato anche quelli del video-sharing, tuttavia aumentati del 7% rispetto allo stesso periodo del 2018.
La musica digitale rappresenta il 73% del mercato italiano e aumenta il proprio dominio sul mercato fisico, sceso del 26%. L’unico a resistere è il vinile, che nel semestre segna una crescita del 4,8%, rappresentando, da solo, il 31% del mercato dei supporti fisici. Il 27% del mercato complessivo è quindi ciò che resta alla musica distribuita su supporto fisico e che, rispetto ai primi sei mesi del 2018, perde il 12%.
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<h2>Stefano Senardi: “Il monopolio della distribuzione è a rischio. Il futuro è nella rete”</h2>
Quali sono le luci e le ombre di questo scenario? Siamo andati a trovare un personaggio che da decenni naviga tra i piani alti e i sotterranei della musica leggera, e che ci può aiutare a capire che cosa è davvero cambiato nel mondo della musica. Il suo identikit? Basti questa divertente curiosità: il figlio si chiama Matteo Alberto Bob Dylan Senardi. Lui invece si chiama Stefano Senardi, ha 64 anni ed è noto negli ambienti musicali come un geniale talent scout.
Quando era presidente della Polygram, un’etichetta discografica tedesca assorbita negli anni Novanta dalla Universal, Senardi ha gestito e contribuito al successo di Zucchero Fornaciari, Franco Battiato, Gianna Nannini e Lorenzo Giovanotti. Dopo la Polygram ha fondato una casa discografica indipendente, la Nun, ma dopo qualche anno ha deciso di lasciare la produzione musicale e dedicarsi alla consulenza. Lavora dietro le quinte di Che tempo che fa di Fabio Fazio, del Festival di Sanremo e di X Factor. Attualmente è il responsabile di 33 Giri, una trasmissione su Sky Arte composta da documentari sui grandi album musicali.
“I dati che mi hai citato sono veritieri: lo streaming è in grandissima crescita. L’esplosione dello streaming è l’ultimo atto di una trasformazione che è ancora in corso e che ha mutato il mestiere del cantante, il ruolo degli utenti e di tutti coloro che vivono nell’universo della musica.”
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<figure id="attachment_35268" aria-describedby="caption-attachment-35268" style="width: 512px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/senardi.jpg"><img class="wp-image-35268 size-full" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/senardi.jpg" alt="" width="512" height="341" /></a><figcaption id="caption-attachment-35268" class="wp-caption-text">Stefano Senardi, produttore musicale.</figcaption></figure>
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Come è mutato il pianeta musica a tuo parere? 
Partiamo da una semplice considerazione: lo streaming è regolato da un algoritmo che riesce a suggerire che cosa hai ascoltato, che cosa hai sentito, dove orientarti nelle tue scelte. È ormai un mondo orientato dal marketing che amplifica a dismisura gli orientamenti del pubblico, e quindi delle case discografiche. Il vecchio direttore artistico, in sostanza, non esiste più. E purtroppo con la scomparsa delle direzioni artistiche si affievoliscono anche la poesia e la creatività.
Un quadro sconsolante, direi. Mi fai venire in mente l’operazione fatta dagli U2 con Apple: bastava essere in possesso di un Mac per poter ascoltare l’album degli U2 gratis. Un modo elegante per escludere il pubblico. 
Sì è vero, quello è stato un esperimento iniziale che non credo si ripeterà. Diciamo invece che c’è anche un’altra faccia della medaglia, che è positiva e che comunque impone di adeguarsi alla rivoluzione tecnologica. Un dato inequivocabilmente rivoluzionario è che con l’avvento della rete è il pubblico a decidere le scelte di intrattenimento musicale, i gusti, i generi e gli artisti. Questo le major non l’hanno capito, purtroppo, e tentano ancora di farla da padrone perché hanno il grande potere della distribuzione su larga scala. Credo però che se non vogliono perdere il loro dominio dovranno adeguarsi in fretta, visto che Internet sta già diventando una rete naturale di distribuzione artistica. In rete negli ultimi anni sono nati e cresciuti piccoli canali digitali che danno la possibilità di far uscire allo scoperto nomi nuovi, artisti che riescono a mettere fuori la testa dal dominio del mainstream con pochi quattrini. Sono piccole community destinate a moltiplicarsi nella vastità della rete, che possono sottrarsi al dominio delle major e produrre cose nuove, come è avvenuto di recente. Anche perché le major vivono un momento di grande crisi epocale: non hanno risorse per la ricerca dei talenti, non si vendono più dischi, gli unici introiti sono i concerti live.
Che cosa suggeriresti a un giovane che vuole fare il mestiere del cantante? 
Direi di non sottovalutare la potenzialità della rete, le nicchie; di aggregarsi o di fondare nuove community. Basta una piccola struttura. Credo che il futuro sia lì.

Tutta straniera l&#8217;industria discografica italiana

Tra pochi giorni avrà inizio la kermesse musicale più nota e seguita in Italia, con la sua coreografia di attese, dichiarazioni e scandali. Il Festival di Sanremo è materia di studio per la storia della televisione e della musica, e pochi lo conoscono bene come Edmondo “Eddy” Anselmi, uno dei più grandi esperti sul tema, con all&#8217;attivo tre libri sull’argomento. Eddy ricorda come nessun altro date, aneddoti, statistiche e partecipanti di ogni edizione, tanto da essersi guadagnato nell&#8217;ambiente giornalistico l&#8217;azzeccatissimo soprannome di “Wikipeddy”. L’ho incontrato per parlare del brand Sanremo e del lato B della manifestazione, giunta quest&#8217;anno alla settantesima edizione.
<figure id="attachment_35294" aria-describedby="caption-attachment-35294" style="width: 823px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/anselmi.jpg"><img loading="lazy" decoding="async" class="wp-image-35294 size-large" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/anselmi-823x1024.jpg" alt="" width="823" height="1024" /></a><figcaption id="caption-attachment-35294" class="wp-caption-text">Edmondo &#8220;Eddy&#8221; Anselmi</figcaption></figure>
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Eddy, due parole su chi ha – e ha avuto – la responsabilità di organizzare questo evento annuale.
Il Festival vide la sua prima edizione nel 1951 ed ebbe luogo nel salone delle feste del Casinò di Sanremo. Nacque con l&#8217;obiettivo di rilanciare il turismo invernale della riviera e riempire il cartellone del Casinò nelle serate a bassa frequentazione. Le prime serate si svolsero dopo cena, con un palco posto di fronte a tavoli in cui gli spettatori bevevano liquori e cocktail, ma ci si dovette adoperare per riempire diversi tavoli rimasti vuoti reclutando spettatori tra gli avventori delle vicine sale da gioco. Il primo motore di questo evento fu Pier Busseti, titolare della società ATA che aveva in gestione il Casinò. Per l&#8217;organizzazione delle serate si susseguirono nei primi anni la RAI (d&#8217;accordo con il Casinò di Sanremo) e poi lo stesso Casinò di Sanremo; seguì la stagione degli anni Sessanta, con i grandi impresari di eventi dell&#8217;epoca (vedi ad esempio Gianni Ravera), mentre negli anni Settanta l&#8217;organizzazione passò prima sotto il Comune di Sanremo, e poi, dalla metà del decennio fino al 1993, ai c.d. “patron” (di nuovo Ravera, Salvetti, Aragozzini). Infine – dal 1994 – la RAI diventa protagonista a tutto tondo. Diversi sono stati i luoghi che hanno ospitato la manifestazione: il più popolare è stato certamente il teatro Ariston (che prende il nome dal suo primo proprietario Aristide Vacchino).
Come si “comunica” il Festival di Sanremo?
Il Festival di Sanremo – sembrerà incredibile – non ha un proprio logo. Diversamente da eventi come il Festival del Cinema di Cannes o l&#8217;Eurovision Song Contest, Sanremo non ha un proprio marchio depositato: ogni anno il logo viene ricreato per la manifestazione e ciò rappresenta indiscutibilmente un limite per la diffusione, la riconoscibilità e anche la promozione dell&#8217;evento. Spesso è mancata anche un’immagine coordinata tra le iniziative di comunicazione: la RAI agisce con una propria comunicazione che talvolta è risultata difforme da quella del Comune di Sanremo, titolare della manifestazione. È curioso notare che a oggi il Festival di Sanremo non gestisce il dominio festivaldisanremo.it e neppure il festivaldisanremo.com: la RAI gestisce sul proprio dominio rai.it uno spazio dedicato alla manifestazione. La RAI ha preso in considerazione internet solo nel 2003; i due domini sopra citati li avevo acquistati io nel 1998, trovandoli incredibilmente disponibili. Lo spazio sul sito RAI dedicato alla manifestazione si anima in prossimità del Festival, ma si cristallizza con la sua fine fino all&#8217;anno successivo. Stessa cosa per i social network gestiti dalla concessionaria RAI.
La maggior parte delle manifestazioni straniere gestiscono i loro siti e social network anche in inglese, dando un respiro internazionale agli eventi. Perché questa cosa non accade anche per Sanremo?
La fama internazionale del Festival è cambiata: un tempo la canzone italiana era conosciuta in tutto il mondo, i partecipanti venivano invitati a esibirsi in Giappone, in Sud America e in altri Paesi, incidendo anche i brani nella lingua locale. Sanremo dagli anni Novanta non è più un “mero” festival della canzone, anzi le canzoni sono forse il pretesto per costruire un grande evento televisivo e mediatico che si è arricchito sempre più di contenuti, oggi prevalenti sulla parte strettamente musicale. Riprodurre in diretta i contenuti del Festival – ad esempio in lingua inglese – sarebbe difficile: molte volte ci sono riferimenti a cronaca e costume locale che risulterebbero poco comprensibili per un pubblico straniero. Oggi il Festival è accessibile in streaming e attraverso il canale eurovisivo, ma esiste un vincolo per il quale non è possibile trasmettere sintesi della manifestazione: se un canale vuole trasmetterlo deve farlo per intero (indicativamente cinque ore per cinque serate). Non sarebbe quindi possibile estrapolare solo le canzoni e sintetizzare l&#8217;evento condividendone la sola parte musicale. Su YouTube la RAI può – per ragioni contrattuali con le case discografiche – trasmettere i video delle canzoni solo durante la manifestazione: terminato l&#8217;evento, i video delle esibizioni spariscono dal canale RAI di YouTube. Certamente questo canale potrebbe essere gestito sia in lingua italiana che in lingua inglese; ad oggi però nessuno se ne occupa. Analogamente gli altri social network ufficiali (ad esempio Twitter, Instagram, Facebook) non condividono contenuti se non in lingua italiana. Direi che manca un interesse economico degli organizzatori, essendo le performance misurate prevalentemente in termini di audience televisiva italiana.
Come si misurava e come si misura oggi il successo del Festival?
In passato il numero di dischi venduti delle canzoni del Festival era il principale termometro, e quindi il potere delle case discografiche era particolarmente rilevante. La trasformazione progressiva del Festival e del mercato discografico ha spostato il baricentro verso l&#8217;indicatore audience, che di fatto dal 2007 è diventato il principale metro di valutazione del successo del Festival. Certamente la manifestazione rappresenta ancora un grande business per la RAI, per l&#8217;intera città di Sanremo, per i tanti professionisti impegnati nella kermesse. Per gli artisti e le case discografiche il guadagno generato dal passaggio al Festival è decisamente ridimensionato rispetto al passato, ma resta certamente un&#8217;occasione di visibilità straordinaria.
Negli ultimi anni abbiamo assistito alla migrazione di eventi di indiscutibile rilevanza televisiva dalla RAI a piattaforme concorrenti, come per esempio la maggioranza delle manifestazioni sportive. Potrebbe succedere anche al Festival?
Titolare del Festival è oggi il Comune di Sanremo. Il Festival è gestito e trasmesso dalla RAI sulla base di una convenzione che scadrà nel 2021. Tale concessione prevede che la RAI riconosca al Comune tra i 3 e i 5 milioni di euro per ciascuna edizione. Se il Comune nei prossimi anni aprisse una gara, potrebbe virtualmente accadere che concorrenti della RAI possano subentrare nella concessione e magari rivoluzionare il format.
<figure id="attachment_35295" aria-describedby="caption-attachment-35295" style="width: 384px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/libro.jpg"><img loading="lazy" decoding="async" class="wp-image-35295 size-full" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/libro.jpg" alt="" width="384" height="512" /></a><figcaption id="caption-attachment-35295" class="wp-caption-text">La copertina del libro &#8220;Il Festival di Sanremo&#8221;, di Edmondo &#8220;Eddy&#8221; Anselmi. De Agostini, 2020.</figcaption></figure>

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Tra pochi giorni avrà inizio la kermesse musicale più nota e seguita in Italia, con la sua coreografia di attese, dichiarazioni e scandali. Il Festival di Sanremo è materia di studio per la storia della televisione e della musica, e pochi lo conoscono bene come Edmondo “Eddy” Anselmi, uno dei più grandi esperti sul tema, [&hellip;]

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Anche se essere “un italiano vero” ha un significato profondamente diverso da quello della versione originale, e anche se non c’è più “un partigiano come Presidente”, L’italiano tornerà sul palco dell’Ariston nella serata delle cover. Una delle più attese del Festival di Sanremo – è la puntata del giovedì – soprattutto per chi cerca nelle canzoni un contesto e un senso che va al di là del piacere di ascoltare una vecchia melodia. 
Perché la canzone che torna sul palco in cui è già stata è molto di più di una cover. Basti pensare alla sintonia perfetta di alcuni testi con alcuni periodi storici del nostro Paese. Nel 1987, ad esempio, trionfò a Sanremo Si può dare di più, una canzone che parlava di solidarietà, dell’egoismo e dei vuoti di una vita dedita solo al lavoro e alla produzione “cosa ti manca, cosa non hai, cos’è che insegui se non lo sai”, dell’obbligo morale di “dare di più, senza essere eroi”. Quella canzone, a pochi mesi dalla caduta del muro di Berlino, sembrò rivoluzionaria eppure così educata, soprattutto perché a cantarla furono Gianni Morandi, Enrico Ruggeri e Umberto Tozzi. Oltre a vincere il Festival con una sorta di plebiscito (non mancarono le grandi canzoni in quella edizione, e non è un caso che Almeno tu nell’universo diventerà dei brani più coverizzati di tutti i tempi), diventò l’inno dell’allora nascente nazionale cantanti. 
La ricetta era molto semplice: una canzone nazional popolare, un coro da stadio, la voglia di unirsi tutti quanti per fare qualcosa che smuovesse – o pulisse, a seconda dei punti di vista – le coscienze. Per molti anni Si può dare di più è diventata una canzone quasi banale, e nessuno si sarebbe mai sognato di cantare nuovamente di apertura e solidarietà senza metterci la rabbia e l’incazzatura che ci avrebbero messo circa trent’anni dopo Fabrizio Moro ed Ermal Meta in Non mi avete fatto niente. Eppure la politica di chiusura di molti Paesi europei, il razzismo che si palesa nelle discussioni sui social network, l’ostracismo verso forme di solidarietà come l’accoglienza, ha convinto Levante, Francesca Michielin e Maria Antonietta – già tre donne, a proposito di diversity – a ridare vigore a una delle canzoni più amate di Sanremo. E forse proprio il verso “risalendo vedrai, quanti cadono giù” potrebbe essere uno dei più simbolici della serata. 
 
<h2>Il circolo virtuoso del presente che recupera il passato</h2>
Gli americani, ma prima ancora di loro gli all black neozelandesi, parlano di legacy. È l’eredità, la visione, la capacità di tracciare un solco. In questo senso la serata cover della manifestazione più nazionalpopolare che conosciamo ci fa capire il valore di un contenuto e del contesto che lo ospita. 
Circa trent’anni fa, quando la memoria storica delle canzoni non era così vasta, la serata cover non esisteva. Al suo posto i primi duetti, con una peculiarità: il cantante in gara doveva farsi accompagnare da un artista straniero. Erano anni in cui Riccardo Cocciante, autore di Se stiamo insieme condivideva il palco con Dee Dee Bridgewater, e un monumentale Ray Charles si esibiva in Good love gone bad, traduzione de Gli amori di Toto Cotugno. 
Il segnale che il Festival mandava al mondo era molto chiaro: stiamo lavorando per far diventare “Il Festival della canzone italiana” qualcosa di più ambizioso, di più internazionale. Ma presto avremmo dovuto fare i conti con un budget ridotto e forse anche con i gusti dei telespettatori, che preferivano le strofe in italiano a quelle, assai più ambiziose per l’epoca, in inglese. Restano reperti storici, si trovano su YouTube e negli archivi Rai, come l’esecuzione di Nikka Costa in All for the love, reinterpretazione di Vattene amore. Per i cantanti stranieri fu inventato il nuovo ruolo di super ospiti e la cover internazionale, dopo qualche anno, fu sostituita con la serata dedicata ai duetti. 
Una bella intuizione, perché il featuring serviva (e serve) prima di tutto a moltiplicare i pubblici. Il rapper Marracash ne dà una definizione chiara e interessante, tra l’altro molto utile anche per il mondo del lavoro: “I featuring non sono attestati di stima. Non chiamo nel mio disco gli artisti che ammiro (non solo, e non tutti, almeno), ma quelli che possono aggiungere qualcosa alla traccia in cui sono ospiti, o che hanno talenti che io non ho”. 
Al significato artistico si accompagna quindi il senso commerciale. I featuring nel rap ci sono sempre stati. Si tratta di un genere in cui la competizione e la stima artistica si mescolano e in cui collaborare è qualcosa di molto naturale. Una formula che funziona molto bene nel mercato del lavoro di oggi, un mercato fatto di collaborazione e competizione, uno scenario in cui la parola partner è più efficace della parola competitor e in cui c’è sempre, ed è forse l’unica vera opzione che abbiamo, la possibilità di rifare meglio una cosa già fatta. 
T.S. Eliot diceva che “i poeti immaturi imitano; i poeti maturi rubano; i cattivi poeti rovinano ciò che prendono, mentre quello buoni ne traggono qualcosa di meglio, o almeno qualcosa di diverso”. Aggiungerei che se ci libera dal fardello di essere completamente originali si può smettere di provare a trarre cose dal nulla per accogliere le influenze invece di sfuggirle. Una lezione importante per i seguaci della novità a tutti i costi, che spesso sfocia nell’idea di start up innovativa, dove “innovativa” è sinonimo di vuota e nulla più.
 
<h2>Il valore delle cover a Sanremo. E in azienda</h2>
I duetti si sono successivamente trasformati in cover: le vecchie canzoni rassicurano, fanno cantare, ci ricordano momenti già vissuti e sono iper-contenuti. Ascoltare la nuova versione di E se domani ci permette di recuperare l’originale e crea un circolo virtuoso di ascolti e di diritti d’autore, aiutando anche le nuove generazioni, che certo non sono il target di Sanremo (ma i social servono anche a questo), a scoprire pezzi a loro sconosciuti. 
La scelta del gruppo I Pinguini Tattici Nucleari va in questa direzione, non una sola canzone, ma un medley di brani che hanno fatto la storia del festival: da Papaveri e papere, portata in scena da Nilla Pizzi nel 1952, fino ad arrivare a una canzone in gara nella scorsa edizione, Rolls Royce di Achille Lauro. Anche per rendere storici brani moderni, perché in fondo anche il contemporaneo, è bene ricordarselo, può far parte della storia. Le Vibrazioni portano sul palco dell’Ariston Un’emozione da poco, canzone di Anna Oxa diventata iconica per un pubblico molto più radical di quello dell’Ariston, come i fruitori del film Lo chiamavano Jeeg Robot. 
Sarebbe bello analizzare tutti i testi e la loro contemporaneità: scopriremmo probabilmente che <a href="https://open.spotify.com/playlist/3CLRgGetLy31u6T3DsjWrH?si=iKAcYQOMRPqcorRebaCDjw" target="_blank" rel="nofollow noopener noreferrer">alcune canzoni</a> sono molto più attuali oggi di quando furono scritte (Jannacci su tutti, con Se me lo dicevi prima: “Eh sto male e sto bene macché il lavoro e mica il lavoro”), o che altre ci raccontano storie diverse da quelle di una volta. La radio trasmetterà anche nel 2020 la canzone che Amedeo Minghi scrisse per Serenella, e magari saranno ancora gli americani ad ascoltarla, fermando per un attimo quel tempo fatto di rivoli e di messaggi vocali o stories su Instagram che ormai sono parte integrante dei testi delle nostre canzoni di oggi. Né meglio né peggio: soltanto modi differenti di utilizzare il linguaggio e di valorizzarlo. 
Dovremmo pensare a una giornata di cover anche nelle aziende: andare a riprendere vecchi progetti che hanno funzionato e far sì che diventino valorizzazione, approfondimento, riconoscimento, rielaborazione, mescolanza. Trovare nuovi interpreti e collaborazioni importanti, anche improbabili, senza dimenticarci mai di rendere omaggio all’autore di quel lavoro. 
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In copertina Achille Lauro sul palco dell’Ariston.

Se le imprese italiane si ispirassero alle cover di Sanremo

Adam Smith, padre fondatore del liberismo e teorico del libero mercato come toccasana dell’economia, si rivolterebbe nella tomba se soltanto potesse dare un’occhiata alla struttura proprietaria e gestionale dell’industria discografica italiana.
D’altronde, forse non c’è bisogno di scomodare il grande economista scozzese per scoprire nelle pieghe del mercato discografico italiano due gigantesche anomalie: un settore industriale dominato fin dalla sua nascita da un oligopolio sempre più ristretto e, cosa ancor più singolare, da un oligopolio di major multinazionali che hanno il loro quartier generale a Parigi, Tokio e New York. Verrebbe da dire, capovolgendo una frase piuttosto usurata di un ex ministro degli interni: prima gli stranieri.
Certo la FIMI, la Federazione dell’Industria Musicale Italiana associata alla Confindustria, è guidata dall’italiano Enzo Mazza, CEO della federazione, ma come è ovvio lo strapotere dei giganti stranieri resta determinante e influenza da decenni il mercato discografico italiano e internazionale.
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<h2>I tre giganti stranieri che dominano l’industria discografica italiana</h2>
Chi sono le “tre sorelle” della discografia? I colossi stranieri di cui stiamo parlando sono la Universal Music Group, statunitense ma attualmente controllata dal potente gruppo finanziario francese Vivendi, la giapponese Sony Music Entertainment e la statunitense Warner Music Group. Fino alla seconda metà del 2000 l’oligopolio era più allargato, comprendeva anche la tedesca Bmg e l’inglese Emi. Poi qualche anno fa la Sony si è mangiata la Bmg e la Warner ha conglobato la Emi.
Basta una percentuale per dare l’idea dell’influenza dei tre giganti: Sony, Universal e Warner controllano il 70% del mercato globale. Quando la rete internet ha stretto le sue potenti maglie attorno alla musica quella percentuale è diminuita circa del 2%, ma le multinazionali si sono rapidamente adeguate, anche se è cominciata una lenta liberalizzazione dovuta alla nascita di piccole realtà che si muovono nelle pieghe della rete.
Le corporation si occupano di produzione di contenuti musicali, attraverso accordi con musicisti e singoli gruppi, ma la loro vera forza sta nel monopolio della distribuzione; per cui anche gli artisti di alcune case indipendenti devono passare dalle multinazionali per quanto riguarda la distribuzione dei prodotti.
La struttura proprietaria e produttiva dei tre colossi è più articolata di quanto sembri: la produzione è suddivisa per tutte le compagnie in una rete di etichette (labels) di proprietà delle compagnie, che a loro volta possono essere articolate anch&#8217;esse in gruppi con altre sotto-etichette, e possono essere inoltre organizzate a livello mondiale con filiali nazionali.
Nelle aree sottostanti la geografia oligopolista spuntano poi le indies, compagnie indipendenti non legate dunque ai grandi gruppi. Due esempi tra le più note: il Clan Celentano guidato da Claudia Mori, che produce soltanto un artista ma del peso di Adriano Celentano, e la Sugar Music di Caterina Caselli, che produce invece artisti come Andrea Bocelli, Elisa, Negramaro, e altri artisti. Accanto a queste realtà indipendenti di media grandezza ce ne sono poi una miriade di più piccole che hanno prodotto magari un solo artista in un evento musicale.
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<h2>L’evoluzione del mercato musicale dal vinile allo streaming. E di nuovo al vinile</h2>
Ma come si è evoluto negli ultimi decenni il mercato della musica? Chi erano i protagonisti industriali? Ci vorrebbe una monografia soltanto per rispondere a questa domanda. Per grandi linee possiamo dire che se negli anni Sessanta dominavano i 45 giri divorati da quei mangiadischi di plastica che comparivano spesso nelle chiassose spiagge dell’Emilia-Romagna e permettevano una prima, rozza condivisione della musica, negli anni Settanta la condivisione avveniva attraverso le musicassette. Negli anni Ottanta e Novanta si assiste invece alla nascita e allo sviluppo dei cd, che aprono la strada alla tecnologia digitale e segnano l’addio al vinile.
I protagonisti industriali di questa epoca sono la Philips con le musicassette e la Sony con il walkman. Ma il vero mutamento, quella che assieme alla più grande trasformazione dell’industria discografica porterà con sé il crollo verticale della vendita di dischi e successivamente dei cd, è rappresentata dall’avvento della rete. Gli antesignani sono l’ingegnere italiano Leonardo Chiariglione, creatore dello standard video mp3, e Shawn Fenning, l’inventore del sistema Napster, che consentirà da quel momento la distribuzione semigratuita della musica su scala planetaria. Se quello fu un primo cambiamento radicale, la rivoluzione ancora in corso dell’industria della musica ha due padrini assai noti: Apple e Google, che assieme a YouTube aprono la strada allo streaming, considerato dagli esperti l’apice di questa rivoluzione tecnologica nel pianeta musica.
Per capire quanto sia radicale questa rivoluzione basta andare a spulciare qualche dato fornito dalla Federazione Industria Musicale Italiana per i primi sei mesi del 2019. Il mercato dello streaming musicale è letteralmente esploso negli ultimi anni. Soltanto lo streaming musicale rappresenta il 63% di tutti i ricavi dell’industria discografica italiana. In euro equivale a 54 milioni nel primo semestre dell’anno. Fimi ha registrato inoltre una crescita del 67% dei ricavi di tutta la musica che si avvale di spot pubblicitari per la sua diffusione, che hanno superato anche quelli del video-sharing, tuttavia aumentati del 7% rispetto allo stesso periodo del 2018.
La musica digitale rappresenta il 73% del mercato italiano e aumenta il proprio dominio sul mercato fisico, sceso del 26%. L’unico a resistere è il vinile, che nel semestre segna una crescita del 4,8%, rappresentando, da solo, il 31% del mercato dei supporti fisici. Il 27% del mercato complessivo è quindi ciò che resta alla musica distribuita su supporto fisico e che, rispetto ai primi sei mesi del 2018, perde il 12%.
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<h2>Stefano Senardi: “Il monopolio della distribuzione è a rischio. Il futuro è nella rete”</h2>
Quali sono le luci e le ombre di questo scenario? Siamo andati a trovare un personaggio che da decenni naviga tra i piani alti e i sotterranei della musica leggera, e che ci può aiutare a capire che cosa è davvero cambiato nel mondo della musica. Il suo identikit? Basti questa divertente curiosità: il figlio si chiama Matteo Alberto Bob Dylan Senardi. Lui invece si chiama Stefano Senardi, ha 64 anni ed è noto negli ambienti musicali come un geniale talent scout.
Quando era presidente della Polygram, un’etichetta discografica tedesca assorbita negli anni Novanta dalla Universal, Senardi ha gestito e contribuito al successo di Zucchero Fornaciari, Franco Battiato, Gianna Nannini e Lorenzo Giovanotti. Dopo la Polygram ha fondato una casa discografica indipendente, la Nun, ma dopo qualche anno ha deciso di lasciare la produzione musicale e dedicarsi alla consulenza. Lavora dietro le quinte di Che tempo che fa di Fabio Fazio, del Festival di Sanremo e di X Factor. Attualmente è il responsabile di 33 Giri, una trasmissione su Sky Arte composta da documentari sui grandi album musicali.
“I dati che mi hai citato sono veritieri: lo streaming è in grandissima crescita. L’esplosione dello streaming è l’ultimo atto di una trasformazione che è ancora in corso e che ha mutato il mestiere del cantante, il ruolo degli utenti e di tutti coloro che vivono nell’universo della musica.”
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<figure id="attachment_35268" aria-describedby="caption-attachment-35268" style="width: 512px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/senardi.jpg"><img loading="lazy" decoding="async" class="wp-image-35268 size-full" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/senardi.jpg" alt="" width="512" height="341" /></a><figcaption id="caption-attachment-35268" class="wp-caption-text">Stefano Senardi, produttore musicale.</figcaption></figure>
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Come è mutato il pianeta musica a tuo parere? 
Partiamo da una semplice considerazione: lo streaming è regolato da un algoritmo che riesce a suggerire che cosa hai ascoltato, che cosa hai sentito, dove orientarti nelle tue scelte. È ormai un mondo orientato dal marketing che amplifica a dismisura gli orientamenti del pubblico, e quindi delle case discografiche. Il vecchio direttore artistico, in sostanza, non esiste più. E purtroppo con la scomparsa delle direzioni artistiche si affievoliscono anche la poesia e la creatività.
Un quadro sconsolante, direi. Mi fai venire in mente l’operazione fatta dagli U2 con Apple: bastava essere in possesso di un Mac per poter ascoltare l’album degli U2 gratis. Un modo elegante per escludere il pubblico. 
Sì è vero, quello è stato un esperimento iniziale che non credo si ripeterà. Diciamo invece che c’è anche un’altra faccia della medaglia, che è positiva e che comunque impone di adeguarsi alla rivoluzione tecnologica. Un dato inequivocabilmente rivoluzionario è che con l’avvento della rete è il pubblico a decidere le scelte di intrattenimento musicale, i gusti, i generi e gli artisti. Questo le major non l’hanno capito, purtroppo, e tentano ancora di farla da padrone perché hanno il grande potere della distribuzione su larga scala. Credo però che se non vogliono perdere il loro dominio dovranno adeguarsi in fretta, visto che Internet sta già diventando una rete naturale di distribuzione artistica. In rete negli ultimi anni sono nati e cresciuti piccoli canali digitali che danno la possibilità di far uscire allo scoperto nomi nuovi, artisti che riescono a mettere fuori la testa dal dominio del mainstream con pochi quattrini. Sono piccole community destinate a moltiplicarsi nella vastità della rete, che possono sottrarsi al dominio delle major e produrre cose nuove, come è avvenuto di recente. Anche perché le major vivono un momento di grande crisi epocale: non hanno risorse per la ricerca dei talenti, non si vendono più dischi, gli unici introiti sono i concerti live.
Che cosa suggeriresti a un giovane che vuole fare il mestiere del cantante? 
Direi di non sottovalutare la potenzialità della rete, le nicchie; di aggregarsi o di fondare nuove community. Basta una piccola struttura. Credo che il futuro sia lì.

Adam Smith, padre fondatore del liberismo e teorico del libero mercato come toccasana dell’economia, si rivolterebbe nella tomba se soltanto potesse dare un’occhiata alla struttura proprietaria e gestionale dell’industria discografica italiana. D’altronde, forse non c’è bisogno di scomodare il grande economista scozzese per scoprire nelle pieghe del mercato discografico italiano due gigantesche anomalie: un settore [&hellip;]

Tutta straniera l&#8217;industria discografica italiana - Informazione senza filtro

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Mattia Toccaceli, marchigiano classe ‘88, rientra tra quelle figure che non è possibile imprigionare in un’unica categoria. Emilie Wapnick lo definirebbe un multipotenziale. Un ragazzo che ha accettato questa molteplicità di sfaccettature, scegliendo di metterla a completo servizio della musica.
“Non so definirmi. Sulla mia pagina Facebook ho scelto regista, ma basta scorrere le foto per capire non si tratta solo di quello”. Regista, autore e media manager sono infatti professionalità distanti tra loro, ma che si ritrovano a convivere nella mente e nel cuore di chi è cresciuto con i dischi dei Pearl Jam e la profonda convinzione che una storia possa davvero cambiare il mondo.
“Ascoltavo i loro dischi e quelli dei grandi cantautori italiani, in auto con mio padre. Lì ho capito che la forza che ti dà uno strumento è quella di poter cambiare il mondo.”
Per il viaggio di Mattia però la meta è ancora sconosciuta. Ha attraversato molti mondi, facendo pit stop in radio e tv e incrociando i passi con i grandi dello spettacolo italiano. Nel suo costante peregrinare non è chiaro se insegua o anticipi; la cosa certa è che a ogni passo si ferma per raccogliere una storia da raccontare e proseguire con un ricordo in più. Una storia, la sua, che inizia a Castelfidardo, la patria della fisarmonica, quando capisce di non poter diventare un calciatore professionista e decide di dedicarsi completamente alla musica.
“Ero bravo a giocare, ma non ci ho messo molto a capire che non avrei potuto fare del calcio il mio lavoro. Così a 14 anni ho iniziato a suonare la chitarra e il pianoforte, ma soprattutto a scrivere i testi che interpretavo. Avevo capito che ciò che avevo a cuore era comunicare alle persone.”
Da lì per Mattia è iniziata un’avventura che lo porta, con varie vesti, a frequentare gli ambienti più esclusivi della musica italiana. Durante gli anni del liceo fonda una delle prime web radio italiane per promuovere i suoi brani; poi passa a Radio2 e transita al Maurizio Costanzo Show come assistente di regia audio. Lì, accordando una chitarra, lascia scoprire la sua musica a Christophe Balabanis e Paolo Baldan Bembo, che decidono di produrre un suo disco dal titolo Il Funambolo.
“Avevo sempre visto il Maurizio Costanzo Show sul divano, in mezzo ai miei genitori, ed essere al Teatro Parioli è stato fantastico. Ricordo che rimasi impressionato perché era molto più piccolo di quanto sembrasse in tv. La figura di Costanzo invece era enorme. Si vociferava che il silenzio riguardo un nuovo assunto era il simbolo della sua accettazione. Su di me non disse mai nulla, mi aveva accettato nel team.”
Contemporaneamente ai lavori in tv e nel mondo operistico dei grandi teatri, prosegue gli studi in ambito digital e si affaccia al mondo della regia video, non trascurando la sua vocazione autoriale: “Dopo il Maurizio Costanzo Show ho iniziato a lavorare con le case discografiche come autore e regista. Mi è sempre piaciuto creare. Poi si sono aggiunti i teatri perché mi ero reso conto di aver, in un certo senso, creato la figura del media manager.” Ma un punto di svolta del suo percorso è l’incontro con Michele Monina, uno dei più affermati critici musicali italiani.
“La fortuna ha voluto che con Michele ci completassimo. Lui è un uomo e un professionista strepitoso, ma era un po’ carente sui nuovi media, e ha trovato in me una spalla sulla quale fare affidamento. Dalla collaborazione è nata un&#8217;amicizia, e si sa che tra amici si può creare di tutto.”
Oggi fanno coppia fissa realizzando produzioni per Il Fatto Quotidiano, Rolling Stones Italia e RTL 102.5, coinvolgendo artisti del calibro di Enrico Ruggeri, Ermal Meta, i Negrita o Gigi d’Alessio. “La soddisfazione più grande è pensare un format folle (come quello con Michele che dorme e in sogno gli appare un noto cantante che esegue una sua hit musicata da tre musiciste che suonano strumenti giocattolo), proporlo agli artisti e vederli entusiasti nell’accettare la sfida”.
Poi c’è Sanremo, un Festival che è diventato una seconda casa per Michele e Mattia. “Andiamo a ogni edizione e facciamo sempre un sacco di casino, quest’anno saremo sempre in diretta. Lì ho scoperto, e imparato ad apprezzare, il mondo del mainstream. E poi c’è tutto il backstage: per me che sono romanista vedere un derby con Alex Britti e Daniele Silvestri (romanisti anche loro) è una cosa che non ha prezzo”.
Oltre all’impegno nel Festival, Mattia oggi scrive programmi tv, brani, dirige tecnici e artisti e ogni tanto presenta eventi dal vivo. Sembrano tasselli lontani di un puzzle disordinato a tema musicale: “È la forza della trasformazione che alla fine mi appassiona più di ogni cosa, ho bisogno di vivere di stimoli sempre nuovi.”
Per questo numero di Senza Filtro lo abbiamo raggiunto per lasciarci raccontare la sua storia e provare a entrare nel suo osservatorio privilegiato sul panorama musicale italiano.
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Io sono nato a metà tra le cassette audio e i cd, ma ricordo bene l’emozione di entrare nel negozio di dischi. Oggi tutta la musica del mondo è a portata di tap. Pensi sia un bene o un male?
Purtroppo credo sia un male. Avere tutto significa non solo togliere attenzione ma anche, paradossalmente, privare della capacità di scelta. Noi dovevamo scegliere chi ascoltare, perché per ascoltarlo dovevamo spendere. Oggi purtroppo è tutto molto più flat.
Quindi è peggiorata la qualità della musica o quella dell’ascolto?
Forse entrambe. L’ascolto perché, come ti dicevo prima, noi i dischi li consumavamo, perché avevamo solo quelli, e all’ennesimo ascolto capitava di accorgersi di una cosa che non si era mai notata. Oggi si skippa compulsivamente e a metà brano. Come puoi capire lo sviluppo di una canzone se neanche la ascolti integralmente? Sull’altro fronte sicuramente si è accentuata la dimensione del marketing e dell’entertainment. Per me la musica è vita, è la ninna nanna che mi cantava mia madre, è un canto religioso o un inno di guerra. Oggi è solo, o in grandissima parte, produzione col fine di intrattenere e spettacolarizzare.
Colpa dei talent?
Ti faccio un esempio. In tv oggi i talent show sono principalmente di due generi: musica e cucina. Parlando dei secondi si può fare una bella metafora. Guardandoli sembra che chi non sappia impiattare non sia un bravo cuoco. Mia nonna faceva il ragù più buono del mondo lasciandolo bollire per più di ventiquattr’ore, eppure non ha mai impiattato in vita sua. Oggi vogliono far passare il messaggio contrario: piatti impossibili in trenta minuti (il tempo è più importante della qualità), e un ruolo fondamentale riservato all’estetica (comunicazione) e al nome del piatto (marketing). Penso e sogno la vera musica come il ragù di mia nonna, che viene servito quando è pronto, senza troppi fronzoli, capace di portare un messaggio, e soprattutto buonissimo.
Quelli musicali, invece?
Venendo a quelli musicali, credo semplicemente che siano delle scuole. Spesso ottime, peraltro. Il problema è che i voti, e di conseguenza quella che possiamo chiamare promozione, vengono assegnati dal pubblico a casa e non dai docenti. Poi c’è la produzione, che è assolutamente smisurata: tutto è finalizzato a realizzare prodotti per il mercato. E per finire, il successo (temporaneo) che generano è pressoché ingestibile. Un ragazzo che in pochi mesi si ritrova a passare dall’anonimato a star fa fatica a reggere il colpo. Non a caso sono certo che non ricordi chi ha vinto, ad esempio, X Factor due o tre edizioni fa.
È vero, ma qualcuno resta. Penso a Mengoni, Emma Marrone, Noemi e – in ultimo – i Måneskin.
I Måneskin sono un ottimo esempio. I loro tour sono sponsorizzati pesantemente da una nota marca di chewing gum, e questo è l’esempio perfetto di come siano diventati degli ingranaggi di un meccanismo ben più ampio della sola musica. Ma è il prezzo che si deve pagare per essere mainstream. Quel mainstream che è un amico nel breve termine, ma nel quale di certo non c’è musica. Purtroppo è tutta una questione di comunicazione e marketing.
I talent si propongono sempre come nuovi, innovativi e controcorrente, ma alla fine i vincitori passano quasi sempre per Sanremo. È perché l’Ariston resta il palco più importante d’Italia?
Usciti dai talent lo scopo dei ragazzi è vendere, e quindi, per i motivi che ti dicevo prima, ben venga Sanremo. Si punta al rimbalzo del rumore. È questione di posizionamento.
Hai detto che musica e mainstream sono due concetti antitetici. Io però vedo un piacevole ritorno all’importanza dei testi. Da una parte le influenze rap dall’altra una nuova forma di cantautorato. Anche lo scorso anno proprio ad X Factor ha vinto uno scrittore forse più che un cantante.
Anastasio (vincitore della scorsa edizione di X Factor) scrive benissimo, così come Ultimo, Salmo e tanti altri. Ma anche lui ha attraversato un periodo buio per un errore di comunicazione. Dopo la vittoria si è scoperto che aveva messo dei like su Facebook ad alcuni post di Salvini, Casa Pound e altre realtà più o meno estremiste. Questo gli ha causato non pochi problemi. Il punto è che sono talmente tanto dei prodotti che gli errori che si pagano sono quelli comunicativi prima di quelli musicali. Poi la potenza delle parole non può e non deve essere abbandonata. È bello ascoltare testi impegnati, ma anche qui, se si vede che qualcosa funziona – nel mainstream – viene immediatamente clonato. Fabri Fibra, ad esempio, ha avuto problemi nella sua vita, ma è di Senigallia, non è cresciuto nel Bronx. Oggi si tende a replicare ed esasperare quello che funziona. Quindi soldi, sesso, droga e – appunto – l’idea di Bronx.
Cambiando continente, mi ha impressionato vedere la regina del mainstream, Lady Gaga, in A Star is Born. Sembrava una ragazza acqua e sapone.
È vero, ma lei ha potuto permettersi quel lusso grazie alla sua storia e a tutto quello che aveva fatto prima. Lei è lo spettacolo, è l’entertainment. Poi canta benissimo, ma per “cantare solo” ci ha messo anni e c’è voluto un film, una finzione, per farglielo fare.
Quindi non c’è un vero cantautorato italiano.
I veri cantautori, quelli che riescono a conciliare il loro essere mainstream (riempire stadi, dunque) con la vocazione musicale più pura, sono davvero pochi. Si contano sulle dita di una mano. Anzi bastano due dita, perché direi solo Jovanotti e Cremonini. Due artisti che si prendono il loro tempo, che fanno uscire un disco quando sono pronti.
Che cosa speri ci sia nel futuro della nostra musica?
Oltre una legge che vieti le cover band?
Sì.
Beh, direi più spazio per le cantautrici. Per qualche motivo fanno fatica a emergere, eppure nel tempo abbiamo costruito, con Michele, un gruppo WhatsApp nel quale ci sono artiste di tutta Italia. Spesso condividono i loro brani e sono bellissimi. Spero in un futuro in cui ci sia più eco per la loro arte.
Da piccolo ci hai confessato che sognavi di entrare in questo mondo. Ora che ci sei dentro, hai trovato qualcosa che avresti preferito ignorare?
Sono arrivato gradualmente, ma con un’idea romantica tipica di tutti gli innamorati. Poi ho scoperto, non senza sorpresa, che nel mondo della musica non si parla di musica, ma di classifiche e numeri. La possibilità di emergere dall’interno è qualcosa di veramente remoto, e farsi notare è quasi impossibile; a volte si ha l’impressione di essere di intralcio. L’ambiente poi è sempre più chiuso e si è quasi obbligati ad accettare continui compromessi. Questo vale nel campo artistico perché anche le star sono tarate sulla filosofia del selfie. È il massimo che possono darti e, concesso quello, è come se avessero adempiuto al loro dovere morale. In campo tecnico invece c’è tanta, tantissima umanità. Molta più di quella che mi sarei aspettato di trovare.

Mattia Toccaceli: &#8220;La musica vera è nel ragù di nonna&#8221;

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Cristiano Carriero

Giornalista, docente all&#8217;Università di Urbino (CPO) e Fondatore de La Content Academy. Storytelling Consultant di Banca Ifis. Curatore della collana Web Marketing di Hoepli, per la quale è anche autore. L&#8217;ultimo libro pubblicato è &#8220;Smart Working&#8221; (giugno 2020).

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Anche se essere “un italiano vero” ha un significato profondamente diverso da quello della versione originale, e anche se non c’è più “un partigiano come Presidente”, L’italiano tornerà sul palco dell’Ariston nella serata delle cover. Una delle più attese del Festival di Sanremo – è la puntata del giovedì – soprattutto per chi cerca nelle [&hellip;]

Se le imprese italiane si ispirassero alle cover di Sanremo - Informazione senza filtro

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“Con Fedele Confalonieri ho fatto una gara di pipì, a chi la facesse più lontano. Mi son fatto la pipì sulle scarpe, ha detto poi lui. Allora hai vinto tu, ho risposto.”
L’aneddoto raccontato da Silvio Berlusconi, nello stile del machismo classico, dice del più antico desiderio maschile e umano: fare qualcosa in più dell’altro, arrivare dove gli altri non arrivano. Per qualcuno il modo per segnare il proprio traguardo nelle gare della vita, per altri un desiderio di verità che, “sì, mi porta a pisciare più lontano degli altri”.
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<h2>“Per non parlare di un artista racconto dei cavalli che affogano dal sedere”</h2>
Dentro la metafora, che non deve eccellere per eleganza, c’è il senso di questo incontro. Quello con Michele Monina, 50 anni, nato ad Ancona, casa e famiglia a Milano. “Tutti sanno che ho una moglie, Marina, e quattro figli, di cui due gemelli. Io sono uno scrittore e sono anche il protagonista delle storie che racconto”.
Monina, per chi non ne avesse coscienza, è il critico musicale più riconoscibile. Colui per il quale: “Siccome un determinato disco non merita di essere raccontato, io ti racconto qualcos’altro che ritengo più interessante, per esempio dei <a href="https://www.linkiesta.it/it/article/2017/11/14/quella-volta-che-scoprii-come-affogano-i-cavalli-e-che-era-uscito-lalb/36163/" target="_blank" rel="nofollow noopener noreferrer">cavalli che affogano dal sedere</a>”.
Nella giungla comunicativa vuol dire fare il gioco delle arance, per cui, nel maneggio vorticoso dei frutti, c’è un equilibrio che crea ipnosi. A questa, però, deve seguire una verità, o meglio, una credibilità: “Ho delle competenze che mi vengono riconosciute dal sistema musica. Quindi sì, io piscio più lontano. So che dire questo può risultare arrogante e fa parte del mio personaggio”.
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<h2>I no a Maria De Filippi, i sì al DopoFestival: “Questo mi ha indebolito”</h2>
Già, il personaggio. Quello di “uno scrittore con 78 libri all’attivo”, tra cui tre libri autobiografici scritti con Vasco Rossi, il “fiore all’occhiello”. “Ho venduto più con quei tre libri – rimarca – che con gli altri 75, che comunque hanno fruttato un 1.200.000 copie”.
Uno scrittore tornato alla musica cinque anni e mezzo fa. Capito il meccanismo dei social, il resto è stato schermaglia, fino a scambi violentissimi con i lettori: “Non mi sono mai arrabbiato davvero. Vivo con serenità”. Dentro il racconto del personaggio ci sono stati dei no pesanti, a Maria De Filippi e Domenica In “quando i miei colleghi erano con la palettina in mano nei talent”. E ci sono stati anche dei sì, ai DopoFestival con Pierfrancesco Favino: “Questa cosa mi ha anche indebolito, perché io sono diventato una faccia e una voce, che non corrispondono alla mia cifra stilistica quando scrivo. Amen, ce ne facciamo una ragione”.
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<h2>Il Tour de Force di Sanremo 2020: “Voglio spostare l&#8217;attenzione da Elettra Lamborghini agli emergenti”</h2>
È stata, però, l’occasione che ha spalancato a Monina le porte di Rtl 102.5, per cui nei prossimi giorni condurrà Noi dire Sanremo, i serali del Festival dal 4 all’8 febbraio, con Mara Maionchi e la Gialappa’s.
Raggiungiamo Monina prima di un tour de force di “12, 13 ore al giorno”: accanto a Rtl, una lunga scaletta (<a href="https://www.optimagazine.com/2020/01/17/il-mio-sanremo-in-attico-monina-con-om-optimagazine-e-rtl-102-5/1687734" target="_blank" rel="nofollow noopener noreferrer">qui</a> i dettagli) tra “parole, immagini, musica, pagelle”, e la regia di Mattia Toccaceli. “Ho deciso di ospitare gente che a Sanremo non ci sarebbe arrivata, accanto agli artisti in gara. Credo che questo sia il mio ruolo di divulgatore. Approfitto del fatto di essere seguito per spostare l’attenzione da Elettra Lamborghini a una delle cantautrici che vengono da me. In totale ospiteremo circa 100 artisti”.
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Michele, che cosa rispondi a chi, leggendoti, dice che ti arroghi l’immagine del più cattivo?
Stiamo parlando di quello che scrivo e dico. Io sono uno scrittore prima che un critico. Ho ben presente che se scrivo qualcosa ottengo un determinato risultato. Fatto salvo che quello che scrivo è vero, perché non ho mai ricevuto una querela, ho una cifra violenta, corrosiva se vuoi. Lavoro in questo settore da vent’anni, sono coetaneo di buona parte dei discografici. Conosco gli affari di tutti, ma non ho mai fatto riferimenti alle vite private, perché mi occupo di musica. Parlo di persone che fanno cose, o di opere. Ritenendo che la forma sia sostanza, sono impietoso ma non cattivo. Non infierisco sui deboli. Ragiono per paradossi. Ad esempio, se dico o scrivo che Patrizia Laquidara è dio e Laura Pausini il grado zero dell’arte sto usando un paradosso. Non è vera nessuna delle due cose, ma quella è una cifra stilistica. Semplicemente, quando scrivo sono dritto. Non devo nulla a nessuno, posso dire quello che penso senza aver paura di ritorsioni, che comunque mi fanno quotidianamente. Io per esempio non ho accesso a una serie di artisti, non metto piede in Rai da due anni dopo Tv Talk, i dopo Festival di Favino, e una puntata con Edoardo Leo.
Ti è stato detto di voler trasformare i dibattiti in una gara a chi piscia più lontano.
Il mio personaggio ha delle caratteristiche specifiche: io sono quello che scrive articoli di 18.000 battute in un mondo, quello del web, in cui il grado di attenzione è di 28 secondi. Invece per leggere i miei pezzi ci vogliono almeno 5 minuti. Sono uno che va in giro con i capelli lunghi, che si fa fotografare con la mazza da baseball, che indossa le sciarpe degli hooligans. Sono uno che ha delle caratteristiche da immaginario. Il mio punto di forza, e su questo piscio più lontano dei miei colleghi, è che dico semplicemente le cose come stanno. È lo stesso motivo per cui sono credibile ed esisto in questo mondo, essendo un outsider. Ho delle competenze che mi vengono riconosciute dal sistema musica. Quindi sì, io piscio più lontano. So che dire questo può risultare arrogante e fa parte del mio personaggio.
La metafora che torna è quella dell’articolo sui cavalli che affogano dal sedere.
Siccome un determinato disco non merita di essere raccontato, io ti racconto qualcos’altro, che ritengo più interessante; per esempio racconto dei cavalli che affogano dal culo. È la metafora di quello che faccio. Sono seguito perché la gente mi riconosce e riconosce che in quello che faccio c’è una verità. Altrimenti non sarei seguito e sarei stato fatto fuori.
A volte ingaggi delle “risse verbali” via social con i tuoi lettori.
Per me uno non vale uno. Ognuno ha le sue competenze, e poi il mio lavoro non prevede che io venga criticato. Non esiste il critico del critico. Esiste un altro critico che si contrappone a me. Che il lettore si senta critico del critico non esiste. Da che ci sono i social, questo avviene. In un mondo normale io nemmeno dovrei sapere chi mi legge. Se avessi voluto avere un rapporto col pubblico avrei fatto il barista, ovvero un lavoro che contempla il fatto che ci possa essere un pubblico. Io sto a casa in ciabatte e scrivo, questo è il mio lavoro. Quando sui social leggi di scambi violentissimi non è che se mando a cagare qualcuno resto a casa nervoso e arrabbiato. Non mi interessa. Lo faccio perché so che va fatto, ma vivo con grandissima serenità. Non mi sono mai arrabbiato per quello che succede sui social, nemmeno quando mi hanno segnalato e bloccato gli account.
Come nasce il “personaggio” Michele Monina?
Ho ricominciato a scrivere di musica cinque anni e mezzo fa, quando Peter Gomez mi ha chiamato a Il Fatto Quotidiano. Io vent’anni fa ero quello cattivo di Tutto Musica, in un giornale che faceva marchette. Ho ripreso a fare la stessa cosa, cioè dire quello che penso. Non sapevo però dei social, c’ero ma in modo diverso. Ho scoperto come funzionano e ho deciso di creare un personaggio. In tutto questo, però, ho fatto un grosso errore di valutazione. Cioè sono andato al DopoFestival, mossa che mi ha permesso di avere una faccia e una voce, e questo tra l’altro mi ha portato a Rtl 102.5. È stato un errore, perché io non ho una voce che corrisponde alla mia lingua quando scrivo. Quando scrivo sono violento, quando parlo non ho una voce cattiva. Se uno mi guarda capisce che non sono uno psicopatico come si potrebbe pensare quando mi si legge. Questa cosa mi ha anche indebolito, perché io sono diventato anche una faccia. Amen, ce ne facciamo una ragione.
Hai scritto molto di libertà di critica.
Io sono arrivato nel momento in cui tutti i miei colleghi erano da Maria De Filippi con la palettina in mano a dare i voti, come succede adesso. Ti si nota di più se non ci vai, cosa che ho fatto. Quando è toccato a me, dopo essere stato invitato da Maria, non ci sono andato perché sono contro i talent show e quindi non ci vado, anche se sarebbe stata un’occasione importante perché ero stato invitato a tenere delle lezioni, ma io non sono interessato. Due o tre anni fa, quando le mie pagelle su Sanremo facevano più di un milione di lettori al giorno, numeri più alti del Corriere della Sera o Repubblica per intenderci, sono stato invitato a Domenica In e non ci sono andato, perché è ovvio che se io contesto quel tipo di entertainment non ci vado. Molti mi hanno accusato di essermi venduto quando sono entrato in Rtl 102.5. Ma lì io dico quello che penso. Quando trasmettevano i Modà, per esempio, dicevo che quella musica mi faceva cagare. Si chiama libertà, e si paga, nel senso che pagano me e pago io per poterla avere. Se fossi andato da Maria avrei avuto più visibilità, avrei fatto più soldi e una serie di cose che mi sono negate, ma scelgo io cosa fare. Va bene così.
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<figure id="attachment_35196" aria-describedby="caption-attachment-35196" style="width: 300px" class="wp-caption alignnone"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/junior-cally.jpg"><img class="size-medium wp-image-35196" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/junior-cally-300x157.jpg" alt="" width="300" height="157" /></a><figcaption id="caption-attachment-35196" class="wp-caption-text">Junior Cally e Amadeus</figcaption></figure>
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Veniamo al Sanremo 2020 condotto da Amadeus. Tra le immancabili polemiche, una su tutte. La partecipazione del rapper romano Junior Cally, criticato per una vecchia canzone, Strega, definita sessista e troppo violenta. Nelle frasi incriminate, in particolare: “Si chiama Gioia perché fa la troia. L’ho ammazzata, le ho strappato la borsa”. Le tue parole su Junior Cally hanno fatto discutere.
Tutto questo casino è scattato non per una canzone che Junior Cally porterà a Sanremo, ma perché andrà a Sanremo. Un errore fatto, e che davo per scontato, è stato pensare che i ragazzini possano scoprire Junior Cally attraverso Sanremo. Non è così, perché il pubblico di Sanremo ha un’età media di 61 anni. I nonni o i bisnonni dei ragazzini scopriranno Junior Cally a Sanremo e non ne scopriranno il repertorio, perché non andranno su Youtube o su Spotify a scoprire le canzoni vecchie. Nella bolla di Sanremo Junior Cally è un artista, e l’arte è arte. È amorale per sua natura, che non significa che va contro la morale, ma nel senso non ce l’ha proprio una morale. Non è sottoposta ai codici della morale a cui siamo fortunatamente sottoposti noi per il resto della vita. Quindi Junior Cally può dire quello che vuole. Il che significa che nel mondo dell’arte può esserci per assurdo un antisemita, uno che istiga all’uso delle droghe o che parla per sublimazione. Se poi mi si chiede quello che penso di Junior Cally, da critico musicale dico che non è un artista e che non dovrebbe nemmeno fare dischi. Ma tutto questo clamore si traduce col fatto che Cally prima aveva quattro milioni di views su YouTube con quella canzone che si chiama Strega e oggi va verso i 6 milioni. Tutto questo perché gli è stato fatto il più grande regalo che si possa fare a uno che ha fatto un prodotto: parlarne in continuazione. Se fossi un discografico non lo pubblicherei e da critico musicale non ne scrivo. Io ho deciso di occuparmi di Junior Cally perché mi occupo di Sanremo.
Chi apprezzi di questa edizione del Festival?
Devo dire che il livello generale non è neanche che così basso. Ci sono delle canzoni belle, penso a Rancore, Tosca, Masini, Pelù, anche Irene Grandi, nel pezzo scritto da Vasco e Curreri, Bugo e Morgan, e per finire Levante. Ci sono una decina di canzoni di ottimo livello. E alla fine la media non sarà così bassa come lo è stata l’anno scorso, che per me è stato uno dei Sanremo musicalmente più brutti degli ultimi anni. Questo è un Festival molto slabbrato, che non ha un’idea dietro. Hanno fatto una scelta come nelle vecchie edizioni: c’è dentro un po’ di tutto. E non mi scandalizzo neppure di Elettra Lamborghini, perché vorrei pacatamente ricordare che sul palco dell’Ariston ci sono stati Marisa Laurito, Francesco Salvi, Pippo Franco. Sanremo è un programma televisivo, quindi Elettra Lamborghini ci sta perfettamente.
Chi sono i grandi assenti?
Quello che manca è il cantautorato femminile. In generale ci sono poche donne, ma questo è un problema dell’Italia tutta. Poi mi sarei aspettato qualche asso nella manica per i settant’anni del Festival, un Cocciante, un Vecchioni, un Venditti. Credo che un po’ abbia influito il fatto che nell’edizione 2017 di Sanremo la Mannoia non vinse, quando tutti sapevano che avrebbe vinto, e arrivò seconda dietro il Gabbani di Occidentali’s Karma. Quest’anno mancano anche i cantautori indie. Manca cioè il Calcutta del caso.
Non ti chiedo se manca Tommaso Paradiso, avendolo tu stroncato diverse volte
Nel sottolineare che mi fa cagare, anche abbastanza profondamente, però ci stava a Sanremo, se guardi alla classifica. Quest’anno ci sono i Pinguini Tattici Nucleari, che fanno grandi live ma non vanno in classifica. Amadeus ha detto che stava guardando alla contemporaneità, ma è un’operazione spuntata. Allora avrebbe dovuto fare come il Concertone del Primo Maggio, che ha ripreso la classifica di Spotify e l’ha sputata sul palco. C’è tantissimo talent all’Ariston, ma i talent non contano più niente.
Hanno esaurito il loro compito?
Al volo: chi ha vinto l’ultimo X Factor? O quello dell’anno prima, o prima ancora? I Måneskin che non hanno vinto, ma sono arrivati secondi tre anni fa, sono quelli che forse hanno avuto il maggior successo discografico. Sofia, che ha vinto X Factor, ce la siamo scordata, Anastasio ha vinto un anno fa ma non è che abbia fatto numeri clamorosi. Giò Sada e Soul System, non pervenuti. Il mondo dei talent che cosa ha prodotto di importante? Giordana Angi e Alberto Urso, che provengono da Amici, nei loro ultimi album non hanno superato le 10.000 copie. Non stiamo parlando di campioni, non riempiono i palasport. A Sanremo avrei piuttosto chiamato un Brunori Sas, che è uno dei padri dell’indie italiano, ed è credibile per chi guarda Sanremo.
A Sanremo, oltre la conduzione per Rtl 102.5 ospiterai vari artisti nell’Attico Monina.
Avrei potuto limitarmi a fare il serale su Rtl con Mara Maionchi e la Gialappa’s, e le pagelle sull’Huffington Post. Ho deciso di ospitare gente che a Sanremo non ci sarebbe arrivata, insieme agli artisti in gara. Credo che questo sia il mio ruolo di divulgatore. Approfitto del fatto di essere seguito per spostare l’attenzione da Elettra Lamborghini a una delle cantautrici che vengono da me. In totale ospiteremo circa 100 artisti per 12 o 13 ore di diretta nei quattro giorni e mezzo del Festival.
Il tuo nome è rimbalzato, e molto, nei tre libri scritti con Vasco e nell’essere tra gli autori del film Non stop live.
Io ho scritto 78 libri, di cui tre con Vasco. Questi tre hanno venduto più degli altri 75. Con i miei libri ho venduto 1.200.000 copie, quelli di Vasco hanno venduto tanto e sono anche il fiore all’occhiello di quello che faccio. Vasco mi ha adottato, mi ha visto come un outsider, nel senso che non scrivo per Il Corriere della Sera, e ha deciso di avere stima di me. Credo che chiunque avrebbe voluto scrivere la sua autobiografia.
Chi ti legge ha una finestra con vista sulla tua vita.
Hemingway diceva che “non si può scrivere se non delle cose che si sono vissute”. Ecco, io scrivo di musica, e nella musica mi sono ricavato un ruolo abbastanza da protagonista. Chiunque sa che ho una moglie e quattro figli, di cui due gemelli, e che sto con la stessa donna da 32 anni. Vorrei far capire che ho una vita, anche se so che posso risultare uno che si vuole mangiare il cuore di Biagio Antonacci. Io sono uno scrittore e sono anche il protagonista delle storie che racconto.
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&#8220;Mi chiamo Michele Monina e, sì, la faccio più lontano degli altri&#8221;

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Angelo Astrei

Classe 1990 ama profondamente il suo lavoro, anche se non saprebbe dargli una definizione precisa. Ossessionato dalle mappe e dalle figure retoriche, il fil rouge che collega i punti del suo percorso è lo storytelling. Sperimentatore ed esploratore di nuovi strumenti narrativi naviga tra la scrittura, il videomaking e il podcasting. Ha diretto un festival cinematografico internazionale per 10 anni e oggi lavora come CMO in una startup tech approfittando di ogni slot di tempo libero per trovare una storia da raccontare.

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Mattia Toccaceli, marchigiano classe ‘88, rientra tra quelle figure che non è possibile imprigionare in un’unica categoria. Emilie Wapnick lo definirebbe un multipotenziale. Un ragazzo che ha accettato questa molteplicità di sfaccettature, scegliendo di metterla a completo servizio della musica. “Non so definirmi. Sulla mia pagina Facebook ho scelto regista, ma basta scorrere le foto [&hellip;]

Mattia Toccaceli: &#8220;La musica vera è nel ragù di nonna&#8221; - Informazione senza filtro

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“Oggi davvero la musica può essere ideata, composta e confezionata ovunque. E da chiunque. Un giovane indiano ha le stesse possibilità di realizzare e pubblicare un brano di successo alla pari di affermati musicisti statunitensi e raggiungere fama mondiale. Allo stesso tempo tutti noi con pochi dollari al mese possiamo fruire di tutta la musica del mondo in qualsiasi momento. E prospetticamente nulla sarà più come prima.”
È così che Michele Canova Iorfida – il produttore musicale italiano più importante degli ultimi quindici anni, con oltre 18 milioni di copie vendute delle sue produzioni – sintetizza in poche parole lo scenario odierno della produzione musicale. La sua è una voce decisamente autorevole. Nominato a un Latin Grammy nel 2013, collabora da anni con tutti i nomi che contano, da Alanis Morrisette a John Legend, da Alicia Keys a Kelly Rowland, da James Maslow a Tiziano Ferro, Jovanotti, Eros Ramazzotti, Giorgia, Marco Mengoni, Biagio Antonacci, Adriano Celentano. Per quattro volte negli ultimi dieci anni ha prodotto il disco più venduto dell’anno in Italia.
Ma Michele è anche e soprattutto un caro amico. Amico e compagno di banco per cinque anni a quel Liceo Classico Tito Livio di Padova dove probabilmente tutto è partito. Già, perché proprio mentre tutti noi sfidavamo versioni di latino e greco, dissimulando strategie di sopravvivenza in classe, lui continuava a coltivare la sua passione, condividendo con noi compagni le connessioni e i cortocircuiti tra la musica classica del conservatorio che frequentava e le nuove frontiere dei sintetizzatori. Ed è proprio questa passione che lo ha portato a costruirsi, pezzo dopo pezzo, uno studio professionale di registrazione. Prima in casa, in cameretta; poi a Padova; poi a Milano. E oggi a Los Angeles, dove vive dal 2015.
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Da quel 1991, anno in cui hai iniziato a produrre il tuo primo album nel tuo mondo professionale, tutto è cambiato.
Certo, è cambiato molte volte e sotto diverse dimensioni. C’è innanzitutto un tema tecnico: siamo passati dal registrare su nastri con macchine meccaniche in modo analogico al farlo in modo digitale. Il che ci ha consentito man mano di lavorare senza più limiti di tempo e di spazio, semplificando e velocizzando la possibilità di creare musica. Ciò fino ad arrivare a questi ultimi anni, in cui è possibile fare tutto con un semplice PC, o con un iPad, o addirittura con un semplice smartphone, visto che ormai tutti questi device sono sufficientemente potenti per consentirci di ottenere risultati di elevata qualità.
Ciò significa davvero che tutti possono fare tutto? 
Esattamente. Oggi chiunque con un minimo di abilità informatiche, e ovviamente sensibilità musicale, potenzialmente può utilizzare uno di questi device e confezionare un pezzo dall’inizio alla fine. Ormai sono tanti i casi in dischi di enorme successo commerciale. Ad esempio: nell’album di Kendrick Lamar, uno dei più noti rapper statunitensi, uno dei producer ha realizzato un beat interamente con un iPhone.
Ma quindi, se è così facile, questa rivoluzione tecnica determina una crescita esponenziale della musica in circolo ogni giorno? 
Fa parte delle regole del gioco. Questa estrema facilità, questa sorta di democratizzazione della produzione a ogni latitudine, ha sdoganato completamente la logica ed il flusso che fino a solo quindici anni fa era normale. Prima c’era l’artista con l’idea, poi lo studio che la rendeva reale, finalizzandola. Ora tutto può avvenire allo stesso momento e gli attori sono sovrapposti. Possono essere anche la stessa persona. Il che significa, però, che appunto ogni singolo giorno decine di migliaia di pezzi entrano in circolazione. Ma allo stesso tempo avere troppa musica in modo contestuale significa che si sta componendo una sorta di “rumore bianco” indistinto dove è sempre più difficile essere rilevanti. Con il rischio che tutto possa essere posto sullo stesso piano, in termini di fruizione.
In effetti, arrivando proprio alla fruizione, anche su questa sponda da qualche anno a questa parte tutto è cambiato. Giusto? 
È cambiato molto più di quanto i non addetti ai lavori si immaginino. Fino alla metà del 2000 era normale acquistare un album completo; prima c’era il vinile, poi il cd, poi gli mp3. In ogni caso il consumatore si impegnava nel processo di acquisto spendendo una cifra non indifferente, seppur piccola, per ciascun artista. Ed era normale che dunque quello stesso CD venisse ascoltato tutto, dall’inizio alla fine, e poi messo nel proprio salotto. Da un certo punto in poi, improvvisamente, con lo streaming è avvenuto un salto quantico. Perché con lo stesso investimento di denaro – al mese – tutti noi potevamo in un attimo avere accesso a tutta la musica del mondo. Boom.
E quindi? 
E quindi nulla sarebbe stato come prima. La dematerializzazione della musica avrebbe da quel momento segnato una nuova rotta. Per tutti: produttori, artisti e fruitori. Per prima cosa per chi lavorava nell’ambito musicale, perché in un attimo gli introiti sono calati notevolmente. La regola dello streaming infatti prevede che il guadagno in royalties per artisti e produttori arrivi solo dopo il quarantesimo secondo di ascolto di ciascun brano da parte del fruitore, ed è chiaro che se ho un abbonamento e posso avere “tutta la musica del mondo in un attimo” sarò facilmente portato a fare zapping tra le canzoni componendo di volta in volta le mie playlist preferite. Raramente si mette tra i preferiti un album intero di un artista, come una volta.
Questo ha determinato la crisi dell’intero sistema di produzione, dunque? 
È indubbio che da vent’anni a questa parte la forte diminuzione degli incassi per alcuni attori di questo mondo professionale è stata fatale. Non di certo per le multinazionali, che anzi hanno anche acquistato quote societarie dei grandi colossi della musica in streaming proprio per bilanciare tale effetto. È chiaro che chi oggi vuole ancora essere tra i protagonisti di questo mercato ha la necessità di adattarsi velocemente all’accelerazione di tutti questi processi. Un ottimo prodotto musicale può infatti essere realizzato al meglio in molto meno tempo di una volta e senza ricorrere a mesi di lavoro in studio. Ma non ci si improvvisa. Ci vuole tecnica ed esperienza, accanto a un ascolto consapevole dell’evoluzione in progress per riuscire a emergere dal quel “rumore bianco” di cui dicevamo prima.
Ciò significa forse che la produzione musicale è figlia di questa accelerazione, molto più di quanto non lo fosse un tempo?
Certo, perché la musica sta diventando sempre più intrattenimento. Proprio per tale ragione, ancora più che in passato, oggi un pezzo viene progettato nelle sonorità, nel timbro vocale e nel ritmo per catturare chi lo ascolta nei primi cinque secondi di riproduzione. La modalità di fruizione sta cambiando radicalmente il concepimento dei brani stessi.
Mi sembra di capire che anche questo settore stia vivendo una sorta di selezione naturale. Ma allo stesso modo si stanno anche affermando nuove figure di riferimento? 
Be’, sicuramente oggi la figura più importante è quella del “curator” delle playlist, ovvero deejay o esperti del mondo musicale che selezionano di volta in volta i loro brani preferiti e li condividono con la rete dello streaming. Alcuni sono delle vere celebrità tanto per i loro follower, che si fidano e li seguono nelle loro proposte, quanto per gli artisti e produttori, che aspirano a essere nelle loro liste. Teniamo conto che oltre il 40% dei play ogni giorno avviene all’interno delle playlist proprio di questi “curator”. Una percentuale pazzesca, se ci pensiamo, ma anche abbastanza prevedibile, perché è normale che nel grande mare indistinto di tanta offerta ciascuno di noi cerchi una guida.
E in tutto questo gli artisti? Anche la loro posizione è ridimensionata? 
Dal punto di vista economico sicuramente sì. A meno che non si pensi ai top 20 mondiali, per tutti gli altri siamo su livelli decisamente inferiori rispetto anche a solo una decina di anni fa. Il nuovo paradigma non lascia scampo. Inoltre c’è un rischio non banale: a causa delle playlist le persone fanno sempre più fatica a collegare un volto a una canzone. Tutti noi infatti siamo sempre più abituati a seguire un flusso, passando da un pezzo all’altro. Poco importa chi canta, o quasi. Non è un caso che le grandi multinazionali investano milioni di dollari proprio per consentire la riconoscibilità al grande pubblico dei loro talenti.
È lo stesso anche per i produttori, come te? 
A dire il vero no, anzi. Paradossalmente questa situazione consente a noi produttori di uscire dall’ombra e di essere molto più visibili di un tempo. Lo si vede ad esempio nei sempre più numerosi featuring che vengono quotidianamente realizzati anche dai più noti protagonisti della scena musicale. Stiamo diventando co-autori, con una nostra identità, con una sorta di “marchio di fabbrica” che ci rende riconoscibili in modo trasversale di artista in artista. Si tratta di una bella opportunità che ci consente di fare un percorso artistico nostro.
In tutto questo: il ruolo dei social? 
Importantissimo, a tutti i livelli. Anche se non determinante a priori. Certo, oggi chi si crea un’importante base di seguaci in rete ha l’opportunità di promuoversi con grande velocità e raggiungere risultati di play incredibili. Ma non basta. Per non essere un fenomeno effimero è opportuno costruirsi una reputazione, nei blog e nei vlog musicali ad esempio, o nella stima dei curator; altrimenti in un mare magnum sempre in movimento si rischia davvero di scomparire.
Dematerializzazione, accelerazione esponenziale, tecnologie diffuse, social. In sintesi, come vedi il prossimo futuro della musica? 
Non posso che avere una visione davvero positiva. Le potenzialità sono enormi. La tecnologia ci consente di raffinare ogni singolo beat con una precisione estrema. Abbiamo nelle nostre mani le leve per realizzare ogni istante qualcosa di rivoluzionario e cambiare molto velocemente le proposte per il nostro pubblico. Magari arrivando anche a stupirlo, come quando l’arte da figurativa diventò astratta e tutti rimasero inizialmente sorpresi, ma poi capirono che era una meraviglia. E tutto cambiò, ancora.

Michele Canova Iorfida e il rumore bianco della musica

“Con Fedele Confalonieri ho fatto una gara di pipì, a chi la facesse più lontano. Mi son fatto la pipì sulle scarpe, ha detto poi lui. Allora hai vinto tu, ho risposto.”
L’aneddoto raccontato da Silvio Berlusconi, nello stile del machismo classico, dice del più antico desiderio maschile e umano: fare qualcosa in più dell’altro, arrivare dove gli altri non arrivano. Per qualcuno il modo per segnare il proprio traguardo nelle gare della vita, per altri un desiderio di verità che, “sì, mi porta a pisciare più lontano degli altri”.
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<h2>“Per non parlare di un artista racconto dei cavalli che affogano dal sedere”</h2>
Dentro la metafora, che non deve eccellere per eleganza, c’è il senso di questo incontro. Quello con Michele Monina, 50 anni, nato ad Ancona, casa e famiglia a Milano. “Tutti sanno che ho una moglie, Marina, e quattro figli, di cui due gemelli. Io sono uno scrittore e sono anche il protagonista delle storie che racconto”.
Monina, per chi non ne avesse coscienza, è il critico musicale più riconoscibile. Colui per il quale: “Siccome un determinato disco non merita di essere raccontato, io ti racconto qualcos’altro che ritengo più interessante, per esempio dei <a href="https://www.linkiesta.it/it/article/2017/11/14/quella-volta-che-scoprii-come-affogano-i-cavalli-e-che-era-uscito-lalb/36163/" target="_blank" rel="nofollow noopener noreferrer">cavalli che affogano dal sedere</a>”.
Nella giungla comunicativa vuol dire fare il gioco delle arance, per cui, nel maneggio vorticoso dei frutti, c’è un equilibrio che crea ipnosi. A questa, però, deve seguire una verità, o meglio, una credibilità: “Ho delle competenze che mi vengono riconosciute dal sistema musica. Quindi sì, io piscio più lontano. So che dire questo può risultare arrogante e fa parte del mio personaggio”.
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<h2>I no a Maria De Filippi, i sì al DopoFestival: “Questo mi ha indebolito”</h2>
Già, il personaggio. Quello di “uno scrittore con 78 libri all’attivo”, tra cui tre libri autobiografici scritti con Vasco Rossi, il “fiore all’occhiello”. “Ho venduto più con quei tre libri – rimarca – che con gli altri 75, che comunque hanno fruttato un 1.200.000 copie”.
Uno scrittore tornato alla musica cinque anni e mezzo fa. Capito il meccanismo dei social, il resto è stato schermaglia, fino a scambi violentissimi con i lettori: “Non mi sono mai arrabbiato davvero. Vivo con serenità”. Dentro il racconto del personaggio ci sono stati dei no pesanti, a Maria De Filippi e Domenica In “quando i miei colleghi erano con la palettina in mano nei talent”. E ci sono stati anche dei sì, ai DopoFestival con Pierfrancesco Favino: “Questa cosa mi ha anche indebolito, perché io sono diventato una faccia e una voce, che non corrispondono alla mia cifra stilistica quando scrivo. Amen, ce ne facciamo una ragione”.
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<h2>Il Tour de Force di Sanremo 2020: “Voglio spostare l&#8217;attenzione da Elettra Lamborghini agli emergenti”</h2>
È stata, però, l’occasione che ha spalancato a Monina le porte di Rtl 102.5, per cui nei prossimi giorni condurrà Noi dire Sanremo, i serali del Festival dal 4 all’8 febbraio, con Mara Maionchi e la Gialappa’s.
Raggiungiamo Monina prima di un tour de force di “12, 13 ore al giorno”: accanto a Rtl, una lunga scaletta (<a href="https://www.optimagazine.com/2020/01/17/il-mio-sanremo-in-attico-monina-con-om-optimagazine-e-rtl-102-5/1687734" target="_blank" rel="nofollow noopener noreferrer">qui</a> i dettagli) tra “parole, immagini, musica, pagelle”, e la regia di Mattia Toccaceli. “Ho deciso di ospitare gente che a Sanremo non ci sarebbe arrivata, accanto agli artisti in gara. Credo che questo sia il mio ruolo di divulgatore. Approfitto del fatto di essere seguito per spostare l’attenzione da Elettra Lamborghini a una delle cantautrici che vengono da me. In totale ospiteremo circa 100 artisti”.
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Michele, che cosa rispondi a chi, leggendoti, dice che ti arroghi l’immagine del più cattivo?
Stiamo parlando di quello che scrivo e dico. Io sono uno scrittore prima che un critico. Ho ben presente che se scrivo qualcosa ottengo un determinato risultato. Fatto salvo che quello che scrivo è vero, perché non ho mai ricevuto una querela, ho una cifra violenta, corrosiva se vuoi. Lavoro in questo settore da vent’anni, sono coetaneo di buona parte dei discografici. Conosco gli affari di tutti, ma non ho mai fatto riferimenti alle vite private, perché mi occupo di musica. Parlo di persone che fanno cose, o di opere. Ritenendo che la forma sia sostanza, sono impietoso ma non cattivo. Non infierisco sui deboli. Ragiono per paradossi. Ad esempio, se dico o scrivo che Patrizia Laquidara è dio e Laura Pausini il grado zero dell’arte sto usando un paradosso. Non è vera nessuna delle due cose, ma quella è una cifra stilistica. Semplicemente, quando scrivo sono dritto. Non devo nulla a nessuno, posso dire quello che penso senza aver paura di ritorsioni, che comunque mi fanno quotidianamente. Io per esempio non ho accesso a una serie di artisti, non metto piede in Rai da due anni dopo Tv Talk, i dopo Festival di Favino, e una puntata con Edoardo Leo.
Ti è stato detto di voler trasformare i dibattiti in una gara a chi piscia più lontano.
Il mio personaggio ha delle caratteristiche specifiche: io sono quello che scrive articoli di 18.000 battute in un mondo, quello del web, in cui il grado di attenzione è di 28 secondi. Invece per leggere i miei pezzi ci vogliono almeno 5 minuti. Sono uno che va in giro con i capelli lunghi, che si fa fotografare con la mazza da baseball, che indossa le sciarpe degli hooligans. Sono uno che ha delle caratteristiche da immaginario. Il mio punto di forza, e su questo piscio più lontano dei miei colleghi, è che dico semplicemente le cose come stanno. È lo stesso motivo per cui sono credibile ed esisto in questo mondo, essendo un outsider. Ho delle competenze che mi vengono riconosciute dal sistema musica. Quindi sì, io piscio più lontano. So che dire questo può risultare arrogante e fa parte del mio personaggio.
La metafora che torna è quella dell’articolo sui cavalli che affogano dal sedere.
Siccome un determinato disco non merita di essere raccontato, io ti racconto qualcos’altro, che ritengo più interessante; per esempio racconto dei cavalli che affogano dal culo. È la metafora di quello che faccio. Sono seguito perché la gente mi riconosce e riconosce che in quello che faccio c’è una verità. Altrimenti non sarei seguito e sarei stato fatto fuori.
A volte ingaggi delle “risse verbali” via social con i tuoi lettori.
Per me uno non vale uno. Ognuno ha le sue competenze, e poi il mio lavoro non prevede che io venga criticato. Non esiste il critico del critico. Esiste un altro critico che si contrappone a me. Che il lettore si senta critico del critico non esiste. Da che ci sono i social, questo avviene. In un mondo normale io nemmeno dovrei sapere chi mi legge. Se avessi voluto avere un rapporto col pubblico avrei fatto il barista, ovvero un lavoro che contempla il fatto che ci possa essere un pubblico. Io sto a casa in ciabatte e scrivo, questo è il mio lavoro. Quando sui social leggi di scambi violentissimi non è che se mando a cagare qualcuno resto a casa nervoso e arrabbiato. Non mi interessa. Lo faccio perché so che va fatto, ma vivo con grandissima serenità. Non mi sono mai arrabbiato per quello che succede sui social, nemmeno quando mi hanno segnalato e bloccato gli account.
Come nasce il “personaggio” Michele Monina?
Ho ricominciato a scrivere di musica cinque anni e mezzo fa, quando Peter Gomez mi ha chiamato a Il Fatto Quotidiano. Io vent’anni fa ero quello cattivo di Tutto Musica, in un giornale che faceva marchette. Ho ripreso a fare la stessa cosa, cioè dire quello che penso. Non sapevo però dei social, c’ero ma in modo diverso. Ho scoperto come funzionano e ho deciso di creare un personaggio. In tutto questo, però, ho fatto un grosso errore di valutazione. Cioè sono andato al DopoFestival, mossa che mi ha permesso di avere una faccia e una voce, e questo tra l’altro mi ha portato a Rtl 102.5. È stato un errore, perché io non ho una voce che corrisponde alla mia lingua quando scrivo. Quando scrivo sono violento, quando parlo non ho una voce cattiva. Se uno mi guarda capisce che non sono uno psicopatico come si potrebbe pensare quando mi si legge. Questa cosa mi ha anche indebolito, perché io sono diventato anche una faccia. Amen, ce ne facciamo una ragione.
Hai scritto molto di libertà di critica.
Io sono arrivato nel momento in cui tutti i miei colleghi erano da Maria De Filippi con la palettina in mano a dare i voti, come succede adesso. Ti si nota di più se non ci vai, cosa che ho fatto. Quando è toccato a me, dopo essere stato invitato da Maria, non ci sono andato perché sono contro i talent show e quindi non ci vado, anche se sarebbe stata un’occasione importante perché ero stato invitato a tenere delle lezioni, ma io non sono interessato. Due o tre anni fa, quando le mie pagelle su Sanremo facevano più di un milione di lettori al giorno, numeri più alti del Corriere della Sera o Repubblica per intenderci, sono stato invitato a Domenica In e non ci sono andato, perché è ovvio che se io contesto quel tipo di entertainment non ci vado. Molti mi hanno accusato di essermi venduto quando sono entrato in Rtl 102.5. Ma lì io dico quello che penso. Quando trasmettevano i Modà, per esempio, dicevo che quella musica mi faceva cagare. Si chiama libertà, e si paga, nel senso che pagano me e pago io per poterla avere. Se fossi andato da Maria avrei avuto più visibilità, avrei fatto più soldi e una serie di cose che mi sono negate, ma scelgo io cosa fare. Va bene così.
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<figure id="attachment_35196" aria-describedby="caption-attachment-35196" style="width: 300px" class="wp-caption alignnone"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/junior-cally.jpg"><img loading="lazy" decoding="async" class="size-medium wp-image-35196" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/junior-cally-300x157.jpg" alt="" width="300" height="157" /></a><figcaption id="caption-attachment-35196" class="wp-caption-text">Junior Cally e Amadeus</figcaption></figure>
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Veniamo al Sanremo 2020 condotto da Amadeus. Tra le immancabili polemiche, una su tutte. La partecipazione del rapper romano Junior Cally, criticato per una vecchia canzone, Strega, definita sessista e troppo violenta. Nelle frasi incriminate, in particolare: “Si chiama Gioia perché fa la troia. L’ho ammazzata, le ho strappato la borsa”. Le tue parole su Junior Cally hanno fatto discutere.
Tutto questo casino è scattato non per una canzone che Junior Cally porterà a Sanremo, ma perché andrà a Sanremo. Un errore fatto, e che davo per scontato, è stato pensare che i ragazzini possano scoprire Junior Cally attraverso Sanremo. Non è così, perché il pubblico di Sanremo ha un’età media di 61 anni. I nonni o i bisnonni dei ragazzini scopriranno Junior Cally a Sanremo e non ne scopriranno il repertorio, perché non andranno su Youtube o su Spotify a scoprire le canzoni vecchie. Nella bolla di Sanremo Junior Cally è un artista, e l’arte è arte. È amorale per sua natura, che non significa che va contro la morale, ma nel senso non ce l’ha proprio una morale. Non è sottoposta ai codici della morale a cui siamo fortunatamente sottoposti noi per il resto della vita. Quindi Junior Cally può dire quello che vuole. Il che significa che nel mondo dell’arte può esserci per assurdo un antisemita, uno che istiga all’uso delle droghe o che parla per sublimazione. Se poi mi si chiede quello che penso di Junior Cally, da critico musicale dico che non è un artista e che non dovrebbe nemmeno fare dischi. Ma tutto questo clamore si traduce col fatto che Cally prima aveva quattro milioni di views su YouTube con quella canzone che si chiama Strega e oggi va verso i 6 milioni. Tutto questo perché gli è stato fatto il più grande regalo che si possa fare a uno che ha fatto un prodotto: parlarne in continuazione. Se fossi un discografico non lo pubblicherei e da critico musicale non ne scrivo. Io ho deciso di occuparmi di Junior Cally perché mi occupo di Sanremo.
Chi apprezzi di questa edizione del Festival?
Devo dire che il livello generale non è neanche che così basso. Ci sono delle canzoni belle, penso a Rancore, Tosca, Masini, Pelù, anche Irene Grandi, nel pezzo scritto da Vasco e Curreri, Bugo e Morgan, e per finire Levante. Ci sono una decina di canzoni di ottimo livello. E alla fine la media non sarà così bassa come lo è stata l’anno scorso, che per me è stato uno dei Sanremo musicalmente più brutti degli ultimi anni. Questo è un Festival molto slabbrato, che non ha un’idea dietro. Hanno fatto una scelta come nelle vecchie edizioni: c’è dentro un po’ di tutto. E non mi scandalizzo neppure di Elettra Lamborghini, perché vorrei pacatamente ricordare che sul palco dell’Ariston ci sono stati Marisa Laurito, Francesco Salvi, Pippo Franco. Sanremo è un programma televisivo, quindi Elettra Lamborghini ci sta perfettamente.
Chi sono i grandi assenti?
Quello che manca è il cantautorato femminile. In generale ci sono poche donne, ma questo è un problema dell’Italia tutta. Poi mi sarei aspettato qualche asso nella manica per i settant’anni del Festival, un Cocciante, un Vecchioni, un Venditti. Credo che un po’ abbia influito il fatto che nell’edizione 2017 di Sanremo la Mannoia non vinse, quando tutti sapevano che avrebbe vinto, e arrivò seconda dietro il Gabbani di Occidentali’s Karma. Quest’anno mancano anche i cantautori indie. Manca cioè il Calcutta del caso.
Non ti chiedo se manca Tommaso Paradiso, avendolo tu stroncato diverse volte
Nel sottolineare che mi fa cagare, anche abbastanza profondamente, però ci stava a Sanremo, se guardi alla classifica. Quest’anno ci sono i Pinguini Tattici Nucleari, che fanno grandi live ma non vanno in classifica. Amadeus ha detto che stava guardando alla contemporaneità, ma è un’operazione spuntata. Allora avrebbe dovuto fare come il Concertone del Primo Maggio, che ha ripreso la classifica di Spotify e l’ha sputata sul palco. C’è tantissimo talent all’Ariston, ma i talent non contano più niente.
Hanno esaurito il loro compito?
Al volo: chi ha vinto l’ultimo X Factor? O quello dell’anno prima, o prima ancora? I Måneskin che non hanno vinto, ma sono arrivati secondi tre anni fa, sono quelli che forse hanno avuto il maggior successo discografico. Sofia, che ha vinto X Factor, ce la siamo scordata, Anastasio ha vinto un anno fa ma non è che abbia fatto numeri clamorosi. Giò Sada e Soul System, non pervenuti. Il mondo dei talent che cosa ha prodotto di importante? Giordana Angi e Alberto Urso, che provengono da Amici, nei loro ultimi album non hanno superato le 10.000 copie. Non stiamo parlando di campioni, non riempiono i palasport. A Sanremo avrei piuttosto chiamato un Brunori Sas, che è uno dei padri dell’indie italiano, ed è credibile per chi guarda Sanremo.
A Sanremo, oltre la conduzione per Rtl 102.5 ospiterai vari artisti nell’Attico Monina.
Avrei potuto limitarmi a fare il serale su Rtl con Mara Maionchi e la Gialappa’s, e le pagelle sull’Huffington Post. Ho deciso di ospitare gente che a Sanremo non ci sarebbe arrivata, insieme agli artisti in gara. Credo che questo sia il mio ruolo di divulgatore. Approfitto del fatto di essere seguito per spostare l’attenzione da Elettra Lamborghini a una delle cantautrici che vengono da me. In totale ospiteremo circa 100 artisti per 12 o 13 ore di diretta nei quattro giorni e mezzo del Festival.
Il tuo nome è rimbalzato, e molto, nei tre libri scritti con Vasco e nell’essere tra gli autori del film Non stop live.
Io ho scritto 78 libri, di cui tre con Vasco. Questi tre hanno venduto più degli altri 75. Con i miei libri ho venduto 1.200.000 copie, quelli di Vasco hanno venduto tanto e sono anche il fiore all’occhiello di quello che faccio. Vasco mi ha adottato, mi ha visto come un outsider, nel senso che non scrivo per Il Corriere della Sera, e ha deciso di avere stima di me. Credo che chiunque avrebbe voluto scrivere la sua autobiografia.
Chi ti legge ha una finestra con vista sulla tua vita.
Hemingway diceva che “non si può scrivere se non delle cose che si sono vissute”. Ecco, io scrivo di musica, e nella musica mi sono ricavato un ruolo abbastanza da protagonista. Chiunque sa che ho una moglie e quattro figli, di cui due gemelli, e che sto con la stessa donna da 32 anni. Vorrei far capire che ho una vita, anche se so che posso risultare uno che si vuole mangiare il cuore di Biagio Antonacci. Io sono uno scrittore e sono anche il protagonista delle storie che racconto.
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Lucio Cristino

Giornalista professionista, video reporter. Ha scritto per giornali, radio-tv e web, tra Italia, Spagna e Stati Uniti. Prima Il Messaggero, poi El Diario de Sevilla, quindi E’ tv- Rete 7, dove ha realizzato anche servizi per Mediaset e La7. Da freelance ha realizzato un reportage in Iraq al confine delle zone controllate dall’Isis. Dopo una laurea in Scienze della Comunicazione e un Master in Risorse turistiche e marketing del territorio, si è occupato anche di enogastronomia collaborando con Carlo Cambi a &#8220;Il Gambero Rozzo&#8221;, Newton Compton editore. Musicomane, scrive canzoni, canta, tormenta il basso. Con la sua band, Secret Sight, ha girato per l&#8217;Europa con live shows in Inghilterra, Francia, Belgio, Austria, Germania, Repubblica Ceca. Ha vagato musicalmente anche per l&#8217;Italia, isole comprese.

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“Con Fedele Confalonieri ho fatto una gara di pipì, a chi la facesse più lontano. Mi son fatto la pipì sulle scarpe, ha detto poi lui. Allora hai vinto tu, ho risposto.” L’aneddoto raccontato da Silvio Berlusconi, nello stile del machismo classico, dice del più antico desiderio maschile e umano: fare qualcosa in più dell’altro, [&hellip;]

&#8220;Mi chiamo Michele Monina e, sì, la faccio più lontano degli altri&#8221; - Informazione senza filtro

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Due storie diverse. Lei si chiama Vicky Schaetzinger, è una pianista eclettica, capace di passare da Battisti a Chopin, da Bill Evans a Keith Jarrett; e forse non è un caso che per quindici anni abbia accompagnato Milva al pianoforte. Lui si chiama Alessandro Marra ed è un violinista classico. È uscito dal Conservatorio Rossini di Pesaro, e dopo una lunga parentesi londinese ha suonato per anni nell’orchestra sinfonica di Sanremo. Due storie lontane che hanno in comune due cose preziose: la passione per la musica e il desiderio profondo di trasferire questo nobilissima forma d’arte alle giovani generazioni.
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<h2>“Ho lasciato i concerti per la mia scuola di musica. Il vero talento è l’applicazione”</h2>
Siamo nell’ufficio di Vicky Schaetzinger, amministratrice e direttrice artistica della Cluster, la scuola di musica che ospita a Milano oltre mille allievi accreditata dalla Regione Lombardia e riconosciuta dal Conservatorio di Milano. Una case history di successo in un momento in cui l’industria musicale è in sofferenza. Per Vicky la Cluster, situata in una palazzina di tre piani in via Mosè Bianchi, è una seconda casa; una postazione di comando, visto che in quell’ufficio ci passa ore e ore, a organizzare riunioni con gli insegnanti, saggi degli alunni e cori per ragazzi e adulti. Sopra la scrivania campeggia un motto in inglese: Do what you love, love what you do.
<figure id="attachment_35299" aria-describedby="caption-attachment-35299" style="width: 667px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/Vicky-IMG_3508.jpg"><img class="wp-image-35299 size-full" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/Vicky-IMG_3508.jpg" alt="" width="667" height="1000" /></a><figcaption id="caption-attachment-35299" class="wp-caption-text">Vicky Schaetzinger, amministratrice e direttrice artistica della Cluster.</figcaption></figure>
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Cos’è, il tuo motto? La tua filosofia? È a queste parole che chiedi di ispirarsi a coloro che si presentano all’iscrizione della tua scuola? 
Vicky mi guarda sorridendo perché sa che la sua risposta è diversa da quello che mi aspetto.
Ai giovani o anche ai meno giovani che vogliono suonare uno strumento musicale, o che vogliono prendere delle lezioni di canto, chiedo prima di tutto quanto tempo hanno.
Davvero? Soltanto questo? 
Certo, e ti assicuro che non è poco. Soprattutto a coloro che hanno ambizioni di diventare musicisti o cantanti chiedo quanto tempo hanno per studiare, per applicarsi e poi ancora applicarsi e poi ancora studiare. E sai perché? Perché sono profondamente convinta, anche in base alla mia esperienza di musicista, che con il solo talento, anche se grande, noi fai nulla se non c’è lo studio, l’applicazione e la dedizione totale alla musica. Il vero talento è la capacità e il coraggio di sacrificare cose importanti per realizzare la tua passione. Nell’immaginario di molti giovani c’è l’idea che bastino tre ore alla settimana, ma non è così. Non vorrei scadere nella retorica, ma io dico sempre agli allievi di Cluster che per fare i musicisti bisogna essere univoci, non perdersi in mille sollecitazioni che vengono dall’esterno. Se vuoi amare la musica è una cosa, ma se vuoi sposarla è un’altra. I talent, ad esempio, sono una vetrina importante, ma non è detto che se ne vinci uno sei arrivato. Se non studi prima o poi la tua esibizione sarà un ricordo sfocato. Guai a pensare che l’esibizione debba essere l’obiettivo finale. Quello è un passaggio importante, ma se ci arrivi poco attrezzato non resterà nulla né a te né a chi ti ascolta.
E con i tuoi insegnanti sei altrettanto esigente? 
Assolutamente sì. La chiave degli insegnanti di Cluster è l’empatia. Chiedo loro di entrare nella sfera emozionale degli allievi per riuscire a formare al meglio il loro percorso didattico.
Facciamo un passo indietro. Torniamo alla Vicky musicista, appassionata pianista dall’età di sei anni. 
Già, devo tornare indietro di tanti anni. Sì, ne avevo sei quando ho iniziato a studiare pianoforte. Come nasce quella passione? La signora Sonia, un’insegnante privata, veniva a casa nostra a impartire a me e a mia sorella lezioni di pianoforte. Poi le mie sorelle hanno smesso, e così smisi anch’io. Quando però mio padre morì – avevo otto anni e mezzo – sentii che dovevo tornare a suonare e a studiare. Mia madre capì che forse quella era la mia strada e così ripresi le lezioni entrando alla Civica Scuola di Musica Claudio Abbado. Mi diplomai in conservatorio e contemporaneamente alla Scuola Civica Jazz.
Il corollario di questa prima fase mi pare che si chiuda con la borsa di studio alla Scala di Milano.
È così. Ma a quell’epoca accadde qualcosa di importante: iniziai a insegnare pianoforte in un circolo Arci, nell’ex sala prove degli Equipe 84. Ed è allora che venni assalita da un dilemma che mi avrebbe accompagnato negli anni successivi.
Cioè? 
Sembrerà strano, ma quando insegnavo ero felice, mentre quando lavoravo alla Scala non ero contenta. Tant’è che dopo qualche tempo scrissi a mia madre e le dissi che avrei scelto l’insegnamento.
Non sarà stata contenta. 
Per nulla. Sapevo di darle un dolore dopo tutti i sacrifici che aveva fatto, ma quello era il mio stato d’animo.
In realtà il dilemma si scioglierà soltanto anni dopo. Anzi, accanto all’insegnamento inizia per la pianista l’era dei grandi concerti. Vicky Schaetzinger incide un disco con la Emi Classics diretto dal maestro David Searcy, e in seguito inizia a suonare e a fare concerti con una grande musicista, il primo violino della Scala, Anahi Carfi. 
Devo dire che non ho mai pensato ai soldi o alla carriera. Importante era suonare con grandi artisti; mai da sola. Cercavo sempre qualcuno che suonasse con me. A differenza di molti pianisti, non ambivo alla carriera da solista. Fu allora, tra l’altro, che scoprii la mia vena eclettica. Fondai un gruppo di tango, “TangoSeis”, con il quale suonai per anni in tutti i teatri d’Italia ed Europa (anche a Buenos Aires) e che mi diede una grande esperienza musicale, ma soprattutto mi fece capire che la mia vera natura non era prettamente classica ma borderline.
È forse per questo che sei entrata così in simbiosi con Milva? 
Credo di sì. Milva, come dimostra tutto il suo repertorio, è davvero stata un’artista eclettica, capace di passare da Bertold Brecht ad Astor Piazzolla ai classici. Avevo 28 anni quando incontrai e conobbi Milva in un teatro. L’empatia scattò immediatamente. Da allora abbiamo fatto tantissime cose assieme, dal tango argentino alla musica pop, dalla canzone francese fino alla musica contemporanea. È stata un’esperienza irripetibile che è durata quindici anni. Oltre a collaborazioni teatrali durate anni, come ad esempio lo spettacolo con Neri Marcorè, Un certo signor G, con musiche di Giorgio Gaber, che vinse tantissimi premi.
Ma il tarlo di quel dilemma tornò, immagino. 
Proprio così. Mentre facevo concerti continuavo a insegnare all’Arci, avevo circa sessanta allievi. Poi un giorno al circolo Arci incontrai e conobbi Massimo Dall’Omo, chitarrista moderno. Da quell’amicizia nacque la prima idea di fondare una scuola di musica, che si concretizzò nel 1999 con la nascita di Cluster. Non avevamo tanti soldi, ma in compenso avevamo tanta volontà e passione. Non è stato facile cominciare con ottanta allievi e pochi insegnanti. Nel 2006, in una nuova sede, arrivammo a trecento allievi e dodici insegnanti e ci sembrava di toccare il cielo. Oggi abbiamo l’onere e l’onore di gestire oltre mille allievi e quaranta insegnanti, con un certo orgoglio. Certo, anni fa decisi di abbandonare l’attività concertistica e di dedicarmi interamente allo sviluppo di Cluster.
Quando nacque questa scelta?
Sono in grado di dirti la data esatta in cui qualcosa si ruppe. 7 marzo 2009. Mi trovavo a New York con Marco Albonetti, sassofonista di rara bravura, ed eravamo alla Carnegie Hall. Avevo appena concluso una tournée teatrale con Neri Marcorè su Giorgio Gaber. Il giorno dopo il concerto dovevo tornare a Milano, perché iniziavo le prove di un nuovo spettacolo e due giorni dopo avevo un concerto con Milva al Blue Note. Mentre suonavo in una delle sale più prestigiose al mondo pensavo all’aereo del giorno dopo. Ti rendi conto in quale bulimia mi ero inserita? La musica era diventata una rincorsa continua da un progetto all’altro, da un teatro all’altro, da una città all’altra. Era una corsa. Una corsa senza ritmo. Nel 2014 smisi definitivamente tutta la mia attività. Avevo avvisato i miei collaboratori due anni prima affinché si organizzassero per sostituirmi. Quell’anno ci fu il trasferimento di Cluster nell’attuale sede di via Mosè Bianchi, e via, una seconda fase della mia vita aveva inizio.
Rimpianti? 
Assolutamente no. Oggi ti posso dire che niente è più gratificante dell’immensa energia che gravità intorno a questa scuola. È una gioia vivere con tante persone che sono lì per la stessa cosa: l’amore per la musica.
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<h2>Dall’orchestra di Sanremo all’insegnamento, erede di Rossini.</h2>
Alessandro Marra è nato nel 1970 a Osimo, una cittadina di 35.000 abitanti della zona del Conero, in Provincia di Ancona. All’età di 19 anni si diploma in uno dei templi della musica italiana, il conservatorio nato per volontà testamentaria di Gioacchino Rossini. In un passo del testamento rossiniano compilato il 5 luglio 1858, dieci anni prima della morte, il musicista pesarese aveva infatti disposto: “Quale erede della proprietà nomino il comune di Pesaro, mia patria, per fondare e dotare un liceo musicale in quella città (…)”.
Alessandro tuttavia non considera il diploma del conservatorio un punto di arrivo, ma un punto di partenza della sua carriera di artista. Così si trasferisce a Londra per quattro anni, dove si perfeziona in un altro dei luoghi principe della musica europea: il Royal College of Music, fucina secolare di grandi musicisti. “Dopo Londra – racconta Alessandro – inizia il lungo viaggio nelle orchestre sinfoniche italiane, dall’Orchestra Sinfonica della Rai al Teatro la Fenice di Venezia fino all’Orchestra Sinfonica di Sanremo, dove ho vinto il concorso nel 2001. Dal 1996 collaboro regolarmente con l’Orchestra Filarmonica Marchigiana, della quale sono poi diventato membro stabile. Negli ultimi anni ho deciso di lasciare Sanremo e di dedicarmi anche all’insegnamento in una scuola pubblica”.
<figure id="attachment_35302" aria-describedby="caption-attachment-35302" style="width: 683px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/IMG-20191229-WA0005.jpg"><img class="wp-image-35302 size-large" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/IMG-20191229-WA0005-683x1024.jpg" alt="" width="683" height="1024" /></a><figcaption id="caption-attachment-35302" class="wp-caption-text">Il Maestro Alessandro Marra (Photo credits: Bruno Severini).</figcaption></figure>
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Ci torniamo, sulla tua passione per la formazione musicale giovanile. Prima però vorrei che mi raccontassi qualcosa da dietro le quinte di questa kermesse sanremese che ogni anno dal dopoguerra tiene incollati gli italiani alla tv per cinque giorni. 
Intanto mi ricordo le tredici ore al giorno passate all’Ariston nel periodo delle prove. Davvero una grande fatica. Mi chiedevi dell’esperienza del Festival? Direi che è poco più che coreografica. Dal punto di vista artistico, come puoi immaginare, non è granché interessante. Tieni conto che la sinfonica di Sanremo ha un repertorio classico, la musica pop è soltanto una parentesi. Fatte queste considerazioni che potrebbero sembrare irriverenti, pensando a quegli anni, devo dire che è stata un’esperienza importante e unica; soprattutto per l’atmosfera che si respirava dietro le quinte, per i rapporti umani che si intrecciavano con gli altri membri dell’orchestra o con gli artisti che partecipavano al festival. Ricordo di aver conosciuto artisti, a telecamere spente, preoccupati per la loro performance come se fossero all’esordio.
C’è qualche episodio che ti ricordi in modo particolare? 
Ce ne sarebbero tanti, ma c’è un anno che mi è rimasto impresso particolarmente: il 2004, quando le grandi major decisero di disertare Sanremo, togliendo così al palco dell’Ariston la presenza dei grandi big italiani e internazionali. Gli indici di ascolto erano crollati e nei volti di Tony Renis e Simona Ventura, presentatori del festival, si vedeva la paura di un grande flop. A quel punto Tony Renis chiese aiuto a un suo vecchio amico, Adriano Celentano, che risollevò con la sua presenza e con un’audience da stadio le sorti del Festival.
Mi raccontavi, tuttavia, che nel tuo dna non c’è soltanto l’animo dell’artista, ma anche quello dell’insegnante, con una voglia matta di coinvolgere i giovani. 
Tutto è iniziato quando la scuola di musica Marche Music College mi ha chiamato per una collaborazione. Avevano bisogno di un esperto che curasse un gruppo strumentisti ad arco che doveva registrare colonne sonore di film e documentari prodotti dai corsisti. Esaurito questo lavoro abbiamo deciso di continuare autonomamente. Da un paio d’anni il gruppo, Marche Music College Orchestra, fa concerti in giro per l’Italia. Sono circa trenta ragazzi. Alcuni studiano in conservatorio, altri studiano in scuole private di musica come la Bettino Padovano di Senigallia, che è la nostra sede, oppure vengono dal Liceo Musicale Rinaldini di Ancona, dove io stesso insegno. Per loro è un’esperienza davvero formativa e culturalmente rilevante, soprattutto perché questa attività concertistica consente loro di suonare assieme cose importanti davanti al pubblico. E ti assicuro che di questo sono molto orgogliosi, li motiva molto ad andare avanti.
Un gruppo di archi farebbe pensare a un repertorio strettamente classico, invece tu mi raccontavi che non è così. 
C’è ovviamente un repertorio classico, ma abbiamo scelto di fare anche altro, come la musica minimalista del Novecento, o per altri versi la musica che accompagna i film che hanno preso l’Oscar, come ad esempio La Vita è Bella o Star Wars. Insomma, avrai capito che per l’orchestra Magic Music College c’è un futuro concertistico e artistico di cui vado orgoglioso.
<figure id="attachment_35301" aria-describedby="caption-attachment-35301" style="width: 1024px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/IMG_9627.jpg"><img class="wp-image-35301 size-large" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/IMG_9627-1024x682.jpg" alt="" width="1024" height="682" /></a><figcaption id="caption-attachment-35301" class="wp-caption-text">Violiniste della Marche Music College Orchestra (Photo credits: Bruno Giulianelli)</figcaption></figure>
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<figure id="attachment_35303" aria-describedby="caption-attachment-35303" style="width: 2048px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/teatro-mmc.jpg"><img class="wp-image-35303 size-full" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/teatro-mmc.jpg" alt="" width="2048" height="1366" /></a><figcaption id="caption-attachment-35303" class="wp-caption-text">Concerto della Marche Music College Orchestra al Teatro La Nuova Fenice, Osimo (Photo credits: Bruno Severini).</figcaption></figure>

Non togliete ai ragazzi le scuole di musica

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Massimiliano Franz

Da oltre 15 anni si occupa di comunicazione d&#8217;impresa in realtà multinazionali. Dopo la laurea in lettere moderne all&#8217;Università di Padova, la specializzazione in Comunicazione al CUOA (Altavilla Vicentina) ed in Marketing all&#8217;Istituto Superiore del Marketing (Roma), ha ricoperto ruoli di crescente responsabilità in aziende quali Carraro SpA, Uniflair SpA, Viabizzuno Srl. Oggi è Head of Communication per Carraro Group e coordina l&#8217;insieme delle attività di comunicazione interna ed esterna del Gruppo. Da novembre 2014 è anche Marketing &amp; Communication Manager del brand di trattori Carraro Tre Cavallini. È inoltre fondatore e senior trainer di Talent Partners Srl, società che si occupa di formazione, motivazione e comunicazione d&#8217;impresa. Nel maggio 2015 è stato speaker a TEDx Padova, evento nel corso del quale ha focalizzato la propria &#8220;idea che vale la pena condividere&#8221; su quanto sia fondamentale oggi valorizzare il capitale umano.

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“Oggi davvero la musica può essere ideata, composta e confezionata ovunque. E da chiunque. Un giovane indiano ha le stesse possibilità di realizzare e pubblicare un brano di successo alla pari di affermati musicisti statunitensi e raggiungere fama mondiale. Allo stesso tempo tutti noi con pochi dollari al mese possiamo fruire di tutta la musica [&hellip;]

Michele Canova Iorfida e il rumore bianco della musica - Informazione senza filtro

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<article id="post-32638" class="post-32638 post type-post status-publish format-standard has-post-thumbnail hentry category-homepage category-management category-numero-81 category-rubriche category-zona-franca tag-cultura tag-management-2">
<div class="post-content">
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“Nessuno ha mai pianto davanti una scena senza musica”.
Ha esordito così Goffredo Gibellini, mentre sfoderava il divano violentato da un cane capriccioso e io mi perdevo tra i cavi colorati che si attorcigliavano elegantemente sul banco dello studio tra centinaia di pulsanti, manopole e potenziometri. Nella stanza grande, dall’altra parte del vetro, regnava invece un silenzio assoluto. Due semafori, inspiegabilmente lì, erano fissi sul verde, e decine di tamburi appesi al muro illuminavano delicatamente i microfoni e i leggii.
“Li ho costruiti da solo”, mi ha anticipato Goffredo scoprendomi intento a scrutarli, “ma non sono solo lampade. Servono per illudere, manipolare la realtà; che in fin dei conti è esattamente ciò che facciamo qui.”
<figure id="attachment_35082" aria-describedby="caption-attachment-35082" style="width: 1024px" class="wp-caption aligncenter"><img class="wp-image-35082 size-large" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/1100176-1024x768.jpg" alt="" width="1024" height="768" /><figcaption id="caption-attachment-35082" class="wp-caption-text">Le scelte cromatiche ed estetiche dello studio sono un omaggio al pittore e musicista Giacomo Balla – autore tra l’altro del Manifesto del Colore e del Manifesto della Cinematografia Futurista</figcaption></figure>
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<h2>Nel cuore musicale del cinema italiano</h2>
Goffredo Gibellini è il proprietario della Digital Records, il più importante studio per l’incisione di colonne sonore che c’è in Italia. Le locandine e gli spartiti incorniciati nei corridoi testimoniano chi è passato da lì e i film nati anche grazie al suo contributo: da Gangs of New York a Non Essere Cattivo, da Morricone e Ezio Bosso a Ludovico Einaudi e Andrea Guerra, passando per praticamente tutte le opere di Paolo Sorrentino.
I tamburi nella sala di registrazione hanno recentemente sostituito un complesso sistema di microfoni e diffusori pensato per garantire un buon riverbero. “Il suono è tutto”, mi dice. “Specialmente per gli strumenti che hanno un tempo di decadimento rapido è fondamentale che i musicisti possano ascoltarsi come se suonassero nell’intimità di casa loro, ma con un’acustica da teatro”.
Il sistema, artigianale e brevettato col nome di kickback qualche anno fa, si basa su pelli sottilissime tirate in modo che il ritorno del suono sia naturale. “Quasi due secondi” sottolinea orgoglioso Goffredo facendomi notare con ironia che i supporti metallici sui quali i tamburi sono ancorati altro non sono che piatti da paella.
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<div class="single-content dropcap">
<figure id="attachment_35081" aria-describedby="caption-attachment-35081" style="width: 1024px" class="wp-caption aligncenter"><img class="wp-image-35081 size-large" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/1100172-1024x768.jpg" alt="" width="1024" height="768" /><figcaption id="caption-attachment-35081" class="wp-caption-text">Alcuni dei quadri esposti nel salottino della Digital Records</figcaption></figure>
<h2></h2>
<h2>La Digital Records, una famiglia di musicisti e compositori</h2>
Il divano ora è senza fodera. Bussano alla porta ed entra un signore anziano e sorridente che l’assistente di Goffredo introduce come “il Maestro”. Una consuetudine, in quell’ambiente. Si salutano affettuosamente, scambiano qualche battuta e si congedano dopo la consegna di un cd. Appena chiusa la porta Goffredo mi dice: “Quello è Zambrini”. Io annuisco, fingendo maldestramente di sapere chi sia.
Solo una volta in auto leggo su Wikipedia che quell’uomo è stato compositore per Modugno, Mina, Morandi e Patty Pravo; ha composto le colonne sonore per la saga dei Fantozzi, i cinepanettoni di Neri Parenti, tutti i film di Fausto Brizzi e anche la sigla di Domenica In di Corrado. Lui di sicuro, tamburi o no, si sentiva a casa.
“La Digital Records è una grande famiglia”, ha ribadito più volte Goffredo durante la nostra chiacchierata, “una famiglia che in più occasioni si è davvero comportata come tale.”
<figure id="attachment_35079" aria-describedby="caption-attachment-35079" style="width: 1024px" class="wp-caption aligncenter"><img class="wp-image-35079 size-large" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/1100139-1024x768.jpg" alt="" width="1024" height="768" /><figcaption id="caption-attachment-35079" class="wp-caption-text">Cavi nella sala di registrazione</figcaption></figure>
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<h2>Goffredo Gibellini, una vita nella musica senza studi musicali</h2>
Nessuno ha mai pianto davanti una scena senza musica, eppure solo alcuni compositori di colonne sonore godono di una certa fama; gli esecutori non sfilano mai sui red carpet e i tecnici del suono, nei titoli di coda, vengono molto dopo il make-up. Non c’è neanche un premio per loro. L’oscar al miglior sonoro è riferito alla presa diretta, eppure basterebbe un pomeriggio con Goffredo per capire quanto fondamentale sia il loro contributo.
È difficile spiegarlo e andare oltre il concetto di un brano che si sente bene, eppure ascoltare una colonna sonora con lui è un’esperienza durante la quale i sensi si sovrappongono e si intrecciano, restituendo l’illusione di aver visto qualcosa che in realtà si è solo udita. Con la mano che tiene il tempo come un direttore d’orchestra infatti apre sul suo Mac il progetto cinematografico numero 687 (numerazione iniziata dodici anni fa), che è un film di prossima uscita, e commenta ogni movimento melodico costruendo con poche parole nel mio immaginario quello che il film avrebbe mostrato se solo il monitor fosse stato acceso.
“Non posso rendere bella una cosa brutta, ma devo far emergere l’impercettibile. Il mondo che il compositore ha immaginato, devo costruirlo per restituirlo al pubblico.”
Goffredo ha imparato a solfeggiare pochi anni fa senza mai studiare musica. È nato tra le colonne sonore: la sua famiglia era la proprietaria del Forum, uno dei più celebri studi di registrazione di musica di tutta Roma, e all’età di 16 anni ha iniziato a frequentare le sale regia riparando cuffie. Ha frequentato il tecnico industriale, che gli ha permesso di accumulare nozioni più sulla componentistica elettronica degli strumenti che sull’armonia e la tecnica musicale.
Ma il senso ritmico non è l’unica caratteristica che lo rende simile a un direttore d’orchestra, perché l’orecchio musicale che la genetica e il tempo gli hanno donato è qualcosa di mistico. “Lo senti? Qui uno dei secondi violini è calante”. Inutile precisare che io non riuscivo nemmeno a isolare gli archi in quell’amalgamarsi di suoni e note.
“La melodia invece, quella ci vuole sempre”, dice secco. “Oggi si tende a interpretare la musica da film come un commento alle immagini, ma se vuoi avere traccia ricordati che non puoi canticchiare un’atmosfera realizzata da pad”.
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<figure id="attachment_35087" aria-describedby="caption-attachment-35087" style="width: 1024px" class="wp-caption aligncenter"><img class="wp-image-35087 size-large" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/1100213-1024x768.jpg" alt="" width="1024" height="768" /><figcaption id="caption-attachment-35087" class="wp-caption-text">Goffredo Gibellini, fondatore e titolare della Digital Records</figcaption></figure>
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<h2>L’allagamento, le difficoltà e la rinascita della Digital Records</h2>
La Digital Records ha aperto nel 2005, e in quindici anni Goffredo e i suoi collaboratori (Gianluca, Federica e Angelo) hanno ospitato tutto il cinema italiano. Ma, come in ogni sceneggiatura che si rispetti tra quelle che Goffredo ha sonorizzato centinaia di volte, non si è fatto attendere il momento dello scontro. Il nemico ha assunto a gennaio del 2016 le fattezze di una tubatura che è esplosa in strada, sommergendo sotto un metro e mezzo d’acqua gli studi di Via Ugo de Carolis nel quartiere Balduina. Danni incalcolabili e debiti, il rischio concreto della chiusura e l’inizio di un percorso giudiziario che oggi, dopo quattro anni, non è ancora riuscito a stabilire un minimo risarcimento.
Oggi la Digital Records è aperta e c’è ancora tutto, conservato in una stanza non riscaldata: centinaia di migliaia di euro di attrezzature logorate dall’acqua ricordano nell’ombra quello che è stato.
“È grazie alla mia famiglia se siamo ancora qui: quella naturale e quella allargata, fatta dai musicisti, dai compositori e dai direttori che hanno lavorato con la Digital Records.” Le difficoltà economiche che hanno messo in ginocchio la società di Goffredo sono state superate, in attesa di una sentenza definitiva, grazie alle donazioni e ai prestiti di chi in Digital Records si è sempre sentito a casa, con o senza tamburi.
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<figure id="attachment_35084" aria-describedby="caption-attachment-35084" style="width: 1024px" class="wp-caption aligncenter"><img class="wp-image-35084 size-large" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/1100182-1024x768.jpg" alt="" width="1024" height="768" /><figcaption id="caption-attachment-35084" class="wp-caption-text">Mixer 88RS in sala di registrazione</figcaption></figure>
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Il simbolo della rinascita è il mixer che domina da un paio d&#8217;anni la sala regia, modello 88RS dell’Ams Neve, uno strumento dal valore di quasi un milione di euro. Ce ne sono tre in tutta Europa e l’unico uomo sulla terra in grado di ripararlo è uno scozzese che vive a Londra. “È uno strumento straordinario, un’operazione di marketing ma anche l&#8217;emblema del nostro volerci essere”.
Nessuno ha mai pianto davanti una scena senza musica, ma per colpa di una rottura, che cinematograficamente chiameremo di “quarta parete”, proprio senza la musica, le alterazioni e i tamburi di Goffredino, il cinema italiano ha rischiato di piangere davvero.
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Photo credits: Angelo Astrei
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Senza la Digital Records il cinema avrebbe rischiato di piangere

Due storie diverse. Lei si chiama Vicky Schaetzinger, è una pianista eclettica, capace di passare da Battisti a Chopin, da Bill Evans a Keith Jarrett; e forse non è un caso che per quindici anni abbia accompagnato Milva al pianoforte. Lui si chiama Alessandro Marra ed è un violinista classico. È uscito dal Conservatorio Rossini di Pesaro, e dopo una lunga parentesi londinese ha suonato per anni nell’orchestra sinfonica di Sanremo. Due storie lontane che hanno in comune due cose preziose: la passione per la musica e il desiderio profondo di trasferire questo nobilissima forma d’arte alle giovani generazioni.
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<h2>“Ho lasciato i concerti per la mia scuola di musica. Il vero talento è l’applicazione”</h2>
Siamo nell’ufficio di Vicky Schaetzinger, amministratrice e direttrice artistica della Cluster, la scuola di musica che ospita a Milano oltre mille allievi accreditata dalla Regione Lombardia e riconosciuta dal Conservatorio di Milano. Una case history di successo in un momento in cui l’industria musicale è in sofferenza. Per Vicky la Cluster, situata in una palazzina di tre piani in via Mosè Bianchi, è una seconda casa; una postazione di comando, visto che in quell’ufficio ci passa ore e ore, a organizzare riunioni con gli insegnanti, saggi degli alunni e cori per ragazzi e adulti. Sopra la scrivania campeggia un motto in inglese: Do what you love, love what you do.
<figure id="attachment_35299" aria-describedby="caption-attachment-35299" style="width: 667px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/Vicky-IMG_3508.jpg"><img loading="lazy" decoding="async" class="wp-image-35299 size-full" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/Vicky-IMG_3508.jpg" alt="" width="667" height="1000" /></a><figcaption id="caption-attachment-35299" class="wp-caption-text">Vicky Schaetzinger, amministratrice e direttrice artistica della Cluster.</figcaption></figure>
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Cos’è, il tuo motto? La tua filosofia? È a queste parole che chiedi di ispirarsi a coloro che si presentano all’iscrizione della tua scuola? 
Vicky mi guarda sorridendo perché sa che la sua risposta è diversa da quello che mi aspetto.
Ai giovani o anche ai meno giovani che vogliono suonare uno strumento musicale, o che vogliono prendere delle lezioni di canto, chiedo prima di tutto quanto tempo hanno.
Davvero? Soltanto questo? 
Certo, e ti assicuro che non è poco. Soprattutto a coloro che hanno ambizioni di diventare musicisti o cantanti chiedo quanto tempo hanno per studiare, per applicarsi e poi ancora applicarsi e poi ancora studiare. E sai perché? Perché sono profondamente convinta, anche in base alla mia esperienza di musicista, che con il solo talento, anche se grande, noi fai nulla se non c’è lo studio, l’applicazione e la dedizione totale alla musica. Il vero talento è la capacità e il coraggio di sacrificare cose importanti per realizzare la tua passione. Nell’immaginario di molti giovani c’è l’idea che bastino tre ore alla settimana, ma non è così. Non vorrei scadere nella retorica, ma io dico sempre agli allievi di Cluster che per fare i musicisti bisogna essere univoci, non perdersi in mille sollecitazioni che vengono dall’esterno. Se vuoi amare la musica è una cosa, ma se vuoi sposarla è un’altra. I talent, ad esempio, sono una vetrina importante, ma non è detto che se ne vinci uno sei arrivato. Se non studi prima o poi la tua esibizione sarà un ricordo sfocato. Guai a pensare che l’esibizione debba essere l’obiettivo finale. Quello è un passaggio importante, ma se ci arrivi poco attrezzato non resterà nulla né a te né a chi ti ascolta.
E con i tuoi insegnanti sei altrettanto esigente? 
Assolutamente sì. La chiave degli insegnanti di Cluster è l’empatia. Chiedo loro di entrare nella sfera emozionale degli allievi per riuscire a formare al meglio il loro percorso didattico.
Facciamo un passo indietro. Torniamo alla Vicky musicista, appassionata pianista dall’età di sei anni. 
Già, devo tornare indietro di tanti anni. Sì, ne avevo sei quando ho iniziato a studiare pianoforte. Come nasce quella passione? La signora Sonia, un’insegnante privata, veniva a casa nostra a impartire a me e a mia sorella lezioni di pianoforte. Poi le mie sorelle hanno smesso, e così smisi anch’io. Quando però mio padre morì – avevo otto anni e mezzo – sentii che dovevo tornare a suonare e a studiare. Mia madre capì che forse quella era la mia strada e così ripresi le lezioni entrando alla Civica Scuola di Musica Claudio Abbado. Mi diplomai in conservatorio e contemporaneamente alla Scuola Civica Jazz.
Il corollario di questa prima fase mi pare che si chiuda con la borsa di studio alla Scala di Milano.
È così. Ma a quell’epoca accadde qualcosa di importante: iniziai a insegnare pianoforte in un circolo Arci, nell’ex sala prove degli Equipe 84. Ed è allora che venni assalita da un dilemma che mi avrebbe accompagnato negli anni successivi.
Cioè? 
Sembrerà strano, ma quando insegnavo ero felice, mentre quando lavoravo alla Scala non ero contenta. Tant’è che dopo qualche tempo scrissi a mia madre e le dissi che avrei scelto l’insegnamento.
Non sarà stata contenta. 
Per nulla. Sapevo di darle un dolore dopo tutti i sacrifici che aveva fatto, ma quello era il mio stato d’animo.
In realtà il dilemma si scioglierà soltanto anni dopo. Anzi, accanto all’insegnamento inizia per la pianista l’era dei grandi concerti. Vicky Schaetzinger incide un disco con la Emi Classics diretto dal maestro David Searcy, e in seguito inizia a suonare e a fare concerti con una grande musicista, il primo violino della Scala, Anahi Carfi. 
Devo dire che non ho mai pensato ai soldi o alla carriera. Importante era suonare con grandi artisti; mai da sola. Cercavo sempre qualcuno che suonasse con me. A differenza di molti pianisti, non ambivo alla carriera da solista. Fu allora, tra l’altro, che scoprii la mia vena eclettica. Fondai un gruppo di tango, “TangoSeis”, con il quale suonai per anni in tutti i teatri d’Italia ed Europa (anche a Buenos Aires) e che mi diede una grande esperienza musicale, ma soprattutto mi fece capire che la mia vera natura non era prettamente classica ma borderline.
È forse per questo che sei entrata così in simbiosi con Milva? 
Credo di sì. Milva, come dimostra tutto il suo repertorio, è davvero stata un’artista eclettica, capace di passare da Bertold Brecht ad Astor Piazzolla ai classici. Avevo 28 anni quando incontrai e conobbi Milva in un teatro. L’empatia scattò immediatamente. Da allora abbiamo fatto tantissime cose assieme, dal tango argentino alla musica pop, dalla canzone francese fino alla musica contemporanea. È stata un’esperienza irripetibile che è durata quindici anni. Oltre a collaborazioni teatrali durate anni, come ad esempio lo spettacolo con Neri Marcorè, Un certo signor G, con musiche di Giorgio Gaber, che vinse tantissimi premi.
Ma il tarlo di quel dilemma tornò, immagino. 
Proprio così. Mentre facevo concerti continuavo a insegnare all’Arci, avevo circa sessanta allievi. Poi un giorno al circolo Arci incontrai e conobbi Massimo Dall’Omo, chitarrista moderno. Da quell’amicizia nacque la prima idea di fondare una scuola di musica, che si concretizzò nel 1999 con la nascita di Cluster. Non avevamo tanti soldi, ma in compenso avevamo tanta volontà e passione. Non è stato facile cominciare con ottanta allievi e pochi insegnanti. Nel 2006, in una nuova sede, arrivammo a trecento allievi e dodici insegnanti e ci sembrava di toccare il cielo. Oggi abbiamo l’onere e l’onore di gestire oltre mille allievi e quaranta insegnanti, con un certo orgoglio. Certo, anni fa decisi di abbandonare l’attività concertistica e di dedicarmi interamente allo sviluppo di Cluster.
Quando nacque questa scelta?
Sono in grado di dirti la data esatta in cui qualcosa si ruppe. 7 marzo 2009. Mi trovavo a New York con Marco Albonetti, sassofonista di rara bravura, ed eravamo alla Carnegie Hall. Avevo appena concluso una tournée teatrale con Neri Marcorè su Giorgio Gaber. Il giorno dopo il concerto dovevo tornare a Milano, perché iniziavo le prove di un nuovo spettacolo e due giorni dopo avevo un concerto con Milva al Blue Note. Mentre suonavo in una delle sale più prestigiose al mondo pensavo all’aereo del giorno dopo. Ti rendi conto in quale bulimia mi ero inserita? La musica era diventata una rincorsa continua da un progetto all’altro, da un teatro all’altro, da una città all’altra. Era una corsa. Una corsa senza ritmo. Nel 2014 smisi definitivamente tutta la mia attività. Avevo avvisato i miei collaboratori due anni prima affinché si organizzassero per sostituirmi. Quell’anno ci fu il trasferimento di Cluster nell’attuale sede di via Mosè Bianchi, e via, una seconda fase della mia vita aveva inizio.
Rimpianti? 
Assolutamente no. Oggi ti posso dire che niente è più gratificante dell’immensa energia che gravità intorno a questa scuola. È una gioia vivere con tante persone che sono lì per la stessa cosa: l’amore per la musica.
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<h2>Dall’orchestra di Sanremo all’insegnamento, erede di Rossini.</h2>
Alessandro Marra è nato nel 1970 a Osimo, una cittadina di 35.000 abitanti della zona del Conero, in Provincia di Ancona. All’età di 19 anni si diploma in uno dei templi della musica italiana, il conservatorio nato per volontà testamentaria di Gioacchino Rossini. In un passo del testamento rossiniano compilato il 5 luglio 1858, dieci anni prima della morte, il musicista pesarese aveva infatti disposto: “Quale erede della proprietà nomino il comune di Pesaro, mia patria, per fondare e dotare un liceo musicale in quella città (…)”.
Alessandro tuttavia non considera il diploma del conservatorio un punto di arrivo, ma un punto di partenza della sua carriera di artista. Così si trasferisce a Londra per quattro anni, dove si perfeziona in un altro dei luoghi principe della musica europea: il Royal College of Music, fucina secolare di grandi musicisti. “Dopo Londra – racconta Alessandro – inizia il lungo viaggio nelle orchestre sinfoniche italiane, dall’Orchestra Sinfonica della Rai al Teatro la Fenice di Venezia fino all’Orchestra Sinfonica di Sanremo, dove ho vinto il concorso nel 2001. Dal 1996 collaboro regolarmente con l’Orchestra Filarmonica Marchigiana, della quale sono poi diventato membro stabile. Negli ultimi anni ho deciso di lasciare Sanremo e di dedicarmi anche all’insegnamento in una scuola pubblica”.
<figure id="attachment_35302" aria-describedby="caption-attachment-35302" style="width: 683px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/IMG-20191229-WA0005.jpg"><img loading="lazy" decoding="async" class="wp-image-35302 size-large" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/IMG-20191229-WA0005-683x1024.jpg" alt="" width="683" height="1024" /></a><figcaption id="caption-attachment-35302" class="wp-caption-text">Il Maestro Alessandro Marra (Photo credits: Bruno Severini).</figcaption></figure>
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Ci torniamo, sulla tua passione per la formazione musicale giovanile. Prima però vorrei che mi raccontassi qualcosa da dietro le quinte di questa kermesse sanremese che ogni anno dal dopoguerra tiene incollati gli italiani alla tv per cinque giorni. 
Intanto mi ricordo le tredici ore al giorno passate all’Ariston nel periodo delle prove. Davvero una grande fatica. Mi chiedevi dell’esperienza del Festival? Direi che è poco più che coreografica. Dal punto di vista artistico, come puoi immaginare, non è granché interessante. Tieni conto che la sinfonica di Sanremo ha un repertorio classico, la musica pop è soltanto una parentesi. Fatte queste considerazioni che potrebbero sembrare irriverenti, pensando a quegli anni, devo dire che è stata un’esperienza importante e unica; soprattutto per l’atmosfera che si respirava dietro le quinte, per i rapporti umani che si intrecciavano con gli altri membri dell’orchestra o con gli artisti che partecipavano al festival. Ricordo di aver conosciuto artisti, a telecamere spente, preoccupati per la loro performance come se fossero all’esordio.
C’è qualche episodio che ti ricordi in modo particolare? 
Ce ne sarebbero tanti, ma c’è un anno che mi è rimasto impresso particolarmente: il 2004, quando le grandi major decisero di disertare Sanremo, togliendo così al palco dell’Ariston la presenza dei grandi big italiani e internazionali. Gli indici di ascolto erano crollati e nei volti di Tony Renis e Simona Ventura, presentatori del festival, si vedeva la paura di un grande flop. A quel punto Tony Renis chiese aiuto a un suo vecchio amico, Adriano Celentano, che risollevò con la sua presenza e con un’audience da stadio le sorti del Festival.
Mi raccontavi, tuttavia, che nel tuo dna non c’è soltanto l’animo dell’artista, ma anche quello dell’insegnante, con una voglia matta di coinvolgere i giovani. 
Tutto è iniziato quando la scuola di musica Marche Music College mi ha chiamato per una collaborazione. Avevano bisogno di un esperto che curasse un gruppo strumentisti ad arco che doveva registrare colonne sonore di film e documentari prodotti dai corsisti. Esaurito questo lavoro abbiamo deciso di continuare autonomamente. Da un paio d’anni il gruppo, Marche Music College Orchestra, fa concerti in giro per l’Italia. Sono circa trenta ragazzi. Alcuni studiano in conservatorio, altri studiano in scuole private di musica come la Bettino Padovano di Senigallia, che è la nostra sede, oppure vengono dal Liceo Musicale Rinaldini di Ancona, dove io stesso insegno. Per loro è un’esperienza davvero formativa e culturalmente rilevante, soprattutto perché questa attività concertistica consente loro di suonare assieme cose importanti davanti al pubblico. E ti assicuro che di questo sono molto orgogliosi, li motiva molto ad andare avanti.
Un gruppo di archi farebbe pensare a un repertorio strettamente classico, invece tu mi raccontavi che non è così. 
C’è ovviamente un repertorio classico, ma abbiamo scelto di fare anche altro, come la musica minimalista del Novecento, o per altri versi la musica che accompagna i film che hanno preso l’Oscar, come ad esempio La Vita è Bella o Star Wars. Insomma, avrai capito che per l’orchestra Magic Music College c’è un futuro concertistico e artistico di cui vado orgoglioso.
<figure id="attachment_35301" aria-describedby="caption-attachment-35301" style="width: 1024px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/IMG_9627.jpg"><img loading="lazy" decoding="async" class="wp-image-35301 size-large" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/IMG_9627-1024x682.jpg" alt="" width="1024" height="682" /></a><figcaption id="caption-attachment-35301" class="wp-caption-text">Violiniste della Marche Music College Orchestra (Photo credits: Bruno Giulianelli)</figcaption></figure>
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<figure id="attachment_35303" aria-describedby="caption-attachment-35303" style="width: 2048px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/teatro-mmc.jpg"><img loading="lazy" decoding="async" class="wp-image-35303 size-full" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/teatro-mmc.jpg" alt="" width="2048" height="1366" /></a><figcaption id="caption-attachment-35303" class="wp-caption-text">Concerto della Marche Music College Orchestra al Teatro La Nuova Fenice, Osimo (Photo credits: Bruno Severini).</figcaption></figure>

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Due storie diverse. Lei si chiama Vicky Schaetzinger, è una pianista eclettica, capace di passare da Battisti a Chopin, da Bill Evans a Keith Jarrett; e forse non è un caso che per quindici anni abbia accompagnato Milva al pianoforte. Lui si chiama Alessandro Marra ed è un violinista classico. È uscito dal Conservatorio Rossini [&hellip;]

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Il celebre Woodstock di Michael Wadleigh (al quale lavorò come aiuto regista anche Martin Scorsese) contribuì in maniera significativa a far entrare nella storia – anche del costume – il festival musicale del 1969. Documentare la musica e i suoi interpreti è ancora oggi una sfida affascinante e suggestiva, condotta non senza difficoltà dai fotografi di live, che portano avanti una specializzazione peculiare in un’epoca in cui le modalità di fruizione e condivisione dell’evento live sono profondamente cambiate. A raccontarci il suo lavoro è Mathias Marchioni, classe 1979, giornalista e fotografo di musica live dal 2015.
<figure id="attachment_35288" aria-describedby="caption-attachment-35288" style="width: 720px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/mathias.jpg"><img class="wp-image-35288 size-full" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/mathias.jpg" alt="" width="720" height="514" /></a><figcaption id="caption-attachment-35288" class="wp-caption-text">Mathias Marchioni</figcaption></figure>
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Come hai iniziato?
Dopo la laurea in scienze politiche ho aperto la partita Iva lavorando in ambito informatico, ma il mio sogno è sempre stato quello di diventare giornalista. Amo la musica, ero un musicista, quindi mi sono proposto a webzine del settore iniziando a collaborare con loro – OnStage la più importante – anche come fotografo. Ottenuto il tesserino, mi sono reso conto del fatto che le mie foto piacevano e in molti mi incoraggiavano a provarci ancora più seriamente. Una svolta importante è stata l’inserimento nella squadra di Virgin Radio: occuparsi della copertura fotografica dei festival e dei concerti, di cui Virgin Radio era sponsor e non solo, ha rappresentato un trampolino di lancio che ha permesso di farmi conoscere nell’ambiente.
Per oltre due anni sei stato anche direttore responsabile della testata online MusicAttitude. Un’avventura che si è da poco conclusa.
Sì, ho ceduto il timone perché l’impegno era davvero gravoso. È stata un’esperienza arricchente dal punto di vista personale che mi ha aiutato a crescere molto, mentre dal punto di vista della professione di fotografo ha costituito un freno.
Le esperienze di un fotografo e di un giornalista accreditato a un concerto non potrebbero essere più diverse. È così?
Un fotografo vive l’evento del concerto in maniera completamente diversa dal giornalista, che ha il suo biglietto, la sua postazione in tribuna stampa (difficilmente in parterre), entra quasi in contemporanea con il pubblico, pochi minuti prima dell’inizio, assiste al concerto e poi scrive il pezzo. Il fotografo è vicino all’azione, deve entrare molto prima e rispettare maggiormente le regole del live. Ha a che fare con il management dell’artista, che fornisce direttive comportamentali: quando si può scattare, per quanto tempo e dove. Il fotografo si muove in una posizione estremamente vicina al palco, davanti a tutti, in quello spazio che in gergo si chiama pit, dove si trova la security e si ha la possibilità di interagire con le altre professionalità che lavorano nei live, come i tecnici delle luci, del palco, del suono, oltre al management e all’artista stesso.
Ma non tutti i fotografi live sono uguali.
I fotografi sono accreditati a vari livelli: con le testate giornalistiche per cui devono coprire l’evento, con le società di promozione del concerto e con l’artista stesso. Sono tre livelli diversi con bonus differenti. Nel primo caso, l’artista generalmente concede le prime tre canzoni per scattare immagini. Finito questo tempo, il fotografo con l’accredito stampa viene accompagnato fuori dalla venue. Chi è stato assoldato dal promoter ha di solito anche la possibilità di accedere all’after-show e può fare panoramiche dell’evento. Il professionista che segue l’artista gode di più libertà di movimento rispetto ai colleghi, ma ha anche molte più responsabilità; partecipa ai briefing con i principali attori coinvolti, in primis il management, e in quel momento è un vero e proprio membro del team dell’artista a cui risponde.
Hai vissuto tutte queste tipologie di committenza. Hai fatto parte della squadra di fotografi che ha accompagnato Bruce Springsteen nel suo The River Tour in Italia, nel 2016. Che esperienza è stata?
È banale dirlo, ma quando lavori con un artista il coinvolgimento e di conseguenza la soddisfazione sono più elevati. È come, per un giornalista, ottenere un’intervista esclusiva faccia a faccia piuttosto che partecipare a una tavola rotonda con altri colleghi. Purtroppo non c’è stato modo di incontrare direttamente Bruce Springsteen; a volte succede, con questi grandi nomi. Forse è stato meglio così: avevamo una scaletta da seguire ed è quasi consigliabile dimenticarsi per chi stai lavorando per mantenere la giusta lucidità. Altre volte sei più a stretto contatto con l’artista, come con i Negramaro, di cui l’anno scorso ho seguito il tour estivo e invernale. Pur essendo una band importante c’era una certa accessibilità, e i tempi sono stati più umani rispetto al tour di Springsteen.
Il fotografo deve anche essere un po’ psicologo quando è a stretto contatto con un artista famoso?
Sì, devi saperti comportare in una situazione estremamente riservata come quella del backstage con gli artisti e i loro ospiti. La privacy è molto importante, bisogna fare attenzione a quali foto scattare, quali tenere per sé e quali mostrare all’artista. È uno degli errori più facili in cui cadere: lasciarsi prendere dall’entusiasmo del momento e diventare fan, scordandosi di essere un professionista. Basta davvero un attimo, ma va evitato, almeno per come intendo io questo mestiere. Si vivono emozioni forti, anzi fortissime, ma bisogna contenerle e controllarle prima che diventino preponderanti e abbiano la meglio su quello che stai facendo, su come devi fare il tuo lavoro.
Che senso ha la fotografia di musica live oggi?
È una riflessione personale che vivo anche in maniera conflittuale. Si fanno sempre i conti con i grandi del passato, che avevano a disposizione band leggendarie che oggi forse non ci sono più, oppure non sono così nel fiore degli anni. Basti pensare ai Rolling Stones. Il confronto si fa con chi li ha immortalati negli anni Sessanta e Settanta. Non lo sapremo mai con certezza, ma credo che le foto attuali dei Rolling Stones non avranno quell’impatto e quel carattere di unicità che possiedono ancora quelle scattate decenni fa. Per questo motivo sento che un professionista oggi parte svantaggiato, perché si è perso il valore che la fotografia aveva un tempo, vuoi perché i fotografi del settore erano pochi, vuoi per l’utilizzo della pellicola. A incidere è anche la sovrapposizione di immagini degli artisti. Tutti oggi fanno foto; l’unica soluzione, quindi, è puntare sulla qualità, portare a casa un risultato superiore a quello di tutti gli altri.
Si può parlare di concorrenza degli amatoriali?
Se una persona del pubblico riuscisse a entrare all’evento con l’attrezzatura professionale, probabilmente immortalerebbe momenti salienti inaccessibili al fotografo accreditato, che dopo tre canzoni è dovuto uscire. Capita già che il fan al concerto scatti una foto con il suo smartphone, la pubblichi sui social network taggando l’artista, e che lui magari la condivida; in questo caso l’artista viene meno alle regole che lui stesso ha imposto, dando visibilità a immagini di persone che non si limitano più a essere fan, ma si improvvisano e si sentono legittimati a comportarsi come fotografi professionisti, pur non essendolo. Il discorso è molto lungo e complesso; spesso non è responsabilità diretta dell’artista ma del suo entourage, che sceglie foto di fan per il materiale promozionale e sa che non deve pagarle perché il fan stesso gliele regala. È una questione di educazione che in generale sta venendo a mancare. Il male della mia professione è che ci sono centinaia, se non migliaia, di improvvisati hobbysti che, in barba alle regole, vanno a scattare fotografie ai concerti che frequentano.
Questo cosa comporta?
La loro occupazione primaria è un’altra: la tranquillità economica non fa comprendere loro il valore aggiunto che porta un fotografo di live. Per loro è un passatempo, che però compromette il lavoro di chi lo fa – o vorrebbe farlo – per vivere. E quando il circo mediatico dietro l’artista si abitua a disporre di centinaia di foto in maniera gratuita, avrà sempre più ritrosia nei confronti del professionista che, di fronte alla richiesta di un incarico, redige un preventivo e chiede un giusto compenso. Questo ha portato a una crisi della professione.
Quanti fanno oggi questo mestiere in Italia?
Un fotografo live che gioca su numeri da professionisti nell’arco di un anno segue da accreditato non meno di cento concerti, tra cui eventi di artisti internazionali in venue importanti come San Siro o lo Stadio Olimpico. A tenere questi ritmi oggi è circa una quarantina di persone. Quanti di questi 40-50 ha come professione principale quella di fotografo? Il numero cala esponenzialmente e si conta sulle dita di una mano, stando largo, chi ha come core business l’attività di fotografo live. Io posso dire di aver raggiunto questo traguardo, ma continuo a occuparmi anche di altro proprio per la situazione di incertezza che circonda questo lavoro. L’obiettivo è puntare a migliorare e a consolidare la mia posizione, senza dare nulla per scontato. Sono contento che ci sia chi vede nei miei scatti qualcosa di diverso. Virgin Radio opera anche su Milano, dove l’offerta di fotografi è ampissima, eppure ha scelto di affidarsi a me, che vivo in provincia di Bologna, e a Henry Ruggeri, uno dei migliori fotografi di live in Italia, che viene delle Marche. È una conferma che stai lavorando bene.
In questi anni hai lavorato con i nomi più celebri della musica italiana e internazionale, da Vasco Rossi ai Rolling Stones. Puoi svelarci una preferenza, un aneddoto curioso da raccontare?
Amo particolarmente gli artisti che più sono grandi e importanti e meno si nascondono dietro una serie di regole e limitazioni che complicano l’impegno del fotografo. Ad esempio, una band storica come i Depeche Mode a oggi non ha mai creato problemi in questo senso, mentre artisti minori ed emergenti – spesso italiani, devo ammettere – ti pongono dei paletti, ti fanno approvare prima le immagini. Mi ha sempre colpito questa discrepanza di atteggiamento di chi, avendo uno spessore artistico superiore, concede la massima libertà espressiva. Di aneddoti ce ne sarebbero a iosa e non escludo di raccoglierli in un libro fotografico, un giorno. Per il momento, quello che posso dire è che ciò che accade nel backstage resta nel backstage.
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<figure id="attachment_35291" aria-describedby="caption-attachment-35291" style="width: 1280px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/depeche-mode-live-rome-italia-2017-mathias-marchioni.jpg"><img class="wp-image-35291 size-full" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/depeche-mode-live-rome-italia-2017-mathias-marchioni.jpg" alt="" width="1280" height="853" /></a><figcaption id="caption-attachment-35291" class="wp-caption-text">Depeche Mode, Live in Italy, Roma 2017. Fotografia a cura di Mathias Marchioni.</figcaption></figure>
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In copertina: Frank Carter, fotografia di Mathias Marchioni

Il fotografo live si muove sul pit

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“Nessuno ha mai pianto davanti una scena senza musica”.
Ha esordito così Goffredo Gibellini, mentre sfoderava il divano violentato da un cane capriccioso e io mi perdevo tra i cavi colorati che si attorcigliavano elegantemente sul banco dello studio tra centinaia di pulsanti, manopole e potenziometri. Nella stanza grande, dall’altra parte del vetro, regnava invece un silenzio assoluto. Due semafori, inspiegabilmente lì, erano fissi sul verde, e decine di tamburi appesi al muro illuminavano delicatamente i microfoni e i leggii.
“Li ho costruiti da solo”, mi ha anticipato Goffredo scoprendomi intento a scrutarli, “ma non sono solo lampade. Servono per illudere, manipolare la realtà; che in fin dei conti è esattamente ciò che facciamo qui.”
<figure id="attachment_35082" aria-describedby="caption-attachment-35082" style="width: 1024px" class="wp-caption aligncenter"><img loading="lazy" decoding="async" class="wp-image-35082 size-large" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/1100176-1024x768.jpg" alt="" width="1024" height="768" /><figcaption id="caption-attachment-35082" class="wp-caption-text">Le scelte cromatiche ed estetiche dello studio sono un omaggio al pittore e musicista Giacomo Balla – autore tra l’altro del Manifesto del Colore e del Manifesto della Cinematografia Futurista</figcaption></figure>
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<h2>Nel cuore musicale del cinema italiano</h2>
Goffredo Gibellini è il proprietario della Digital Records, il più importante studio per l’incisione di colonne sonore che c’è in Italia. Le locandine e gli spartiti incorniciati nei corridoi testimoniano chi è passato da lì e i film nati anche grazie al suo contributo: da Gangs of New York a Non Essere Cattivo, da Morricone e Ezio Bosso a Ludovico Einaudi e Andrea Guerra, passando per praticamente tutte le opere di Paolo Sorrentino.
I tamburi nella sala di registrazione hanno recentemente sostituito un complesso sistema di microfoni e diffusori pensato per garantire un buon riverbero. “Il suono è tutto”, mi dice. “Specialmente per gli strumenti che hanno un tempo di decadimento rapido è fondamentale che i musicisti possano ascoltarsi come se suonassero nell’intimità di casa loro, ma con un’acustica da teatro”.
Il sistema, artigianale e brevettato col nome di kickback qualche anno fa, si basa su pelli sottilissime tirate in modo che il ritorno del suono sia naturale. “Quasi due secondi” sottolinea orgoglioso Goffredo facendomi notare con ironia che i supporti metallici sui quali i tamburi sono ancorati altro non sono che piatti da paella.
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<figure id="attachment_35081" aria-describedby="caption-attachment-35081" style="width: 1024px" class="wp-caption aligncenter"><img loading="lazy" decoding="async" class="wp-image-35081 size-large" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/1100172-1024x768.jpg" alt="" width="1024" height="768" /><figcaption id="caption-attachment-35081" class="wp-caption-text">Alcuni dei quadri esposti nel salottino della Digital Records</figcaption></figure>
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<h2>La Digital Records, una famiglia di musicisti e compositori</h2>
Il divano ora è senza fodera. Bussano alla porta ed entra un signore anziano e sorridente che l’assistente di Goffredo introduce come “il Maestro”. Una consuetudine, in quell’ambiente. Si salutano affettuosamente, scambiano qualche battuta e si congedano dopo la consegna di un cd. Appena chiusa la porta Goffredo mi dice: “Quello è Zambrini”. Io annuisco, fingendo maldestramente di sapere chi sia.
Solo una volta in auto leggo su Wikipedia che quell’uomo è stato compositore per Modugno, Mina, Morandi e Patty Pravo; ha composto le colonne sonore per la saga dei Fantozzi, i cinepanettoni di Neri Parenti, tutti i film di Fausto Brizzi e anche la sigla di Domenica In di Corrado. Lui di sicuro, tamburi o no, si sentiva a casa.
“La Digital Records è una grande famiglia”, ha ribadito più volte Goffredo durante la nostra chiacchierata, “una famiglia che in più occasioni si è davvero comportata come tale.”
<figure id="attachment_35079" aria-describedby="caption-attachment-35079" style="width: 1024px" class="wp-caption aligncenter"><img loading="lazy" decoding="async" class="wp-image-35079 size-large" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/1100139-1024x768.jpg" alt="" width="1024" height="768" /><figcaption id="caption-attachment-35079" class="wp-caption-text">Cavi nella sala di registrazione</figcaption></figure>
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<h2>Goffredo Gibellini, una vita nella musica senza studi musicali</h2>
Nessuno ha mai pianto davanti una scena senza musica, eppure solo alcuni compositori di colonne sonore godono di una certa fama; gli esecutori non sfilano mai sui red carpet e i tecnici del suono, nei titoli di coda, vengono molto dopo il make-up. Non c’è neanche un premio per loro. L’oscar al miglior sonoro è riferito alla presa diretta, eppure basterebbe un pomeriggio con Goffredo per capire quanto fondamentale sia il loro contributo.
È difficile spiegarlo e andare oltre il concetto di un brano che si sente bene, eppure ascoltare una colonna sonora con lui è un’esperienza durante la quale i sensi si sovrappongono e si intrecciano, restituendo l’illusione di aver visto qualcosa che in realtà si è solo udita. Con la mano che tiene il tempo come un direttore d’orchestra infatti apre sul suo Mac il progetto cinematografico numero 687 (numerazione iniziata dodici anni fa), che è un film di prossima uscita, e commenta ogni movimento melodico costruendo con poche parole nel mio immaginario quello che il film avrebbe mostrato se solo il monitor fosse stato acceso.
“Non posso rendere bella una cosa brutta, ma devo far emergere l’impercettibile. Il mondo che il compositore ha immaginato, devo costruirlo per restituirlo al pubblico.”
Goffredo ha imparato a solfeggiare pochi anni fa senza mai studiare musica. È nato tra le colonne sonore: la sua famiglia era la proprietaria del Forum, uno dei più celebri studi di registrazione di musica di tutta Roma, e all’età di 16 anni ha iniziato a frequentare le sale regia riparando cuffie. Ha frequentato il tecnico industriale, che gli ha permesso di accumulare nozioni più sulla componentistica elettronica degli strumenti che sull’armonia e la tecnica musicale.
Ma il senso ritmico non è l’unica caratteristica che lo rende simile a un direttore d’orchestra, perché l’orecchio musicale che la genetica e il tempo gli hanno donato è qualcosa di mistico. “Lo senti? Qui uno dei secondi violini è calante”. Inutile precisare che io non riuscivo nemmeno a isolare gli archi in quell’amalgamarsi di suoni e note.
“La melodia invece, quella ci vuole sempre”, dice secco. “Oggi si tende a interpretare la musica da film come un commento alle immagini, ma se vuoi avere traccia ricordati che non puoi canticchiare un’atmosfera realizzata da pad”.
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<figure id="attachment_35087" aria-describedby="caption-attachment-35087" style="width: 1024px" class="wp-caption aligncenter"><img loading="lazy" decoding="async" class="wp-image-35087 size-large" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/1100213-1024x768.jpg" alt="" width="1024" height="768" /><figcaption id="caption-attachment-35087" class="wp-caption-text">Goffredo Gibellini, fondatore e titolare della Digital Records</figcaption></figure>
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<h2>L’allagamento, le difficoltà e la rinascita della Digital Records</h2>
La Digital Records ha aperto nel 2005, e in quindici anni Goffredo e i suoi collaboratori (Gianluca, Federica e Angelo) hanno ospitato tutto il cinema italiano. Ma, come in ogni sceneggiatura che si rispetti tra quelle che Goffredo ha sonorizzato centinaia di volte, non si è fatto attendere il momento dello scontro. Il nemico ha assunto a gennaio del 2016 le fattezze di una tubatura che è esplosa in strada, sommergendo sotto un metro e mezzo d’acqua gli studi di Via Ugo de Carolis nel quartiere Balduina. Danni incalcolabili e debiti, il rischio concreto della chiusura e l’inizio di un percorso giudiziario che oggi, dopo quattro anni, non è ancora riuscito a stabilire un minimo risarcimento.
Oggi la Digital Records è aperta e c’è ancora tutto, conservato in una stanza non riscaldata: centinaia di migliaia di euro di attrezzature logorate dall’acqua ricordano nell’ombra quello che è stato.
“È grazie alla mia famiglia se siamo ancora qui: quella naturale e quella allargata, fatta dai musicisti, dai compositori e dai direttori che hanno lavorato con la Digital Records.” Le difficoltà economiche che hanno messo in ginocchio la società di Goffredo sono state superate, in attesa di una sentenza definitiva, grazie alle donazioni e ai prestiti di chi in Digital Records si è sempre sentito a casa, con o senza tamburi.
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<figure id="attachment_35084" aria-describedby="caption-attachment-35084" style="width: 1024px" class="wp-caption aligncenter"><img loading="lazy" decoding="async" class="wp-image-35084 size-large" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/1100182-1024x768.jpg" alt="" width="1024" height="768" /><figcaption id="caption-attachment-35084" class="wp-caption-text">Mixer 88RS in sala di registrazione</figcaption></figure>
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Il simbolo della rinascita è il mixer che domina da un paio d&#8217;anni la sala regia, modello 88RS dell’Ams Neve, uno strumento dal valore di quasi un milione di euro. Ce ne sono tre in tutta Europa e l’unico uomo sulla terra in grado di ripararlo è uno scozzese che vive a Londra. “È uno strumento straordinario, un’operazione di marketing ma anche l&#8217;emblema del nostro volerci essere”.
Nessuno ha mai pianto davanti una scena senza musica, ma per colpa di una rottura, che cinematograficamente chiameremo di “quarta parete”, proprio senza la musica, le alterazioni e i tamburi di Goffredino, il cinema italiano ha rischiato di piangere davvero.
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Photo credits: Angelo Astrei
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“Nessuno ha mai pianto davanti una scena senza musica”. Ha esordito così Goffredo Gibellini, mentre sfoderava il divano violentato da un cane capriccioso e io mi perdevo tra i cavi colorati che si attorcigliavano elegantemente sul banco dello studio tra centinaia di pulsanti, manopole e potenziometri. Nella stanza grande, dall’altra parte del vetro, regnava invece un [&hellip;]

Senza la Digital Records il cinema avrebbe rischiato di piangere - Informazione senza filtro

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Tutti abbiamo cantato attorno al fuoco La canzone del sole di Battisti, continuiamo a emozionarci con Almeno tu nell’universo di Mia Martini e cantiamo a squarciagola Non sono una signora della Bertè. Ma chi c’è dietro tutto questo, oltre a delle voci e a dei personaggi immortali? Che cosa ci porta a considerare determinate canzoni una parte di noi stessi?
Mogol, Albertelli, Minellono, Lauzi, Cogliati, Morra, Migliacci sono solo alcuni dei grandi autori italiani che hanno reso delle parole apparentemente semplici pura poesia. La grandezza di un paroliere non si trova solo nelle parole vere e proprie, ma soprattutto nella realtà che in quel momento si sta vivendo: una realtà delle volte positiva con le sue gioie e speranze, negativa con i suoi dolori e dubbi, ma anche fantastica attraverso sogni e paure. La bellezza di un autore è nel sentire e interpretare il momento, dare una voce all’anima.
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<h2>Il Centro Europeo di Toscolano, la scuola di musica e parole di Mogol</h2>
Il Centro Europeo di Toscolano è una scuola a tutto tondo in cui si respira la musica vera e appassionata, un’associazione no-profit nel cuore dell’Umbria (ad Avigliano Umbro, in un centro di oltre 120 ettari) fondata dal grande Mogol, dove si tengono corsi per autori, compositori, interpreti e vari seminari per arrangiatori e musicisti. Nato nel 1992, il CET ha formato e diplomato circa 4.000 ragazzi, con una media di 100-150 diplomati l’anno. Quest’anno sono stati creati ben due corsi in collaborazione con i conservatori di varie zone d’Italia, che hanno dato la possibilità di formare i docenti degli stessi conservatori, i quali viceversa hanno portato la loro didattica e anche l’hip-hop proprio nei conservatori in cui insegnavano.
Prima scuola in Italia a essere organizzata come un college inglese o americano, il Centro Europeo di Toscolano è caratterizzato da corsi articolati in quindici giorni: una vera full immersion nella musica. Proprio per la sua particolarità, la scuola di Mogol è stata riconosciuta come Centro di interesse pubblico dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali, ovvero un centro di eccellenza universitario della musica popolare, con lo scopo di valorizzare e qualificare nuovi professionisti della musica pop.
Il lavoro di questa scuola musicale non termina con i corsi e le lezioni. Mogol ha infatti dato vita al Music Book, ovvero la possibilità, a chi non ha potuto sostenere l’esame di ammissione, di interagire con i docenti del CET. Si tratta di audizioni online e live che permettono una valutazione, a prescindere dall’essere allievi della scuola, oggettiva e coerente del proprio lavoro senza promettere facili successi e senza illudere nessuno. È stato proprio il maestro a ideare una piattaforma che facesse interagire tra loro professionisti del settore, con l’obiettivo di creare connessioni e collaborazioni.
<figure id="attachment_35282" aria-describedby="caption-attachment-35282" style="width: 960px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/Cet-1.jpg"><img class="wp-image-35282 size-full" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/Cet-1.jpg" alt="" width="960" height="466" /></a><figcaption id="caption-attachment-35282" class="wp-caption-text">La sede del CET, ad Avigliano Umbro.</figcaption></figure>
La presentazione dei vari corsi inizia con una frase molto introspettiva, che fa capire sin da subito il risvolto umano e psicologico della musica: “Essere per scrivere”. Ma non è la sola. Nel corso per interpreti tra le materie trattate spicca “Filosofia dell’essere”, “Libertà interiore”, “Analisi delle capacità individuali” e soprattutto “Analisi e assimilazione dei grandi interpreti”.
La presenza dei docenti che insegnano al CET è consistente: si parla dello stesso Mogol, che gira tra i ragazzi regalando pillole di saggezza musicale, di Mario Lavezzi, Oscar Prudente, Alfredo “Cheope” Rapetti, Giuseppe Barbera, Carla Quadraccia, David Poggiolini e molti altri. Ma il percorso di un docente parte, prima di tutto, dall’essere allievo: il futuro insegnante infatti frequenta uno o più corsi per poi diventare assistente docente, e infine docente vero e proprio dopo altri corsi specifici. È stato proprio il maestro Mogol a volere che gli stessi allievi diventassero docenti, poiché ha ritenuto fosse un passaggio meritato per continuare a trasmettere valori umani, insegnamenti preziosi ed entusiasmo.
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<h2>Il mestiere di paroliere secondo Giuseppe Anastasi</h2>
Fra i docenti spicca il talentuoso autore, cantautore e musicista Giuseppe Anastasi, noto per aver scritto i brani Sincerità, vincitore della sezione giovani del Festival di Sanremo 2009, e Controvento, vincitore del Festival di Sanremo 2014, entrambi interpretati da Arisa (la stessa cantante è stata allieva del CET).
<figure id="attachment_35281" aria-describedby="caption-attachment-35281" style="width: 958px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/Anastasi-1.jpg"><img class="wp-image-35281 size-full" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/Anastasi-1.jpg" alt="Giuseppe Anastasi, paroliere di talento e tra gli autori più apprezzati in Italia." width="958" height="640" /></a><figcaption id="caption-attachment-35281" class="wp-caption-text">Giuseppe Anastasi</figcaption></figure>
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Giuseppe, l’autore ha un ruolo fondamentale, forse il più importante di tutti. Ma chi è questa figura che a volte si trova nell’ombra?
L’autore è una persona come tutte le altre. Soltanto che, a volte, quello che pensa non lo dice ma lo scrive.
Com’è cambiato il ruolo dell’autore? C’è un’evoluzione o un’involuzione? Ci sono differenze fra le varie fasi che la musica italiana ha subito e sta subendo?
Non c’è stata un’evoluzione o un’involuzione. In realtà il modo di scrivere cambia in base al contesto storico, perché ogni epoca ha le sue parole.
Che tipo di autore troviamo oggi? Su quali parole e testi ci si basa?
Ovviamente, in base al genere musicale, la scrittura cambia. Nella musica pop si possono trovare ancora del romanticismo e dei temi sociali affrontati con equilibrio. Nella musica rap e nella trap troviamo invece maschilismo, che però è accettato dalle ragazze di quest’ultima generazione, e poi sesso, droga, alcol e tutto quello che può scaturire da un disagio sociale.
Secondo lei si è perso qualcosa, strada facendo, di questa figura così complessa?
A mio avviso niente affatto, anzi gli scrittori stanno aumentando sempre di più. Quando un Paese è in crisi economica, politica e di valori in generale, gli scrittori aumentano sempre.
Lei è un autore e cantautore a 360°, insegna al CET di Mogol dove si è anche formato. Che cosa consiglia a chi vuole avvicinarsi a questo mondo?
Il consiglio che voglio dare a chi si avvicina a questo mondo è di stare attento alla vita, di osservare, capire, interrogarsi e studiare. Studiare sempre, finché se ne ha la forza, e ogni volta che si scrive una canzone di farla sentire a più gente possibile. Raccogliere tutti i pareri e farne tesoro.
L’autore, per certi versi, è alla stregua di un poeta. Perché essere un autore?
Per me, l’autore di canzoni non è un poeta. Oltre che con la penna e il foglio di carta, ha a che fare e deve interpretare qualcosa di suggestivo e immateriale: la musica.
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Il paroliere è un mestiere che continua a stupire. È un lavoro che presuppone pazienza e il saper ascoltare se stessi e gli altri: “Poeta è non solo colui che sa comunicare profonde emozioni, ma anche chi è in grado di riceverle”, sostiene Gulio Rapetti. “Essere per scrivere”, si legge come primo punto dei corsi CET. Forse è proprio questa l’essenza di un autore: cercare di essere qualcosa e qualcuno in mille modi diversi, proprio per cogliere la vita in tutte le sue sfaccettature. Così come viene, così come un paroliere percepisce attraverso il mondo che lo circonda, respirando a pieni polmoni.
In copertina: Mogol durante una delle sue lezioni al CET.

Di mestiere autore, a caccia di vita

Il celebre Woodstock di Michael Wadleigh (al quale lavorò come aiuto regista anche Martin Scorsese) contribuì in maniera significativa a far entrare nella storia – anche del costume – il festival musicale del 1969. Documentare la musica e i suoi interpreti è ancora oggi una sfida affascinante e suggestiva, condotta non senza difficoltà dai fotografi di live, che portano avanti una specializzazione peculiare in un’epoca in cui le modalità di fruizione e condivisione dell’evento live sono profondamente cambiate. A raccontarci il suo lavoro è Mathias Marchioni, classe 1979, giornalista e fotografo di musica live dal 2015.
<figure id="attachment_35288" aria-describedby="caption-attachment-35288" style="width: 720px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/mathias.jpg"><img loading="lazy" decoding="async" class="wp-image-35288 size-full" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/mathias.jpg" alt="" width="720" height="514" /></a><figcaption id="caption-attachment-35288" class="wp-caption-text">Mathias Marchioni</figcaption></figure>
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Come hai iniziato?
Dopo la laurea in scienze politiche ho aperto la partita Iva lavorando in ambito informatico, ma il mio sogno è sempre stato quello di diventare giornalista. Amo la musica, ero un musicista, quindi mi sono proposto a webzine del settore iniziando a collaborare con loro – OnStage la più importante – anche come fotografo. Ottenuto il tesserino, mi sono reso conto del fatto che le mie foto piacevano e in molti mi incoraggiavano a provarci ancora più seriamente. Una svolta importante è stata l’inserimento nella squadra di Virgin Radio: occuparsi della copertura fotografica dei festival e dei concerti, di cui Virgin Radio era sponsor e non solo, ha rappresentato un trampolino di lancio che ha permesso di farmi conoscere nell’ambiente.
Per oltre due anni sei stato anche direttore responsabile della testata online MusicAttitude. Un’avventura che si è da poco conclusa.
Sì, ho ceduto il timone perché l’impegno era davvero gravoso. È stata un’esperienza arricchente dal punto di vista personale che mi ha aiutato a crescere molto, mentre dal punto di vista della professione di fotografo ha costituito un freno.
Le esperienze di un fotografo e di un giornalista accreditato a un concerto non potrebbero essere più diverse. È così?
Un fotografo vive l’evento del concerto in maniera completamente diversa dal giornalista, che ha il suo biglietto, la sua postazione in tribuna stampa (difficilmente in parterre), entra quasi in contemporanea con il pubblico, pochi minuti prima dell’inizio, assiste al concerto e poi scrive il pezzo. Il fotografo è vicino all’azione, deve entrare molto prima e rispettare maggiormente le regole del live. Ha a che fare con il management dell’artista, che fornisce direttive comportamentali: quando si può scattare, per quanto tempo e dove. Il fotografo si muove in una posizione estremamente vicina al palco, davanti a tutti, in quello spazio che in gergo si chiama pit, dove si trova la security e si ha la possibilità di interagire con le altre professionalità che lavorano nei live, come i tecnici delle luci, del palco, del suono, oltre al management e all’artista stesso.
Ma non tutti i fotografi live sono uguali.
I fotografi sono accreditati a vari livelli: con le testate giornalistiche per cui devono coprire l’evento, con le società di promozione del concerto e con l’artista stesso. Sono tre livelli diversi con bonus differenti. Nel primo caso, l’artista generalmente concede le prime tre canzoni per scattare immagini. Finito questo tempo, il fotografo con l’accredito stampa viene accompagnato fuori dalla venue. Chi è stato assoldato dal promoter ha di solito anche la possibilità di accedere all’after-show e può fare panoramiche dell’evento. Il professionista che segue l’artista gode di più libertà di movimento rispetto ai colleghi, ma ha anche molte più responsabilità; partecipa ai briefing con i principali attori coinvolti, in primis il management, e in quel momento è un vero e proprio membro del team dell’artista a cui risponde.
Hai vissuto tutte queste tipologie di committenza. Hai fatto parte della squadra di fotografi che ha accompagnato Bruce Springsteen nel suo The River Tour in Italia, nel 2016. Che esperienza è stata?
È banale dirlo, ma quando lavori con un artista il coinvolgimento e di conseguenza la soddisfazione sono più elevati. È come, per un giornalista, ottenere un’intervista esclusiva faccia a faccia piuttosto che partecipare a una tavola rotonda con altri colleghi. Purtroppo non c’è stato modo di incontrare direttamente Bruce Springsteen; a volte succede, con questi grandi nomi. Forse è stato meglio così: avevamo una scaletta da seguire ed è quasi consigliabile dimenticarsi per chi stai lavorando per mantenere la giusta lucidità. Altre volte sei più a stretto contatto con l’artista, come con i Negramaro, di cui l’anno scorso ho seguito il tour estivo e invernale. Pur essendo una band importante c’era una certa accessibilità, e i tempi sono stati più umani rispetto al tour di Springsteen.
Il fotografo deve anche essere un po’ psicologo quando è a stretto contatto con un artista famoso?
Sì, devi saperti comportare in una situazione estremamente riservata come quella del backstage con gli artisti e i loro ospiti. La privacy è molto importante, bisogna fare attenzione a quali foto scattare, quali tenere per sé e quali mostrare all’artista. È uno degli errori più facili in cui cadere: lasciarsi prendere dall’entusiasmo del momento e diventare fan, scordandosi di essere un professionista. Basta davvero un attimo, ma va evitato, almeno per come intendo io questo mestiere. Si vivono emozioni forti, anzi fortissime, ma bisogna contenerle e controllarle prima che diventino preponderanti e abbiano la meglio su quello che stai facendo, su come devi fare il tuo lavoro.
Che senso ha la fotografia di musica live oggi?
È una riflessione personale che vivo anche in maniera conflittuale. Si fanno sempre i conti con i grandi del passato, che avevano a disposizione band leggendarie che oggi forse non ci sono più, oppure non sono così nel fiore degli anni. Basti pensare ai Rolling Stones. Il confronto si fa con chi li ha immortalati negli anni Sessanta e Settanta. Non lo sapremo mai con certezza, ma credo che le foto attuali dei Rolling Stones non avranno quell’impatto e quel carattere di unicità che possiedono ancora quelle scattate decenni fa. Per questo motivo sento che un professionista oggi parte svantaggiato, perché si è perso il valore che la fotografia aveva un tempo, vuoi perché i fotografi del settore erano pochi, vuoi per l’utilizzo della pellicola. A incidere è anche la sovrapposizione di immagini degli artisti. Tutti oggi fanno foto; l’unica soluzione, quindi, è puntare sulla qualità, portare a casa un risultato superiore a quello di tutti gli altri.
Si può parlare di concorrenza degli amatoriali?
Se una persona del pubblico riuscisse a entrare all’evento con l’attrezzatura professionale, probabilmente immortalerebbe momenti salienti inaccessibili al fotografo accreditato, che dopo tre canzoni è dovuto uscire. Capita già che il fan al concerto scatti una foto con il suo smartphone, la pubblichi sui social network taggando l’artista, e che lui magari la condivida; in questo caso l’artista viene meno alle regole che lui stesso ha imposto, dando visibilità a immagini di persone che non si limitano più a essere fan, ma si improvvisano e si sentono legittimati a comportarsi come fotografi professionisti, pur non essendolo. Il discorso è molto lungo e complesso; spesso non è responsabilità diretta dell’artista ma del suo entourage, che sceglie foto di fan per il materiale promozionale e sa che non deve pagarle perché il fan stesso gliele regala. È una questione di educazione che in generale sta venendo a mancare. Il male della mia professione è che ci sono centinaia, se non migliaia, di improvvisati hobbysti che, in barba alle regole, vanno a scattare fotografie ai concerti che frequentano.
Questo cosa comporta?
La loro occupazione primaria è un’altra: la tranquillità economica non fa comprendere loro il valore aggiunto che porta un fotografo di live. Per loro è un passatempo, che però compromette il lavoro di chi lo fa – o vorrebbe farlo – per vivere. E quando il circo mediatico dietro l’artista si abitua a disporre di centinaia di foto in maniera gratuita, avrà sempre più ritrosia nei confronti del professionista che, di fronte alla richiesta di un incarico, redige un preventivo e chiede un giusto compenso. Questo ha portato a una crisi della professione.
Quanti fanno oggi questo mestiere in Italia?
Un fotografo live che gioca su numeri da professionisti nell’arco di un anno segue da accreditato non meno di cento concerti, tra cui eventi di artisti internazionali in venue importanti come San Siro o lo Stadio Olimpico. A tenere questi ritmi oggi è circa una quarantina di persone. Quanti di questi 40-50 ha come professione principale quella di fotografo? Il numero cala esponenzialmente e si conta sulle dita di una mano, stando largo, chi ha come core business l’attività di fotografo live. Io posso dire di aver raggiunto questo traguardo, ma continuo a occuparmi anche di altro proprio per la situazione di incertezza che circonda questo lavoro. L’obiettivo è puntare a migliorare e a consolidare la mia posizione, senza dare nulla per scontato. Sono contento che ci sia chi vede nei miei scatti qualcosa di diverso. Virgin Radio opera anche su Milano, dove l’offerta di fotografi è ampissima, eppure ha scelto di affidarsi a me, che vivo in provincia di Bologna, e a Henry Ruggeri, uno dei migliori fotografi di live in Italia, che viene delle Marche. È una conferma che stai lavorando bene.
In questi anni hai lavorato con i nomi più celebri della musica italiana e internazionale, da Vasco Rossi ai Rolling Stones. Puoi svelarci una preferenza, un aneddoto curioso da raccontare?
Amo particolarmente gli artisti che più sono grandi e importanti e meno si nascondono dietro una serie di regole e limitazioni che complicano l’impegno del fotografo. Ad esempio, una band storica come i Depeche Mode a oggi non ha mai creato problemi in questo senso, mentre artisti minori ed emergenti – spesso italiani, devo ammettere – ti pongono dei paletti, ti fanno approvare prima le immagini. Mi ha sempre colpito questa discrepanza di atteggiamento di chi, avendo uno spessore artistico superiore, concede la massima libertà espressiva. Di aneddoti ce ne sarebbero a iosa e non escludo di raccoglierli in un libro fotografico, un giorno. Per il momento, quello che posso dire è che ciò che accade nel backstage resta nel backstage.
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<figure id="attachment_35291" aria-describedby="caption-attachment-35291" style="width: 1280px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/depeche-mode-live-rome-italia-2017-mathias-marchioni.jpg"><img loading="lazy" decoding="async" class="wp-image-35291 size-full" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/depeche-mode-live-rome-italia-2017-mathias-marchioni.jpg" alt="" width="1280" height="853" /></a><figcaption id="caption-attachment-35291" class="wp-caption-text">Depeche Mode, Live in Italy, Roma 2017. Fotografia a cura di Mathias Marchioni.</figcaption></figure>
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In copertina: Frank Carter, fotografia di Mathias Marchioni

Frank Carter by Mathias Marchioni

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Francesca Druidi

Giornalista professionista, dopo la laurea in Scienze della Comunicazione lavora presso realtà editoriali bolognesi e non, in redazione e come collaboratrice esterna. L’articolo di cui va più orgogliosa è l’intervista ai progettisti del mega grattacielo Burj Khalifa di Dubai, che hanno sfidato il cielo e la natura per imporre nuovi standard architettonici. Appassionata da sempre di serie tv, animazione e cinema &#8211; macchina dei sogni e al contempo specchio del reale &#8211; frequenta quando può festival cinematografici e ne scrive (www.whipart). Libri, viaggi ed enogastronomia sono i suoi viatici per la felicità.

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Il celebre Woodstock di Michael Wadleigh (al quale lavorò come aiuto regista anche Martin Scorsese) contribuì in maniera significativa a far entrare nella storia – anche del costume – il festival musicale del 1969. Documentare la musica e i suoi interpreti è ancora oggi una sfida affascinante e suggestiva, condotta non senza difficoltà dai fotografi [&hellip;]

Il fotografo live si muove sul pit - Informazione senza filtro

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Febbraio è un mese in cui la musica invade parecchi spazi e travolge anche quei canali che normalmente non le sono del tutto dedicati, come la televisione, la carta stampata i social. Ma mentre le notizie e gli scandali sanremesi ci risuonano nelle orecchie, c’è da chiedersi che ruolo ha davvero la musica in questo Paese. In particolare, che ruolo ha la musica classica?
Oggi l’Italia è ricca di scuole superiori che fino a un ventennio fa non esistevano: i licei musicali. Secondo i dati forniti dal Miur nell’anno scolastico 2018/2019 gli studenti iscritti ai licei musicali sono in totale 19.347. Sono 2.999 gli iscritti al quinto anno, 3.647 al quarto, 3.998 al terzo, 4.338 al secondo e 4.365 al primo. È evidente che negli ultimi due anni gli iscritti sono cresciuti esponenzialmente rispetto a quelli di cinque anni fa. Quelli totali dell’anno scolastico 2019/2020 sarebbero, anche se le stime non sono ancora definitive, 20.157; quindi ancora in crescita. Da questo calcolo sono esclusi gli studenti dei 58 conservatori esistenti in tutta Italia, che sfornano tantissimi diplomati.
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<h2>L’esperienza di AYSO nell’Italia ricca di conservatori e licei musicali, ma povera di orchestre</h2>
A fronte di tanti ragazzi che studiano musica, sappiamo però che in Italia le orchestre sono poche. La mancanza di orchestre non è solo un problema di sbocchi lavorativi.
Avere un’orchestra in ogni città darebbe la possibilità di formare le nuove generazioni all’ascolto della musica classica. Anche perché, se manca la formazione alla base, non costruiremo mai il pubblico di domani della musica classica e avremo soltanto orecchie affamate di radio.
Ne ho discusso con Teresa Satalino, docente al conservatorio Nino Rota di Monopoli e direttore di AYSO, Apulian Youth Symphony Orchestra, un’orchestra giovanile composta da circa 80 musicisti di età compresa tra 15 e 25 anni, selezionati da diversi conservatori italiani. Il suo è solo il punto di vista di chi la musica la insegna e la vive ogni giorno, un orizzonte chiaro di quello che la musica classica può fare per i lavoratori di domani.
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La musica classica è evidentemente una forma di arte, ma per ascoltarla devi avere qualcuno che ti guida. Da dove dovrebbe partire questo percorso?
Se i ragazzi facessero musica dall’infanzia si renderebbero conto naturalmente della sua bellezza e ne diventerebbero automaticamente fruitori. La richiesta di musica classica va indotta e bisognerebbe partire non dal liceo, ma dalla primissima infanzia con un percorso istituzionalizzato. Per mantenere viva quest’arte bisogna lavorare sui fruitori di domani, iniziando dalla tenera età.
Che cosa insegna ai ragazzi la musica classica?
La dimensione dell’orchestra e il fatto di suonare insieme in grandi organici è formativa di per sé. I ragazzi di AYSO vivono la musica empaticamente e se li osservi ti rendi conto che, dopo un po&#8217; che suonano insieme, non hanno neanche più bisogno di parlarsi: a loro basta uno sguardo. Questo indica che hanno imparato ad ascoltarsi, a dare il giusto spazio agli altri. Mentre suonano sanno intervenire al momento giusto, anzi sanno quando è il loro momento e a volte intervengono con passo felpato, a volte con la tipica veemenza giovanile.
In azienda queste competenze si chiamerebbero soft skills.
Suonare ti abitua alle sfumature, al lavoro di dettaglio. In orchestra chi soffre di protagonismo smussa questo aspetto in favore della squadra, e chi risulta più timido in qualche modo viene coinvolto dagli altri e riesce a tirare fuori il meglio di sé, in una logica non competitiva. L’orchestra è come una società che fornisce competenze tecniche, forma il carattere e abitua alla relazione con gli altri.
Tutte pratiche che sarebbero utili non solo ai futuri musicisti.
Ragionare sull’ascolto, sul lavoro di squadra, sull’empatia e sull’obiettivo comune fa crescere in qualsiasi contesto lavorativo. Questa formazione porta i ragazzi non solo a diventare degli ottimi musicisti oggi, ma anche dei lavoratori migliori domani, ovunque si trovino a operare. Ad esempio nella OrchestrAcademy (l’accademia di AYSO che impegna i ragazzi durante tutto l’anno) ci sono ruoli definiti, ma noi cerchiamo spesso di far ruotare i ragazzi nei ruoli di responsabilità.
Quindi niente ruoli fissi?
Nell’orchestra normalmente ci sono delle gerarchie: il primo violino ad esempio è il riferimento per tutti gli altri, e in generale ci sono le prime parti per tutte le sezioni. Noi abbiamo deciso di far ruotare i ragazzi in questi ruoli di responsabilità, in modo che possano essere solisti, ma anche accompagnatori con l’abilità di sostenere gli altri. Questo ti educa a essere in evidenza, ad assumerti la responsabilità di chi è in evidenza, ma ti insegna anche a coordinare le altre forze, gli altri talenti. In sostanza ruotano continuamente, ma con un obiettivo comune.
In sostanza imparano sia a fare i manager, sia a fare gli operai.
In alcuni momenti sono protagonisti, in altri sono al servizio del gruppo. E questo ti forma non solo per il lavoro.
La maggior parte delle orchestre giovanili internazionali è legata a istituzioni o a fondazioni. AYSO invece nasce come associazione con il desiderio di mettere insieme i giovani talenti provenienti da diverse scuole musicali del Sud Italia. Qual è lo scopo finale?
L’ambizione dell’orchestra è fare formazione per tutto l’anno ed essere un anello di congiunzione tra la formazione istituzionale e il lavoro professionale in orchestra. Ovviamente nel cercare di collegare formazione e lavoro non possiamo dimenticare che i musicisti pugliesi scontano tantissimo la difficoltà degli spostamenti. La Puglia è una zona remota, e lo spostamento richiede inevitabilmente un maggior impegno economico e un maggior dispendio di energie. Ma visto che questa regione si sta svuotando progressivamente di talenti e di belle capocce, noi vorremmo invertire la tendenza e portare qui musicisti che hanno un respiro internazionale.
Quindi non spostate i ragazzi, ma spostate gli insegnanti?
Vogliamo che i ragazzi possano lavorare con musicisti che sono prime parti in orchestre importanti. Per esempio all’inizio dell’anno abbiamo portato Dale Clevenger, leggendario primo corno della Chicago Symphony Orchestra. Ma abbiamo lavorato anche con Nir Kabaretti, direttore musicale della Santa Barbara Symphony; con il violinista tedesco Gernot Süßmuth, Konzertmeister presso la Weimar Staatskapelle e professore al Conservatorio Franz Liszt di Weimar; con la violoncellista Jelena Ocic dal Conservatorio di Amsterdam; con Felix Schwarz, prima viola della Staatskapelle di Berlino; con Luca Benucci, primo corno dell’Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino.
Come sono organizzate le lezioni?
Ci incontriamo con i ragazzi due domeniche al mese. Prima gli studenti fanno le prove con i loro coach di sezione, che sono musicisti di chiara fama e poi si riuniscono nelle prove di insieme. Nonostante l’associazione abbia poco più di un anno i ragazzi hanno già fatto anche delle bellissime esperienze. Ad esempio: l’Apulian Youth Symphony Orchestra ha inaugurato l’Italian Brass Week al Teatro del Maggio Musicale Fiorentino dove ha suonato in prima assoluta una composizione di Francesco Traversi, un pezzo che era stato scritto per l’anniversario dell’allunaggio e che ha avuto il patrocinio dell’agenzia spaziale italiana. 
Insomma vogliamo uscire dalla provincia e aprire a questi ragazzi delle finestre sul mondo. Vogliamo creare un ponte tra formazione istituzionale e le grandi realtà orchestrali mondiali, preparandoli ad audizioni importanti per orchestre di grande prestigio.
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Foto di copertina: Teresa Satalino mentre dirige AYSO al Teatro del Maggio Musicale Fiorentino.

Tanti licei musicali, poco lavoro

Tutti abbiamo cantato attorno al fuoco La canzone del sole di Battisti, continuiamo a emozionarci con Almeno tu nell’universo di Mia Martini e cantiamo a squarciagola Non sono una signora della Bertè. Ma chi c’è dietro tutto questo, oltre a delle voci e a dei personaggi immortali? Che cosa ci porta a considerare determinate canzoni una parte di noi stessi?
Mogol, Albertelli, Minellono, Lauzi, Cogliati, Morra, Migliacci sono solo alcuni dei grandi autori italiani che hanno reso delle parole apparentemente semplici pura poesia. La grandezza di un paroliere non si trova solo nelle parole vere e proprie, ma soprattutto nella realtà che in quel momento si sta vivendo: una realtà delle volte positiva con le sue gioie e speranze, negativa con i suoi dolori e dubbi, ma anche fantastica attraverso sogni e paure. La bellezza di un autore è nel sentire e interpretare il momento, dare una voce all’anima.
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<h2>Il Centro Europeo di Toscolano, la scuola di musica e parole di Mogol</h2>
Il Centro Europeo di Toscolano è una scuola a tutto tondo in cui si respira la musica vera e appassionata, un’associazione no-profit nel cuore dell’Umbria (ad Avigliano Umbro, in un centro di oltre 120 ettari) fondata dal grande Mogol, dove si tengono corsi per autori, compositori, interpreti e vari seminari per arrangiatori e musicisti. Nato nel 1992, il CET ha formato e diplomato circa 4.000 ragazzi, con una media di 100-150 diplomati l’anno. Quest’anno sono stati creati ben due corsi in collaborazione con i conservatori di varie zone d’Italia, che hanno dato la possibilità di formare i docenti degli stessi conservatori, i quali viceversa hanno portato la loro didattica e anche l’hip-hop proprio nei conservatori in cui insegnavano.
Prima scuola in Italia a essere organizzata come un college inglese o americano, il Centro Europeo di Toscolano è caratterizzato da corsi articolati in quindici giorni: una vera full immersion nella musica. Proprio per la sua particolarità, la scuola di Mogol è stata riconosciuta come Centro di interesse pubblico dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali, ovvero un centro di eccellenza universitario della musica popolare, con lo scopo di valorizzare e qualificare nuovi professionisti della musica pop.
Il lavoro di questa scuola musicale non termina con i corsi e le lezioni. Mogol ha infatti dato vita al Music Book, ovvero la possibilità, a chi non ha potuto sostenere l’esame di ammissione, di interagire con i docenti del CET. Si tratta di audizioni online e live che permettono una valutazione, a prescindere dall’essere allievi della scuola, oggettiva e coerente del proprio lavoro senza promettere facili successi e senza illudere nessuno. È stato proprio il maestro a ideare una piattaforma che facesse interagire tra loro professionisti del settore, con l’obiettivo di creare connessioni e collaborazioni.
<figure id="attachment_35282" aria-describedby="caption-attachment-35282" style="width: 960px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/Cet-1.jpg"><img loading="lazy" decoding="async" class="wp-image-35282 size-full" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/Cet-1.jpg" alt="" width="960" height="466" /></a><figcaption id="caption-attachment-35282" class="wp-caption-text">La sede del CET, ad Avigliano Umbro.</figcaption></figure>
La presentazione dei vari corsi inizia con una frase molto introspettiva, che fa capire sin da subito il risvolto umano e psicologico della musica: “Essere per scrivere”. Ma non è la sola. Nel corso per interpreti tra le materie trattate spicca “Filosofia dell’essere”, “Libertà interiore”, “Analisi delle capacità individuali” e soprattutto “Analisi e assimilazione dei grandi interpreti”.
La presenza dei docenti che insegnano al CET è consistente: si parla dello stesso Mogol, che gira tra i ragazzi regalando pillole di saggezza musicale, di Mario Lavezzi, Oscar Prudente, Alfredo “Cheope” Rapetti, Giuseppe Barbera, Carla Quadraccia, David Poggiolini e molti altri. Ma il percorso di un docente parte, prima di tutto, dall’essere allievo: il futuro insegnante infatti frequenta uno o più corsi per poi diventare assistente docente, e infine docente vero e proprio dopo altri corsi specifici. È stato proprio il maestro Mogol a volere che gli stessi allievi diventassero docenti, poiché ha ritenuto fosse un passaggio meritato per continuare a trasmettere valori umani, insegnamenti preziosi ed entusiasmo.
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<h2>Il mestiere di paroliere secondo Giuseppe Anastasi</h2>
Fra i docenti spicca il talentuoso autore, cantautore e musicista Giuseppe Anastasi, noto per aver scritto i brani Sincerità, vincitore della sezione giovani del Festival di Sanremo 2009, e Controvento, vincitore del Festival di Sanremo 2014, entrambi interpretati da Arisa (la stessa cantante è stata allieva del CET).
<figure id="attachment_35281" aria-describedby="caption-attachment-35281" style="width: 958px" class="wp-caption aligncenter"><a href="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/Anastasi-1.jpg"><img loading="lazy" decoding="async" class="wp-image-35281 size-full" src="https://www.informazionesenzafiltro.it/wp-content/uploads/2020/01/Anastasi-1.jpg" alt="Giuseppe Anastasi, paroliere di talento e tra gli autori più apprezzati in Italia." width="958" height="640" /></a><figcaption id="caption-attachment-35281" class="wp-caption-text">Giuseppe Anastasi</figcaption></figure>
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Giuseppe, l’autore ha un ruolo fondamentale, forse il più importante di tutti. Ma chi è questa figura che a volte si trova nell’ombra?
L’autore è una persona come tutte le altre. Soltanto che, a volte, quello che pensa non lo dice ma lo scrive.
Com’è cambiato il ruolo dell’autore? C’è un’evoluzione o un’involuzione? Ci sono differenze fra le varie fasi che la musica italiana ha subito e sta subendo?
Non c’è stata un’evoluzione o un’involuzione. In realtà il modo di scrivere cambia in base al contesto storico, perché ogni epoca ha le sue parole.
Che tipo di autore troviamo oggi? Su quali parole e testi ci si basa?
Ovviamente, in base al genere musicale, la scrittura cambia. Nella musica pop si possono trovare ancora del romanticismo e dei temi sociali affrontati con equilibrio. Nella musica rap e nella trap troviamo invece maschilismo, che però è accettato dalle ragazze di quest’ultima generazione, e poi sesso, droga, alcol e tutto quello che può scaturire da un disagio sociale.
Secondo lei si è perso qualcosa, strada facendo, di questa figura così complessa?
A mio avviso niente affatto, anzi gli scrittori stanno aumentando sempre di più. Quando un Paese è in crisi economica, politica e di valori in generale, gli scrittori aumentano sempre.
Lei è un autore e cantautore a 360°, insegna al CET di Mogol dove si è anche formato. Che cosa consiglia a chi vuole avvicinarsi a questo mondo?
Il consiglio che voglio dare a chi si avvicina a questo mondo è di stare attento alla vita, di osservare, capire, interrogarsi e studiare. Studiare sempre, finché se ne ha la forza, e ogni volta che si scrive una canzone di farla sentire a più gente possibile. Raccogliere tutti i pareri e farne tesoro.
L’autore, per certi versi, è alla stregua di un poeta. Perché essere un autore?
Per me, l’autore di canzoni non è un poeta. Oltre che con la penna e il foglio di carta, ha a che fare e deve interpretare qualcosa di suggestivo e immateriale: la musica.
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Il paroliere è un mestiere che continua a stupire. È un lavoro che presuppone pazienza e il saper ascoltare se stessi e gli altri: “Poeta è non solo colui che sa comunicare profonde emozioni, ma anche chi è in grado di riceverle”, sostiene Gulio Rapetti. “Essere per scrivere”, si legge come primo punto dei corsi CET. Forse è proprio questa l’essenza di un autore: cercare di essere qualcosa e qualcuno in mille modi diversi, proprio per cogliere la vita in tutte le sue sfaccettature. Così come viene, così come un paroliere percepisce attraverso il mondo che lo circonda, respirando a pieni polmoni.
In copertina: Mogol durante una delle sue lezioni al CET.

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